Картина своими руками в стиле арт: 100 потрясающих идей картин для интерьера своими руками — Дом&Стройка

Такой шедевр, созданный вручную, станет милым украшением дома

Определившись со стилем, можно начинать подбирать материалы для будущего произведения:

1. Краска и холст.
2. Картон, дизайнерская бумага, журнальные вырезки, старые фото.
3. Текстиль, кожа, ленты, тесьма.
4. Стекло или кристаллы.
5. Пуговицы.
6. Сухоцветы, ракушки.

Совет! Не выбрасывайте старые детские рисунки, лоскутки ткани, журналы, украшения — все это может стать частью картины. Храните их в отдельной коробке, периодически просматривая и компонуя между собой.

Эффектная реализация из лоскутов

Цветная модульная картина удачно может скрыть телевизор

Картину можно сделать из распечатанного макрофото

Любой предмет может стать основой для рукодельного шедевра

Самый простой способ создать для интерьера оригинальную картину своими руками — написать ее. Тематика ограничивается только фантазией творца. Даже при отсутствии художественных навыков может получиться шедевр: используйте абстрактные техники, изучайте мастер-классы и фото готовых работ.

Для создания оригинальной картины необходимы минимальные навыки рисования красками

Оригинальная композиция в интерьере в стиле рустик

Эффектное сочетание цветов на картине будет приковывать взгляды домочадцев и гостей

Незатейливая, но очень привлекательная композиция

Для белоснежного интерьера отлично подойдет яркая абстракция

Масляные, акварельные, акриловые краски станут верными помощниками в создании картины для интерьера. В качестве основы можно использовать как профессиональный холст, так и обычную плотную бумагу или загрунтованную дощечку.

Совет! Вдохновение можно черпать на природе, если поблизости от дома есть живописные места. Если ни с местом, ни с погодой не повезло, смело рисуйте своих домочадцев, питомцев, композиции из фруктов — что угодно. Точность воспроизведения реальности не играет никакой роли, главное — подойти к процессу с душой.

Раму для своего произведения можно заказать в багетной мастерской, где легко найти подходящий вариант окантовки.

Техника создания абстрактной картины с использованием красок

Работа красками, с использованием подручных средств

С помощью краски в баллончике легко наносить изображение через трафарет. В качестве основы для картины лучше взять фанеру или очень плотный картон. Краска для фона должна отличаться по цвету и эффекту от цвета рисунка. Например, оригинально смотрятся цветные узоры на золотом или серебряном поле.

Совет! Вместо бумажных трафаретов используйте засушенные листья и травы интересной формы.

Варианты с трафаретом. Весело и жизнерадостно!

Используя простой цветок или листья деревьев можно создать уникальный холст

Новогодняя картина, выполненная при помощи «оленьего» трафарета

Отличным решением могут стать ажурные бумажные салфетки

Подобные картины смотрятся очень оригинально и придают интерьеру загадочную глубину. Они представляют собой изображение, разделенное на несколько полотен, часто асимметричных. Необязательно быть художником, чтобы создать такой шедевр.

Совет! Чтобы сделать его, нужно найти подходящее изображение — это может быть красивое старое фото, пейзаж, натюрморт, абстракция, и распечатать его в фотомастерской на бумаге или ткани.

Яркая, креативная модульная картина

Современная гостиная с крупной модульной картиной

Тонко обыгранное изображение велосипеда

Остается только разрезать его на сегменты и зафиксировать их на подходящей основе. Бумагу можно просто аккуратно наклеить на основу из фанеры или ДВП, а холст — натянуть на деревянный каркас и закрепить с обратной стороны степлером.

Совет! При самостоятельном написании картины для интерьера изображение наносится поверх уже подготовленных модульных сегментов. Холст можно заменить любой подходящей тканью, расписав ее красками для батика. По бумажным заготовкам роспись лучше выполнять акрилом или водостойкими маркерами.

Модульная картина с фотопечатью в спальне

Карта мира в детской

Идея для гостиной

Модульные картины подходят практически для любых помещений: от кухни до гостиной, но важно подбирать соответствующие изображения. Если же у вас совсем нет времени для создания шедевра своими руками, то у нас для вас хорошая новость — на сегодняшний день купить их можно в любом специализированном магазине!

Техническую сторону вопроса берет на себя фотомастерская, которая может напечатать подходящее изображение практически на любой основе: холсте, бумаге, керамике и пр. Это могут быть обычные постеры с изображением интересных мест, людей, орнаментов.

Совет! Постер не просто картинка, он должен нести определенную идею, соответствовать интерьеру, тематике помещения и характеру хозяев дома. В последнее время особую популярность снискали постеры в стиле пин-ап и ретро.

Идеи для лофта

Небольшую спальню в серых тонах украсит черно-белая картина в черной рамке

Если постер большеформатный, можно разделить изображение на несколько сегментов и при соединении в единое полотно обыграть стыки, сделав подобие модульной картины.

Если в доме есть ребенок, то можно отсканировать его рисунки и, подобрав подходящие по цвету, форме, сделать из них коллаж. Дополнить такой плакат может фото самого художника. Останется только распечатать постер и поместить его в раму, подходящую по цвету и стилю интерьеру детской.

Коллаж из старых и новых семейных фото можно повесить в качестве картины в спальню или гостиную, а для кухни подойдут постеры с изображением соответствующей атрибутики, фруктов. Напоследок стоит отметить, что рекомендуется выбирать постеры и панно для кухни в сочных и ярких цветовых гаммах, однако, вам никто не запрещает пойти против правил и создать стильны монохромный кухонный дизайн.

В интерьерах стиля модерн очень популярны картины с использованием фотопечати

Для уютной светлой спальни также подойдут небольшие черно-белые фотокартины

Атмосферная модульная картина из фотографии

Из всевозможных лоскутков, ткани с красивым орнаментом, лент, тесьмы или кружева можно своими руками создавать настоящие шедевры в стиле пэчворк. Картины из ткани чаще всего делают в технике аппликации. За основу берется плотный текстиль со сдержанным и незаметным орнаментом (полосы, горошек и пр.), а из ярких лоскутков вырезаются основные элементы.

Из тканей разных расцветок можно создавать настоящие шедевры

Яркая модульная картина из текстиля под стеклом

Оригинальное украшение стены тканевыми картинами

Чаще всего текстильными произведениями украшают кухни и детские, поскольку для этих помещений характерна некая простота, присутствующая в аппликации.

Совет! Из фетра, фланели и прочих тканей, которые хорошо держат форму, можно вырезать фрукты, животных, машинки, домики. Можно смело сочетать различные фактуры и рисунки на тканях, использовать для оформления тесьму, декоративный шнур, пуговицы. Для гостиной можно сделать текстильную картину из жатого шелка с абстрактными узорами.

Необычные текстильные картины из яркой ткани в детской

Интересная текстильная модульная картина у изголовья кровати

С их помощью можно создавать оригинальные вещи методом пришивания или аппликации.

Совет! Пуговицы можно наклеить по периметру картинной рамы, придав ей индивидуальность.

Необычная картинка, созданная с помощью разнообразных пуговиц

Яркое сердце из пуговиц

Нередко после ремонта остаются большие куски красивых обоев, которые пригодятся для изготовления необычных интерьерных картин.

1. Обои в раме — самый простой вариант для создания подобного панно. Из рулона вырезается кусок нужной формы и помещается в раму. Причем орнамент может совпадать с рисунком на стенах или отличаться от него. Такие элементы могут идти в ряд по 2−3 штуки.
2. Оживить скучное полотно в рамке поможет золотистая краска и трафарет или небольшие черно-белые фото, стилизованные под старину. Подобные картины из обоев идеально впишутся в интерьер гостиной.
3. Для детской, кухни или прихожей подойдет декорирование обоев в раме аппликациями или забавными тематическими наклейками.
4. Обои могут стать основой модульной картины, особенно хорошо смотрятся изделия с рисунками на фоне однотонных стен. Орнамент и цвет обоев в каждом сегменте может отличаться от соседних, как и размер модулей.

   Изысканные картины из обоев украсят стену дома или общественного помещения

   Темно-синяя столовая, украшенная картинами из обоев

   Небольшая картина из узорных обоев в светлой рамке

   Стильный светлый интерьер гостиной украшает картина из узорных обоев

   Необычное украшения для ванной комнаты

Вышивкой картин увлекаются многие, а в магазинах для рукоделия можно найти самые разные схемы и наборы для создания шедевров. Своими руками можно вышить полотно бисером или попробовать свои силы в выкладке мозаичных картин. Последние выполняются в алмазной технике, то есть выкладкой стразами.

На заметку! Этот процесс довольно трудоемкий и требует усидчивости и аккуратности, но результат превосходит все ожидания. Можно использовать как технику полной выкладки, так и частичной, где кристаллы покрывают отдельные участки полотна.

Очень стильная картина из тканевой фурнитуры

Оригинальное украшение стены к Хэллоуину

Из фотографий, вырезок, книжных и нотных страниц можно создавать удивительные коллажи. В зависимости от тематики изображений картины могут украшать гостиную, спальню или любую другую комнату.

Яркая необычная картина, созданная своими руками

Также можно делать объемные картины из кожи или картона, использовать техники декупаж и квиллинг картины, картины из кофе и даже поделки из макарон.

Картина в технике квиллинг украсит детскую комнату

Для создания подобной картины понадобится много терпения и времени

Непривычные картины из деревянных брусков

Интерьер в стиле фьюжн с разнообразными небольшими картинами ручной работы

Совет! Чтобы нарисованная картина или собственноручно выложенное панно радовали ваш глаз максимально долго, рекомендуем вам покрыть их прозрачным влагостойким лаком. Для усиления эффекта, эту процедуру после просыхания верхнего слоя можно повторно повторить еще 2−3 раза.

Если же вы любитель картона, то из плотной цветной бумаги, текстиля и поролона можно создавать креативные многослойные изображения с искривленным пространством. Напоследок, стоит отметить, что при выборе обрамления для получившегося шедевра, можно остановиться на самых простых рамах. Их тоже можно оформить по своему усмотрению с использованием различных декоративных материалов.

Эффектный элемент домашнего декора можно создать своими руками

Картины и панно в интерьере

КАРТИНЫ ДЛЯ ИНТЕРЬЕРА

10. 06.2016

Украшать интерьер с помощью картин всегда было одним из лучших способов создать индивидуальное пространство, обладающее своим неповторимым настроением и уютом.

Вы планируете ремонт или уже сделали его, но чего-то не хватает… Какого-то настроения, главного ощущения от обстановки, ее изюминки: оно создается картинами. Украшать интерьер с помощью изображений всегда было одним из лучших способов создать индивидуальное пространство, обладающее своим неповторимым настроением и уютом.

Не нужно думать, что купить картины для интерьера – это очень дорого. Сегодня позволить их себе без проблем может каждый человек. Можно выбрать самые разные виды изображений: живые полотна, репродукции, фотографии, графику… Осталось только правильно выбрать картину, которая подходит к дизайну комнаты и создает подходящее настроение.

Каталог картин

Чтобы красиво развесить изображения, учитывайте геометрию пространства. Картины способны подчеркнуть одни особенности комнаты и сгладить другие. Например, длинные вертикальные изображения сделают любое помещение визуально выше, а несколько картин, равномерно распределенные по горизонтали зрительно расширят комнату.

А вот если поместить большую картину на стену в квартире, где ей едва хватает места, то это способно зрительно уменьшить помещение. Лучше использовать вокруг полотна достаточно свободного пространства.

Если помещение большое, то маленькие картины создадут иллюзию пустоты и потерянности. Их можно развесить группами, тогда они будут восприниматься более органичного. Среднего размера полотно можно скорректировать с помощью просторного паспарту.

Любые картины можно развесить своими руками, но следите за горизонталями: чтобы поддерживать чувство зрительной гармонии, несколько изображений на одной стене следует выравнивать по горизонтали. Общепринятым является выравнивание картин по центру.

Следующая задача – выбор высоты. Можно разместить изображения в соответствии с «музейным методом»: когда расстояние средней линии от пола фиксировано и составляет 152 см. Но если любоваться полотнами люди будут сидя, то лучше повесить их пониже. Это актуально, если речь идет о кухне или спальне.

Чем больше пустого пространства на стене, тем большего размера изображение там можно поместить. Картины в гостиную над диваном должны быть среднего размера, лишь на пустующих стенах можно позволить себе развернуться, повесив там огромные полотна, гобелены или картины на всю стену. Картины в интерьере гостиной на фото позволят хорошо разобраться с тем, как лучше вешать их, чтобы было гармонично.

Подсветка картин в интерьере

Насколько удачно будет выглядеть картина, зависит и от подсветки. В идеале, каждое полотно нуждается в собственном освещении.

Если у вас мало полотен, но все они – настоящие шедевры, которые выполняют роль значимых акцентов в помещении, то сделать ненавязчивую подсветку каждому из них будет хорошим решением. Для этого лучше подходят галогенные лампы, которые дают чистый белый свет, не искажающий цвет красивой картины для домашнего интерьера.

Там, где изображения несут в первую очередь декоративную функцию, можно ограничиться общей подсветкой и не акцентировать на них внимание. Главное – чтобы лампы не бросали на полотна блики и не отсвечивали.

Рекомендуется воздерживаться от размещения полотен под прямыми солнечными лучами, это приводит к выгоранию цвета и порче.

Чтобы определиться с освещением, посмотрите на картины для интерьера и стильные фото с их подсветкой.

Картины для интерьера гостиной

Гостиная – сердце дома. Правильный выбор картины для гостиной – это основа для формирования всего облика квартиры. Чтобы полотно лучше всего соответствовало гостиной, нужно выбирать его в соответствии со стилем этой комнаты. Просмотрите красивые картины для интерьера на фото, многие вопросы проясняется сами собой.

Следите за гармонией между отделочными материалами, использованных для дома, и рамкой картины на стене (или паспарту). Именно их несоответствие частой служит причиной того, что хорошее изображение просто теряется, не привлекая к себе должного внимания.

Выбирать следует полотно в нужном стиле, соответствующем обстановке. Не стоит размещать репродукцию представителя старой голландской школы в интерьере в стиле модерн. А вот в комнате с натуральным деревянным полом и мебелью такое полотно будет чувствовать себя очень даже уютно. Картины для гостиной на фото помогут сориентироваться при выборе.

Авангардные и минималистические полотна требуют минималистического же окружения. Они не терпят узорчатой обивки мебели или присутствия большого количества декора. Яркие и динамичные, эти полотна выигрышнее всего смотрятся в интерьере с таким же настроением.

Модульные картины для гостиной

Модульные изображения – это довольно современная идея, несмотря на то, что их прототипы существуют и в старой живописи. Различные триптихи и аналогичные разделения на 2 и более частей – попытка передать в одном полотне идею с разных сторон. Из них появились тройные картины на стену.

Модульные картины в интерьере гостиной на фото можно увидеть двух видов. Первый – когда одно полотно как будто разделено на несколько частей, которые могут иметь разный размер и форму. Второй вид – если несколько полотен представляют одну тему. Обычно в этом случае они имеют одинаковые формы и размеры.

Черно-белые картины в дизайне пространства

Сочетание двух контрастных цветов позволяет донести идею самым простым способом. Именно поэтому академический рисунок во все времена был черно-белым. Черно-белые интерьерные картины могут решить сразу несколько проблем:

• Не нужно заботиться о совмещении цветового баланса полотна и интерьера.
• Минимализм черно-белых изображений вписывается как в старинный интерьер, так и в современный.

Обычно черно-белые картины для интерьера – это фотоизображения. Монохромная фотография – отдельное направление в искусстве. Среди самых популярных сюжетов можно отметить природу, обнаженные фото, архитектуру. Можно встретить фотокартину на стене в любом жанре.

Картины цветов: где их вешать

Картины цветов для интерьера – это легкий способ привнести в интерьер любого помещения живость и хорошее настроение. Цветы всегда были любимой натурой для натюрмортов художников, в каком бы направлении живописи они ни творили.

Картины с цветами можно вешать в гостиной, в спальне, на кухне. Везде они привносят ощущение весны и предстоящего праздника. Пожалуй, единственное место, где им не место – это кабинет. Там цветы будут создавать легкомысленное настроение, не всегда способствующее рабочему настроению. Но и здесь все зависит от стилистики самого кабинета.

Рекомендуем картины для спальни

Картины для спальни – это именно та яркая деталь, которая допустима в интерьере этой обычно мягкой во всех остальных аспектах комнаты. Такое изображение – это то, что люди видят после пробуждения и то, на чем останавливается глаз незадолго до погружения в сон.

Слишком активные полотна, поначалу мешающие уснуть, со временем вызовут привыкание и не будут вызывать прежних чувств. Гораздо более интересным вариантом являются сложные полотна, которые открываются с новой стороны. Стильные изображения для интерьера спальни на фото способствуют более полному пониманию вопросов грамотного выбора.

Не рекомендуется вешать в спальне портреты. Такие изображения вызывают слишком живой эмоциональный отклик у людей, они не способствуют релаксации. Портреты лучше приберечь для гостиной. В спальне идеально смотрятся пейзажи. Картины в интерьере всей квартиры на фото и полотна для спальни несколько различаются по стилистике.

Изображения могут быть просто символическими, создающими акцент в определенных областях комнаты. Например, произведение искусства с каллиграфией – одно из лучших решений для спальни. Мода на каллиграфию в России только набирает обороты. В восточном мире применение каллиграфии – давняя традиция, а в западном ее активно осваивают, это модная тенденция.

Правила покупки картины в интернет-магазине

Купить творение любимого художника или репродукцию заслуженного мастера можно не только в салоне, но и в интернет-магазине картин для интерьера. Такая покупка обходится заметно дешевле, так как не нужно платить комиссию салонам и перекупщикам.

На сайте магазина можно просмотреть современные картины для интерьера на стильных фото, что позволяет сделать осознанный и обоснованный выбор.

Каталог картин

Как нарисовать поп-арт портрет по фотографии на холсте

Тут собраны просто мои собственные изыскания на тему. Итак, как же можно нарисовать пор-арт портрет по фотографии.

Как нарисовать поп-арт портрет по фотографии

Надо сознаться, что портреты я обычно не рисую, не умею рисовать достаточно хорошо для этого. Разве что кошачие. 🙂  Но на создание портрета знакомого в стиле поп-арт я все-таки решилась.

Естественно, что исходная фото-картинка должна быть приличного качества, контрастной, свет должен красиво падать. Если у вас в наличии есть несколько разных, то попробуйте каждую, сами увидите какая лучше подойдет.

Совет — перед началом творчества в фотошопе предварительно лучше повысить контрастность фото.

Не обязательно брать всю, возьмите только ту часть, которая будет на ваш взгляд наиболее эффектно смотреться.

• Фотошоп
• Холст с подрамником
• Акрил
• Кисти
• Копирка
• Бумага
• Принтер
• Скотч
• Ножницы

Поп-арт — очень модное сейчас направление, этот стиль  с удовольствием используют дизайнеры в современных интерьерах. Если вы хотите повесить дома на стену свой портрет на холсте, сделанный своими руками, либо сделать кому-либо в подарок, то этот пост на тему «как нарисовать пор-арт портрет по фотографии» несомненно подойдет для вас, будет полезен.

Исходный портрет

Во-первых, если фото-портрет на бумаге, то отсканируйте его, первым делом нужно перевести его в цифровой формат.

У меня был вот такой портрет для примера, я его специально размыла (вдруг человек увидит себя и будет недоволен), но вам этого делать не надо.

Поп-арт портрет в фотошопе — постеризация

Я привыкла работать в фотошопе. Выбираем «Изображение — коррекция — постеризация». Играем с ползунком уровня. Наименьшее значение 2. Чем меньше число, тем грубее портрет, чем больше, тем он ближе к оригиналу, тем больше детализация, больше цветов.

Вот пример, где уровень детализации равен двум. Уже вполне ничего себе смотрится. Нормальный поп-арт портрет. Если есть желание, то фон можно заменить, или убрать совсем, а на его месте нарисовать, например, расходящиеся к краям лучи.

Цвета можно сразу же заменить на другие, если какие-то вас не устраивают. В фотошопе есть для этого специальный инструмент «замена цвета» — вы выделяете участки, где нужна замена, выбираете ползунком необходимый оттенок, изменяете его насыщенность, есть там несколько параметров.

Постеризация с уровнем 2 — поп-арт портрет

Вот детализация чуть побольше. Короче, поиграйтесь с этим параметром. Но помните, что вам потом надо будет делать контуры, переносить их на холст, поэтому слишком уж детально проработанные вам ни к чему — замучаетесь.

Детальная постеризация портрета

Не забудьте сохранить тот вариант портрета, с которым вы решили дальше работать. Он вам еще пригодится. На последнем этапе, то есть когда вы будете рисовать… вернее, раскрашивать ваш арт портрет. 🙂

Выделение контуров по фотографии

Я вижу два самых простых способа выделить контуры.

• Фильтр — стилизация — выделение краев
• Фильтр  стилизация — трассировка контура

Первый — это «Фильтр — стилизация — выделение краев». Приблизительно вот так. Если хотите черное-белые очертания, то переведите в черное-белое.

Выделение краев на портрете

Второй почти такой же. Фильтр  стилизация — трассировка контура. Разницы принципиальной для нас нет.

Трассировка контура портрета

Далее в том же самом графическом редакторе — фотошопе — делаю размер картинки, равный размеру холста, на котором мы будем рисовать наш портрет в стиле поп-арт. Изображение — размер изображения. Естественно сначала нужно поправить пропорции, чтобы длина и ширина нашей фотографии и собственно холста были в одной пропорции. Иначе при изменении размера может получиться так, что по краям — справа и слева или сверху и снизу — останутся пустые места.

Фотошоп для разрезания фото с контурами поп-арт портрета

Как же разрезать наше изображение на части? Нам это нужно для того, чтобы можно было распечатать все листы на принтере, чтобы потом мы имели возможность работать с контурами.

Активируем на панели инструментов «Раскройку». Нажимаем правой мышью на картинку и выбираем «Разделить фрагмент». Выбираем на сколько частей по горизонтали и вертикали нужно делить. Это высчитывается исходя из того, каковы общая длина и ширина — печатаем мы на листе А4, измерьте его, поймете на сколько частей нужно разрезать.

Распечатываем портрет по частям

Разрезанные детали нужно сохранить. Поскольку это контуры, особое качество тут не нужно. Идем в «Файл — сохранить для Web и устройств».

Нажимаем на сохранить, указываем куда. На выходе имеем не один, а несколько файлов, по количеству, указанному вами в предыдущем пункте. У меня вышло 9 кусков.

Каждый распечатываем на принтере. Я указала угловые точки, так мне удобней потом складывать все в единое целое.

Далее идет «обезьянья работа» — отрезаем частично края, совмещаем, аккуратно приклеиваем друг к другу. В итоге имеем следующее:

Склеиваем все детали эскиза

Чуть не забыла — не забудьте загрунтовать холст — это очень важно — просто покройте его слоем белого акрила. Дайте хорошо высохнуть. По нему мы уже будем рисовать.

Я действую старым бородатым методом — при помощи копирки перевожу рисунок на холст. Заранее приклеиваю скотчем края нашего контурного изображения к краям холста, чтобы ничего не двигалось, не смещалось. Предварительно внутрь прокладываю копировальную бумагу.

Переводим контуры на холст

Когда этот этап работы закончен,  приступаем к самому интересному. Когда вы были детьми, наверняка помните книжки-раскраски. Нужно было рисовать одним цветом между контурными линиями.

Здесь то же самое. Есть выделенные края, между ними нужно закрасить определенным цветом. Для этого открываем сохраненный вариант. Если вас что-то не устраивает, то некоторые цвета можно заменить. Это очень удобно — вы сразу видите результат и эффект от изменений.

Берете краски, подойдут акриловые, масляные, а также кисточки и начинаете раскрашивать, поглядывая на образец на экране компьютера, чтобы не перепутать цвета.

Можно сделать парные портреты в стиле поп-арт, всем членам семьи, например, он и она, на двух разных холстах, повесить рядом, будет замечательно смотреться, очень современно.

Кстати, у меня есть еще всего несколько постов на тему поп-арта. Правда, с портретами ничего общего у них нет. Это про одного известного американского художника, который успешно работал в стиле поп-арт, у него великолепные двухслойные аппликации из бумаги. Это стоит посмотреть, а повторить для себя тем более — все гениально просто!

Поп арт портреты витражными красками на стекле

Мне только что пришла в голову одна гениальная идея. Все может быть еще проще, чем я тут написала. Портрет (или что угодно другое — пейзаж или натюрморт, без разницы) по фотографии можно изобразить не только как картину, что на мой взгляд, не так просто из-за перевода распечатанных линий на холст, но также как своего рода витраж.

Сейчас объясню, что я имею в виду. Многие рамы продаются уже вместе с каким-то никому не нужным постером (для примера, наверное), а также с защитным стеклом. Если я рисую картину маслом или акрилом, то стекло это я просто не вставляю, оно только мешает, портит впечатление.

Можно поступить с точностью до наоборот — внутрь подложить белый лист бумаги, а рисунок сделать на стеклянной поверхности. Этим мы заметно облегчим процесс. Каким образом, спросите вы? Очень просто. Переводить эскиз не понадобится. Единственное, что будет необходимо — это подложить под стекло готовый контурный рисунок, а еще закрепить его, чтобы не смещался.

Все очертания нашего портрета в стиле поп-арт (или что у вас там) будут отлично видны сквозь прозрачное стекло. Дальше работаем обычными витражными контурами — прямо по стеклу. Даем основательно высохнуть. Последний этап — заполняем замкнутые линии цветом.

Роспись по стеклу – Коты на крыше

Подобную вещицу я делала с кошечками. Это небольшая картинка, которая висит у меня на кухне. Если это не посуда (которую часто используют, моют в посудомоечной машине), что закреплять в духовке получившуюся работу не обязательно. Но если она по размерам влезает, то можно закрепить. Надо сказать, что с плоским материалом работать проще, хотя при расписывании стеклянных вазочек, стаканов, я тоже для удобства перевода основных очертаний вставляю внутрь распечатанный эскиз.

Конечно, котики не имеют ничего общего с поп-артом, но уверена, что портрет на стекле получится ничуть не хуже, чем на холсте, а возможно даже лучше. Интересней. Современней.

А если внутри (если толщина рамы позволяет) добавить светодиодную подстветку, а снаружи выключатель, то будет просто великолепно. Особенно здорово будет смотреться вечером.

Вас может заинтересовать:

Как рисовать цветы — копия натюрморта с тюльпанами акварелью

Картинка была найдена мною в сети, совершенно случайно, но она так мне понравилась, что мне захотелось скопировать ее для себя. Я совершенно не умею работать акварелью, но решила попробовать. На удивление, получилось очень похоже на оригинал. Очень приятные цвета получились, висит у меня на кухне.

Как нарисовать пейзаж — лавандовые поля

Небольшой типичный весенний тосканский пейзажик с цветущей лавандой, домом с красной крышей, пирамидальными тополями, очень простой. Нарисован обычными всем доступными акриловыми красками. Приведен эскиз, который можно распечатать, затем предварительно перевести на холст, а также последовательность работы.

Объемные картины из ткани и клея на холсте

Очень интересная совершенно необычная техника. Возможно, не самые лучшие примеры, но зато познавательно. Фигуры имеют объем за счет складок материи, жесткость материалу придает добавление клея. Таким образом хорошо можно передать движение. Там же есть ссылка похожую технику, только применены бумажные листы и газеты.

Похожие статьи:

топ стильных арт-объектов для дома

Любой дизайнерский стильный интерьер не будет казаться законченным и «живым»  без декоративных мелочей.   Зеркало, фотографии в рамках, вазы и цветы – эти и другие элементы просто необходимы, чтобы наполнить  пространство жизнью. Арт-объекты в интерьере помогут дизайнерам или хозяевам помещения проявить свою индивидуальность и необычный эстетический вкус.

Что такое арт-объект? Это всё, что выглядит необычно. Формы, фактуры, материалы, выполняющие декоративные функции и применённые, казалось бы, не по назначению.  Эксклюзивные столики и пуфы, ширмы, музыкальные инструменты, стилизованное освещение, ковры и панно.

Далеко не каждая декоративная деталь интерьера может считаться арт-объектом. Арт-объект  должен нести художественный посыл.  Это то, на чём останавливается Ваш взгляд,  то, над чем можно задуматься  и, конечно, то, чем можно восхититься.  

В современных интерьерах, стремящихся к минимализму,  всё больше отдаётся предпочтение практичной составляющей оформления, но и в этом случае использование арт-декора имеет место быть.  Особенно чётко это можно наблюдать в популярных в последнее время интерьерах в стиле сканди.   Светлые оттенки, прямые чёткие линии, разграничивающее пространство, минимум мебели и декора могут придать ощущение холодности и безжизненности пространства. В такой ситуации «интересности» и яркие акценты просто необходимы.

 Какие могут быть арт-объекты в скандинавском стиле: стилизованные декоративные оленьи рога и головы, журнальные столики из сруба с минимальной обработкой, светильники с подставкой из веток, декоративные венки, подушки с орнаментом и авторским сюжетом, зеркала необычной формы, постеры и картины в определённой стилистике, вешалки для одежды, подсвечники и фальш-камины.  Вообще, арт-объекты из дерева – это хороший способ оживить холодный сканди. С этой задачей отлично справятся  модульные картины на досках. Здесь есть и текстура дерева, столь  востребованная в данном оформлении пространства, и в то же время необычные сюжеты, придающие настроение.

 Всегда выигрышно и к месту смотрятся арт-объекты в интерьере модерн. Такой стиль невозможно представить без  диковинных акцентов. Витражи и кованые элементы на мебели, декоративные статуи, мозаика и фигурные рамы, вазоны и люстры, пёстрый текстиль и множество картин.

Если  Вы задумались о том, как вписать арт-объекты в интерьер, всегда помните о чувстве меры. Дизайнерские объекты должны лишь дополнять оформление и придавать ему уникальность. Помните, Ваша спальня или гостиная не должны превратиться в галерею современного искусства, нахождение в которых в дальнейшем будет не столь гармоничным.

Необычные декоративные детали для интерьера можно купить у коллекционеров, в интерьерных салонах или даже заказать в мастерских. Опытные специалисты смогут воплотить любую фантазию за Ваши деньги. Но, гораздо приятнее создать арт-объекты своими руками. В ход может пойти практически всё. Например, покрывало из десятков разных лоскутов, расписанные гитары и старое пианино, панно из старых музыкальных дисков и пластинок, слепки из гипса и самодельные декоративные маски. Даже камушкам и ракушкам, привезённым несколько лет назад из путешествий , можно найти применение – оформить светильник или рамку для фотографий.   Самодельный декоративный венок на двери можно менять и декорировать  в зависимости от времени года, праздников и наличия тех или иных подручных материалов. Концепция арт-объекта, который Вы сделаете собственными руками, может быть понятна далеко не всем гостям. Гораздо важнее эмоции, которые Вы испытываете, глядя на эту деталь.

Источник изображения: © Своими руками

Если же Вы сомневаетесь в собственных творческих способностях, можете обратиться в компанию «ОРТОГРАФ».  В наших силах сделать эксклюзивные декоративные отделочные материалы, которые Вы не встретите ни  у кого  больше.  Эффектные фрески и обои, обрамлённые багетом, дизайнерские серебряные и золотые обои «Silver&Gold». Эксклюзивной мозаикой можно обрамить зеркало, сделать необычный кухонный фартук,  украсить края журнального столика или барной стойки. А представьте, как  необычно будет смотреться панно из декоративных тарелок на стене.  Особенно если автором сюжета на них будете выступать Вы сами.  

Откроем секрет! Совсем скоро, Вы сможете украсить своё пространство необычным зеркальным панно. Компания «ОРТОГРАФ» запускает производство зеркальной плитки с фотопечатью. Вы можете выбрать панно с авторскими сюжетами от наших  художников или стать автором своего эксклюзивного решения, предоставив собственный файл.

100+ фото [Лучшие Идеи 2019 года]

Американское кино стало источником вдохновения для миллионов людей на оформление своего жилья в стиле лофт, характеризующееся естественным освещением, кирпичными стенами и лаконичностью. Промышленный стиль родом из заброшенных заводов и складских помещений очень быстро нашел применение в декоре интерьера. К таким тенденциям стоит подобрать дополнения в виде картин на холсте и другой необычной графикой. Для придания пространству красоты и комфорта стоит отдать предпочтение изображениям в стиле ретро и винтаж, поп-арт, оп-арт, которые подчеркнут американский стиль вашего интерьера. Приглашаем просмотреть ассортимент удивительных картин в комнатах стиля лофт.

Картины для интерьера в стиле лофт — плакаты или промышленные настенные декорации

Плакаты в стиле лофт — классические декорации с надписями и графикой. Лофт-интерьеры созданы на основе старых, уже не действующих фабрик и промышленных залов. Такие апартаменты имеют свой собственный климат и суровый стиль. Из-за того, что количество адаптированных лофтов невелико и их цены намного выше, чем на классические апартаменты, то такие квартиры сегодня на пике моды. Используйте плакаты в стиле лофт с кирпичными текстурами и надписями. Украшения для минималистских интерьеров, характеризующих чердаки, должны быть оформлены простым стилем, который дополнительно подчеркнет атмосферу таких комнат. Особой популярностью пользуются постеры в стиле лофт с типографскими надписями, украшенными черными и белыми рисунками, сепией, представляя собой наиболее подходящие решения для плакатов в стиле на кирпичных или бетонных стенах.

Картины в стиле лофт: фото с предложениями и цитатами, подходящими для гостиной или спальни

Напечатанная на толстой плакатной бумаге в стиле лофт, графика с предложениями, цитатами или лозунгами, а также простые рисунки приобретают уникальный характер, когда они выглядят словно со стены исторической фабрики. Вот почему все рваные углы, цветные неровности и недостатки будут работать идеально на плакатах в стиле лофт. Дополнить такую картину можно узкой простой рамкой, предпочтительно в черном или серебристом цвете. Она станет изюминкой графики на плакате, не подавляя ее главного сообщения.

Настенные росписи поп-арт и оп-арт идеальны для ваших интерьеров

Настенные картины в стиле лофт — самые модные украшения для вашего интерьера. Выбирайте яркие полотна, которые прекрасно сочетают ретро-элемент, скрытый в старых кирпичных стенах фабрик, железных балок и сырых, изношенных полов с современностью, украшая большие пространства в минималистском декоре. Настенные картины в стиле лофт подвешиваются на большие поверхности, которые нужно заполнить, чтобы они не пустовали, наполняя комнату дружеской атмосферой, уютом и теплом. Кирпичные и бетонные стены требуют красочных картин, поэтому промышленное изобразительное искусство выглядит лучше всего в композициях, занимающих много места. Картины на стене в стиле люфт — это просто фон мечты для отображения панорамных работ и тех, в которые были включены многие детали. Рассмотрите в фото-галерее интересные иллюстрации в стиле лофт, идеально подходящие для большой гостиной или спальни.

Картины на дереве в стиле лофт — галерея в вашем доме

Настенные картины для лофта также являются каскадами или композицией из досок, которые не только способны заполнить всю стену, но и современны по своей асимметричной планировке. Подобно каскадам на больших стенах, галереи небольших картин выглядят великолепно. Самые интересные и совпадающие иллюстрации на стене в стиле лофт — это приглушенные цвета, графика и портреты, созданные на дереве. Что касается изображения, то здесь свобода выбора зависит от того, устроен ли лофт в семейной атмосфере или в прохладной современности. Веяние интерьерной моды рекомендует:

• доски с портретом;
• диптихи с интересной абстракцией;
• триптихи с животным мотивом или материками.

Открытые пространства, промышленные акценты и суровый климат — это характеристики стиля, который рождался с модой на квартиры, обставленные в бывших складах или на чердаках. Однако даже для сурового интерьера есть прекрасные картины, сочетающие минималистский характер металла с многофункциональностью древесины. Благодаря им вы можете организовать большие пространства, сохраняя при этом домашний климат и высокий уровень комфорта.

С точки зрения материалов необработанное сырье очень важно для промышленного стиля: стальные окна, кирпичи, рабочая мебель, шероховатые бетонные стены, вощеные или деревянные полы. Самыми популярными цветами лофта являются серые, черные, белые расцветки. Но не волнуйтесь, вы можете использовать цветные аксессуары в виде шикарных картин, чтобы вдохнуть жизнь в свой интерьер. Идея состоит в том, чтобы повесить на стены стильные украшения в желтом, оранжевом, красном цвете. Картины также можно выставлять на пол, полку или просто подвешивать на большую стену.

Картины в интерьере: способы украшения

Сложно представить современный дом без картин. Картины в интерьере служат не только для украшения, но также подчеркивают наши вкусы и наполняют помещение эмоциями. Westwing рассказывает, как украсить интерьер картинами, чтобы он смотрелся стильно и уютно.

Неважно, предпочитаете ли вы плакаты в стиле поп-арт, абстрактные картины или классическую живопись – искусство в первую очередь является отражением вашей личности, характера и темперамента. Правильное размещение картины в интерьере поможет вам создать поистине уникальный стиль с центральным элементом в виде живописи.

Как выбрать картину?

Если вы решили украсить интерьер картинами, то выбирайте те, который отвечают вашему чувству вкуса и гармонии, задевают эмоции и пробуждают воспоминания. Следуйте советам сердца! Например, картина в авангардистском духе подчеркнет смелый характер, классический пейзаж станет отражением хорошего вкуса, а старая карта в деревянной раме подойдет любителям путешествий и приключений.

Где разместить картины в интерьере?

Повесьте картины на ту стену, которую хотите выделить! Это может быть место, которому не хватает своей изюминки, или уголок дома, где вы проводите большую часть времени и хотите ежедневно наслаждаться объектом искусства. Традиционно картины размещают в гостиной или столовой, но прихожая, спальня и даже кухня также смогут стать отличным местом для украшения, особенно если сюжеты картин подходят под настроение этих комнат. Лучше всего яркий плакат или картина будет смотреться на белой стене, но это не единственный вариант: разноцветные стены могут стать ярким и необычным фоном, в то время как спокойные обои без навязчивого рисунка – идеальное решение для классической живописи.

Одна или несколько картин?

Если вы хотите, чтобы картина стала центральным элементом декора, то ее необходимо повестить на самом видном месте в одиночестве, чтобы другие объекты не отвлекали внимание. Но картины в интерьере также будут неплохо смотреться, если разместить их группами в различной комбинации: прямоугольником, зигзагом, в линию или в более сложную композицию из нескольких объектов разного размера. Прежде, чем приступать к эксперименту, подумайте, как картины будут смотреться – для этого их можно сначала выложить на полу в желаемой комбинации или вырезать бумажные формы и посмотреть, как они будут располагаться на стене.

Да будет свет!

Хорошей картине требуется правильное освещение.

Нет смысла размещать картину там, где не хватает света, и в то же время под прямыми солнечными лучами она может быстро выцвести. Мы рекомендуем направить на картину рассеянный свет лампы или использовать непрямое освещение и несколько спотов в разных частях комнаты.

Самая распространенная ошибка

Размещение картины слишком высоко. Всегда проверяете правильность расположения несколько раз, прежде чем вбить гвоздь! Попросите кого-нибудь помочь вам и подержать картину, а сами сядьте на диван, кровать или за стол – то место, откуда должно быть лучше всего видно картину. Картина всегда должна располагаться на уровне глаз. Более того, картину вовсе необязательно вешать на стену – ее можно поставить на комод или даже на пол, прислонив к стене.

Не бойтесь экспериментировать

Вы хотите привнести что-то новое в привычный интерьер? Играйте на противоположностях! Разбавьте классический интерьер абстрактным плакатом, а современный или скандинавский стиль, наоборот, украсьте репродукцией Рубенса или Вермеера для создания необычного контраста. Ищите новые места для картин – например, почему бы не поместить черно-белый постер в ванную или лоджию?

Источники изображений: living4media / Jalag / Szczepaniak, Olaf, living4media / Bressan e Trentani, living4media / Simon Maxwell Photography, living4media / Great Stock!, living4media / Socci, Valentina.

Как сохранить устойчивость руки при рисовании

Держите руку устойчиво во время рисования

Беспокоитесь ли вы о шатких краях и линиях, когда рисуете, или постоянно стараетесь не прикасаться к влажной краске? На самом деле есть способы решить эту проблему. Есть инструмент для стабилизации!

Когда вы рисуете мелкие детали, трудно быть точным, если ваша рука машет в воздухе. Вам нужно что-то, на что можно упереться, но вы не хотите прикасаться к самой работе, если вы ее испортите.
У подписчиков и художников-масляных художников есть эта проблема, и они давно придумали инструмент, поддерживающий руку, держащую кисть. Это приспособление для рисования называется « mahlstick » или, что более очевидно, «малярный подлокотник » или «подписывающий стик ».

Эти палочки можно купить с несколькими уровнями сложности, чтобы их можно было легко транспортировать и упаковывать. Столб может быть деревянным или алюминиевым, а подушечка в форме шара может быть изготовлена ​​из резины или пробки, покрытой кожей или замшей.

Этот пост может содержать партнерские ссылки на продукты, которые я рекомендую. Если вы перейдете по ссылке и купите что-нибудь, я могу получить некоторую компенсацию. Это не влияет на цену, которую вы заплатите. Ссылки открываются в новой вкладке или в новом окне, поэтому вы не потеряете эту страницу 🙂

Это простая идея. Тонкий стержень с мягкой подкладкой на одном конце, чтобы он опирался на сухую часть или вне работы, не соскальзывая или не царапая, стержень держится под низким углом над картиной, а рука или кисть опирается на стержень над частью, которую вы хотите покрасить. .

В зависимости от ваших методов окраски столб может иметь длину до метра, но вы можете использовать гораздо более короткий столб, если рисуете мелкие предметы.

Если вы не хотите делать свои собственные, вы можете купить эту традиционную палку Mahl, состоящую из двух частей, чтобы ее можно было использовать как длинную, так и короткую.

В комплекте:

Как сделать сам Mahl Stick.

Вам понадобится:

• Деревянный дюбель толщиной около 1 см
• Мяч из пробки или чего-нибудь не слишком твердого
• Замша для покрытия (может быть искусственной) или аналогичная безворсовая ткань.
• Короткий шнур для крепления

Метод:

Проделайте в шаре отверстие, чтобы он надевался на шест. Мяч должен плотно прилегать к одному концу шеста, чтобы он случайно не сорвался. Оберните мяч тканью или кожей, соберите его у шейки шеста и надежно завяжите шнуром. Если вы чувствуете, что он должен быть более мягким, вы можете добавить второй слой.

Примечания: Если у вас нет пробкового мяча, вы можете попробовать маленький резиновый надувной мяч или сделать закругленный конец из высушенной на воздухе глины и использовать дополнительную подкладку перед тем, как обернуть его в замшу.Цель состоит в том, чтобы сделать закругленный конец с небольшим уступом, который будет шире, чем стержень или дюбель.

Подходящими тканями могут быть обрезки защитной скатерти с некоторой набивкой.

Дюбель обычно изготавливается из прочной плотной древесины, поэтому он может быть тоньше палки, которую вы можете подобрать или отрезать от дерева. У нас есть деревья и кусты, которые нужно обрезать каждый год, и я всегда держу несколько прямых столбов на случай, если они мне что-то понадобятся, и для этого я бы выбрал не слишком тяжелый или громоздкий, но не гнущийся.

Использование палочки Mahl

Вы можете использовать ручку для рисования или подставку для художника в вертикальном положении с мольбертом или без него или на столе для небольших предметов. Если вам нужно встать на лестницу, имейте в виду, что для использования этого инструмента обычно нужны две руки, и примите соответствующие меры. Думаю, если нужно работать на высоте, лучше перейти на рабочую площадку с поручнем безопасности.

Чтобы проиллюстрировать работу с подлокотником, я воспользуюсь тростью! На конце есть резиновое кольцо, поэтому он не должен скользить.Только не делай этого опрометчиво! Это всего лишь демонстрация, и наконечник может оставить черные следы на стене или на вашей работе. Лучше сделать себе настоящую табличку или купить ее.

Удерживая шест неокрашенной рукой , положите шар на твердую точку работы, стол или стену позади, удерживая другой конец подальше от поверхности работы под небольшим углом. Если вы используете мольберт, вы можете «зацепить» конец шара за верхнюю планку мольберта, и пусть он будет почти вертикально перед вами.Основная идея — создать пространство между областью, которую вы собираетесь раскрасить, и шестом.

Положите кисть на штангу краем руки или несколькими пальцами, и вы обнаружите, что можете держать кисть устойчиво во время рисования. Не наклоняйтесь слишком сильно и будьте осторожны, чтобы не повредить холст.
При работе с на столе вы обнаружите, что можете наклоняться немного сильнее, пока на столе лежит мяч, а не ваша драгоценная работа.

Вы можете использовать штангу в качестве ориентира для прямых линий или осторожно наклоняться для поворотов от руки, но постарайтесь не позволять ей ограничивать использование вашего запястья и пальцев.

Палочка, используемая в качестве ориентира для рисования линий устойчивой рукой

Используйте палку, чтобы удерживать руку при рисовании мелких деталей

Палка обычно используется для рисования кистями, но вы можете использовать ее для рисования деталей углем или мелом, чтобы избежать смазывания рисунков.

Использование палки может помочь, когда вы рисуете очень маленькие объекты, которые вы не можете держать, потому что они еще влажные, и вы не хотите ничего размазать.

Замечание для начинающих

Эта статья была вызвана случайным замечанием посетительницы, которая была новичком в живописи и только что заказала свой первый набор красок Outlines. Кирсти Гловер делает деревянные фигурки животных и очень хотела их раскрашивать. Она отправила мне сообщение, в котором говорилось:

«Я буду просматривать ваши статьи, надеясь найти что-нибудь, что подскажет мне, как укрепить мою руку! Не могу дождаться, чтобы приступить к своим проектам (рисовать деревянных животных для моих детей) ».

Кирсти сделала несколько игрушечных животных для своих детей и работает над тем, чтобы сделать их на продажу.

Раскрашенный детеныш антилопы, нарисованный Кирсти Гловер с животными Хольцтигера

Кирсти использует пилу для свитков, чтобы нарисовать контуры своих собственных рисунков животных, шлифуя их до гладкой поверхности, прежде чем красочно раскрасить.Вскоре она выставит на продажу несколько своих раскрашенных деревянных животных.

Panda Baby, нарисованная Кирсти Гловер

Кирсти была новичком в живописи, и я был счастлив узнать о проблемах ее новичка и написать о них.

Методы и подготовка

Шаткие линии и царапины по краям не всегда являются проблемой в искусстве, потому что некоторые стили подчеркивают и подчеркивают такие вещи, но если ваша работа должна быть точной, поверхность, которую вы рисуете, должна быть гладкой и иметь покрытие, позволяющее кисти скользить.Как только у вас это получится, много практики улучшит ваш контроль над рисованием.

Важно то, как вы держите кисть. Кисть не следует сжимать крепко или подносить вплотную к щетине. Напряжение в любой части руки затрудняет контроль. Держите кисть примерно на полпути вверх по ручке, осторожно удерживая ее между пальцем и большим пальцем, и контролируйте движение кисти оставшимися пальцами, сохраняя ваше запястье расслабленным.

Так что не забудьте подготовить свою работу должным образом; если потребуется еще одна шлифовка, сделайте это еще раз с более мелкой зернистостью и поймите, что время, потраченное на подготовку, всегда сэкономит время позже.
Практикуйтесь в рисовании снова и снова, чем больше вы рисуете, тем лучше вы сможете делать то, что хотите.

Заключительные мысли и заключение

Некоторым видам живописи действительно нужна точность, например, надписи. Другими примерами являются создание иллюстраций для рекламы или книжных иллюстраций, а также рисование очень маленьких объектов, хотя даже они иногда используют свободный стиль.

Взгляните на эту традиционную палку Mahl, которая состоит из двух частей, которые можно соединить винтом, чтобы использовать длинную палку, или использовать одну деталь для короткой поддерживающей палки.

Ваша работа требует тщательного контроля и четких линий? Если у вас есть другие способы сделать это проще, дайте всем знать в комментариях ниже! Ваш комментарий может появиться через пару дней, поэтому добавьте страницу в закладки и возвращайтесь!

Чтобы получить бесплатную демонстрационную серию электронных писем прямо сейчас и время от времени получать больше советов и статей, подпишитесь на нашу рассылку здесь! Мы никогда не продаем ваши данные, и вы можете прочитать нашу Политику конфиденциальности здесь.

Пикассо закрасил работы другого художника — а затем и свою собственную, новое изображение показывает | Наука

AUSTIN— Спрятанные под мазками кисти Пабло Пикассо 1902 года, картина маслом La Miséreuse accroupie ( Крадущийся нищий ) — это работа другого художника из Барселоны, Испания. И работа, лежащая в основе, кажется, вдохновила некоторых артистов Пикассо. Горы на оригинальной картине — пейзажная сцена — стали контуром спины объекта в работе Пикассо, который изображает присевшую женщину в плаще.

Специалисты знали о скрытом изображении с 1992 года, когда нижележащие слои картины были впервые исследованы с помощью рентгеновской радиографии. Но новая работа, в которой используются современные методы обработки изображений, раскрывает больше деталей — не только об исходной картине, но и о картине Пикассо.Исследователи обнаружили еще один скрытый слой: под плащом женщины Пикассо нарисовал изображение ее руки, сжимающей кусок хлеба, о чем команда объявила сегодня на ежегодном собрании AAAS, которое публикует Science .

Открытие позволяет нам «заглянуть внутрь головы Пикассо и понять, как он принимал решения, когда рисовал холст», — говорит Марк Уолтон, специалист по культурному наследию Северо-Западного университета в Эванстоне, штат Иллинойс, и ведущий исследователь. на исследование.«Он переработал, он потрудился над рисованием этого отдельного элемента, но затем решил отказаться от него в конце».

Во время недавних реставрационных работ в Художественной галерее Онтарио в Торонто, Канада, где находится La Miséreuse accroupie , консерватор Сандра Вебстер-Кук заметила цвета и текстуры, «выглядывающие сквозь линии трещин», которые не совпадали с тем, что был на поверхности картины. Она задавалась вопросом, было ли это частью лежащего в основе пейзажного изображения или что-то еще, поэтому она и куратор Кеннет Браммел попросили экспертов по неинвазивным методам визуализации копнуть глубже под поверхностью картины.

Пабло Пикассо создал La Miséreuse accroupie во время своего синего периода, когда он рисовал оттенками синего и сине-зеленого.

Первым выступил Джон Делани, специалист по визуализации из Национальной художественной галереи в Вашингтоне, округ Колумбия, который сделал снимки картины с помощью гиперспектральной инфракрасной рефлектографии, техники, которая включает в себя освещение объекта светом с разной длиной волны. из которых зонд глубже, чем другие. (Краска становится прозрачной при определенных длинах волн, в зависимости от того, из чего она сделана.) Проанализировав свет, отраженный от картины, он смог увидеть исходное изображение пейзажа, но он также впервые смог увидеть скрытую руку Пикассо. По словам Вебстер-Кук, для нас «было захватывающе обнаружить, что» Пикассо внес изменения в свою картину.

Чтобы получить более подробное представление о спрятанной руке, Уолтон и его коллеги проанализировали картину, используя макро-рентгеновскую флуоресцентную визуализацию. Инструмент, который поражает картину рентгеновскими лучами, позволяет исследователям увидеть, какие химические элементы — свинец, кадмий, железо — присутствуют в разных частях картины, не только на поверхности, но и в более глубоких слоях.И это полезно, потому что это может обеспечить окно в неповерхностные слои и рассказать экспертам о цветах, используемых для их рисования. Команда сообщила, что в белой краске, которую использовал Пикассо, много свинца, а скрытая рука, нарисованная белым, была особенно видна на изображении, показывающем, где была нанесена краска на основе свинца.

Исследователи установили рентгеновский флуоресцентный прибор, чтобы исследовать нижележащие слои картины Пабло Пикассо La Miséreuse accroupie .

Этот тип визуализации не нов, но инструменты есть. В прошлом эту технику можно было выполнять только в лаборатории, оснащенной дорогостоящим оборудованием. Уолтон и его коллеги разработали «простой комплект типа« сделай сам », который легко принести в художественную галерею и стоит всего 1000 долларов, если у исследователя уже есть портативный рентгеновский спектрометр отражения света» (распространенный во многих учреждениях культурного наследия. , Говорит Уолтон). Многие учреждения не хотят, чтобы «произведение искусства путешествовало, поэтому теперь мы можем принести эту технику в музей», — говорит он.

Это «феноменальная» работа — как с точки зрения того, что она раскрывает об артистизме Пикассо, так и о развитии новых технологий, — говорит Дженнифер Масс, специалист по культурному наследию из Научного анализа изящных искусств в Филадельфии, штат Пенсильвания, которая сделала похожие изображения. работал над другой картиной Пикассо, но не участвовал в новом исследовании. «Это большой шаг вперед в области того, что возможно внутри музея».

Это также вызвало новые взгляды на историю картины.Браммель, который две недели назад приехал в Барселону с целью расследования, пытается разгадать, кто нарисовал сцену, которую Пикассо смахнул. Он выяснил, что на нем изображено место недалеко от Барселоны. А информация о том, какие виды красок были использованы, которая сейчас собирается с новыми данными, расскажет ему о палитре художника и о том, была ли это дневная или ночная сцена — информация, которая «будет ключевой для [помощи] в выяснении того, кто красил и когда », — говорит он.

Ознакомьтесь со всем нашим обзором AAAS 2018.

Что происходит в вашем мозгу, когда вы занимаетесь искусством: кадры

Много свободного времени я провожу за рисованием. Я работаю журналистом в научном бюро NPR днем. Но все время между ними я художник, в частности, карикатурист.

Рисую между задачами. Я делаю наброски в кафе перед работой. И мне нравится бросать вызов самому себе, чтобы заполнить журнал — небольшой журнал — в 20-минутной поездке на автобусе.

Я делаю это отчасти потому, что это весело и интересно. Но я подозреваю, что происходит нечто более глубокое. Потому что, когда я создаю, мне кажется, что это проясняет мою голову. Это помогает мне разобраться в своих эмоциях. И это почему-то заставляет меня чувствовать себя спокойнее и расслабленнее.

Это заставило меня задуматься: что происходит в моем мозгу, когда я рисую? Почему так приятно? И как я могу привлечь других людей — даже , если они не считают себя художниками — на поезд творчества?

Оказывается, когда мы занимаемся искусством, в нашем сознании и теле много всего происходит.

«Творчество само по себе важно для того, чтобы оставаться здоровым, оставаться связанным с собой и связанным с миром», — говорит Кристиан Стрэнг, профессор нейробиологии Университета Алабамы в Бирмингеме и бывший президент Американской ассоциации арт-терапии.

Эта идея распространяется на любой тип визуального творческого выражения: рисование, раскрашивание, коллажирование, лепка из глины, написание стихов, украшение тортов, вязание, скрапбукинг — безграничных возможностей.

«Все, что затрагивает ваш творческий ум — способность устанавливать связи между несвязанными вещами и придумывать новые способы общения — полезно для вас», — говорит Гирия Каймал. Она является профессором Университета Дрекселя и исследователем в области арт-терапии, ведет занятия по искусству с военнослужащими, страдающими черепно-мозговой травмой, и лицами, ухаживающими за больными раком.

Но она твердо верит в то, что искусство для всех — и независимо от уровня вашего мастерства, вы должны стараться этим заниматься на регулярной основе. Вот почему:

Это помогает вам представить более обнадеживающее будущее

Способность искусства расширять наше воображение может быть одной из причин, почему мы занимаемся искусством с тех пор, как были обитателями пещер, — говорит Каймал. Это могло служить эволюционной цели. У нее есть теория, согласно которой искусство помогает нам справляться с проблемами, которые могут возникнуть в будущем. Об этом она написала в октябре в журнале Американской ассоциации арт-терапии .

Ее теория основана на идее , разработанной в последние несколько лет, о том, что наш мозг является прогностической машиной. Мозг использует «информацию, чтобы делать прогнозы о том, что мы можем делать дальше, и, что более важно, что нам нужно делать дальше, чтобы выжить и процветать», — говорит Каймал.

Когда вы занимаетесь искусством, вы принимаете ряд решений — какой инструмент для рисования использовать, какой цвет, как перенести увиденное на бумагу. И, наконец, интерпретация изображений — выяснение того, что это значит.

Сделай это: Журнал «Как начать заниматься искусством»

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

«Итак, то, что наш мозг делает каждый день, каждое мгновение, сознательно и бессознательно, пытается представить себе, что должно произойти, и готовится к встрече с этим», — говорит она.

Каймал видела эту игру в своей клинической практике в качестве арт-терапевта со студентом, который находился в тяжелой депрессии. «Она была в отчаянии. Ее оценки были действительно плохими, и у нее было чувство безнадежности», — вспоминает она.

Студент достал лист бумаги и раскрасил весь лист толстым черным маркером. Каймал ничего не сказал.

«Она смотрела на этот черный лист бумаги и некоторое время смотрела на него», — говорит Каймал. «А потом она сказала:« Вау. Это выглядит очень мрачно и мрачно.«

А потом произошло нечто удивительное, — говорит Каймал. Студентка огляделась и взяла розовую глину для лепки. И она начала лепить … цветы:« Она сказала, знаете что? Думаю, это напоминает мне весну ».

Благодаря этому занятию и благодаря творчеству, говорит Каймал, ученица смогла представить себе возможности и увидеть будущее за пределами настоящего момента, в котором она находилась в отчаянии и депрессии.

«Этот акт воображения на самом деле является актом выживания», — говорит она. «Это готовит нас представить возможности и, надеюсь, пережить эти возможности».

Это активирует центр вознаграждения в нашем мозгу

Для многих людей создание искусства может быть нервным. Что ты собираешься делать? Какие материалы использовать? Что делать, если вы не можете его выполнить? Что, если это … отстой?

Исследования показывают, что, несмотря на эти опасения, «участие в любом виде визуального выражения приводит к активации пути вознаграждения в мозгу», — говорит Каймал.«Это означает, что вы чувствуете себя хорошо, и это воспринимается как приятное занятие».

Она и группа исследователей обнаружили это в статье 2017 года, опубликованной в журнале The Arts in Psychotherapy . Они измерили приток крови к центру вознаграждения мозга, медиальной префронтальной коре, у 26 участников, выполнив три художественных задания: раскрашивая мандалу, рисуя и свободно рисуя на чистом листе бумаги. И действительно — исследователи обнаружили увеличение притока крови к этой части мозга, когда участники занимались искусством.

Это исследование предполагает, что искусство может принести пользу людям, имеющим проблемы со здоровьем, которые активируют в мозгу механизмы вознаграждения, такие как аддиктивное поведение, расстройства пищевого поведения или расстройства настроения, пишут исследователи.

Это снижает стресс

Хотя исследования в области арт-терапии только начинаются, есть доказательства того, что искусство может снизить стресс и тревогу. В статье 2016 года, опубликованной в журнале Американской ассоциации арт-терапии , Каймал и группа исследователей измерили уровень кортизола у 39 здоровых взрослых людей.Кортизол — это гормон, который помогает организму реагировать на стресс.

Они обнаружили, что 45 минут творчества в студии с арт-терапевтом значительно снизили уровень кортизола.

В документе также показано, что нет различий в результатах для здоровья между людьми, которые считают себя опытными художниками, и людьми, которые этого не делают. Это означает, что независимо от уровня вашего мастерства вы сможете почувствовать все хорошее, что связано с созданием искусства.

Это позволяет вам глубоко сфокусироваться.

В конечном итоге, говорит Каймал, создание искусства должно вызывать то, что научное сообщество называет «потоком» — чудесная вещь, которая происходит, когда вы находитесь в зоне. «Это чувство потери себя, потери осознания. Вы настолько присутствуете в данный момент и полностью присутствуете, что забываете все чувство времени и пространства», — говорит она.

А что происходит в вашем мозгу, когда вы находитесь в состоянии потока? «Это активирует несколько сетей, включая расслабленное рефлексивное состояние, сосредоточенное внимание на задаче и чувство удовольствия», — говорит она.Каймал указывает на исследование 2018 года, опубликованное в журнале Frontiers in Psychology , в котором было обнаружено, что поток характеризуется повышенной активностью тета-волн во фронтальных областях мозга и умеренной активностью альфа-волн во фронтальных и центральных областях.

Итак, какое искусство вам стоит попробовать?

Некоторые виды искусства приносят больше пользы для здоровья, чем другие.

Каймал говорит, что, например, можно поиграть с глиной для лепки.«Он задействует ваши руки и многие части вашего мозга в сенсорном опыте», — говорит она. «Ваше осязание, ваше ощущение трехмерного пространства, зрение, возможно, немного звука — все это задействовано в использовании некоторых частей вас самих для самовыражения и, вероятно, будет более полезным».

Ряд исследований показал, что раскраска внутри фигуры — особенно заранее нарисованный геометрический рисунок мандалы — более эффективна для повышения настроения, чем раскраска на чистом листе бумаги или даже раскраска внутри квадратной формы.И одно исследование 2012 года, опубликованное в журнале Американской ассоциации арт-терапии , показало, что раскрашивание внутри мандалы снижает тревогу в большей степени по сравнению с раскрашиванием в клетку или на простой лист бумаги.

Стрэнг говорит, что нет ни одного средства или искусства, которое «лучше» другого. «В некоторые дни вы можете пойти домой и рисовать. В другие дни вы можете захотеть рисовать», — говорит она. «В любой момент делайте то, что для вас наиболее выгодно».

Обработайте свои эмоции

Важно отметить: если вы переживаете серьезное психическое расстройство, вам следует обратиться за советом к профессиональному арт-терапевту, — говорит Стрэнг.

Однако, если вы занимаетесь искусством, чтобы соединиться со своим собственным творчеством, уменьшить беспокойство и отточить свои навыки преодоления трудностей, «во что бы то ни стало, выясните, как позволить себе это сделать», — говорит она.

Просто позвольте этим «линиям, формам и цветам превратить ваши эмоциональные переживания в нечто визуальное», — говорит она. «Используйте чувства, которые вы испытываете в своем теле, в своих воспоминаниях. Потому что слова не часто передают это».

Ее слова заставили меня задуматься обо всех тех моментах, когда я полез в сумочку за ручкой и альбомом.Большую часть времени я использовал свои рисунки и небольшие размышления, чтобы передать свои чувства. Я помогал себе справляться. Это было катарсисом. И этот катарсис принес мне облегчение.

Несколько месяцев назад я с кем-то поссорился. На следующий день, когда я ехал на автобусе на работу, я все еще мучился. В отчаянии я вытащил свой блокнот и записал старую пословицу: «Не позволяй миру усложнять тебя».

Я осторожно сорвал сообщение со страницы и прикрепил его к сиденью в автобусе передо мной.Я подумал, пусть это будет напоминанием всем, кто это читает!

Я сфотографировал записку и разместил ее в своем Instagram. Позднее той ночью, посмотрев на изображение, я понял, для кого на самом деле было послание. Себя.

Малака Гариб — писатель и редактор научного отдела NPR и автор книги «Я был их американской мечтой: графические воспоминания».

Полное руководство по различным художественным средам — ​​ARTDEX

«Работающий руками, головой и сердцем — художник» — Св.Франциск Ассизский

На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения. Художники всегда выбирали концепции и техники, соответствующие их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, который использовался для рисования на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь к внедрению современных технологий в создание искусства.

Наш полный справочник по художественным средствам проинформирует вас о различных художественных материалах, которые люди использовали в течение долгого времени.Это также укажет на то, на чем вы должны сосредоточиться при выборе идеального носителя для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать наиболее подходящую вам художественную среду, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.

Различные типы традиционной живописи и стилей рисования

Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования, средства рисования и инструменты рисования требуют отдельного раздела в любом исчерпывающем руководстве по различным средствам искусства.Есть множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.

Темпера

Темпера — это термин, обозначающий краску, смешанную со связующими материалами, такими как яичный желток, и описывает стиль рисования и художественную среду. Этот материал делает темперу быстросохнущей и долговечной художественной средой, о чем свидетельствуют работы темперы, относящиеся к I веку нашей эры

Масляная живопись

Это традиционная художественная техника, которая начала признаваться в качестве художественной среды в Европе 15 века.Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, благодаря которому они сохнут медленнее, чем другие. Продолжительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественной среды. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или нарисовать другую сцену, добавив еще один слой краски на холст.

Акриловая краска

Что касается времени высыхания, то акриловые краски сохнут быстрее, чем масляная живопись, и после высыхания они становятся водостойкими.Однако вы можете растворить акриловую краску водой перед тем, как нанести ее на холст, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим произведениям, усиливая глянцевитость и придавая им глубину. Или они могут добавить воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.

Акварель

Использование акварельной краски в качестве художественного средства может быть сложной задачей для начинающих в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за кажущейся бесконечной цветовой палитры.После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Однако акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для фиксации смены света.

Древесный уголь

Это один из старейших художественных средств рисования. Угольные палочки сделаны из порошкообразного органического материала, связанного воском или жевательной резинкой. Углем можно делать бледные или сильные выразительные линии. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить фиксирующие средства на рисунки углем, чтобы обеспечить долговечность произведениям искусства.

Пастель

Эти художественные среды состоят из красочного пигмента, аналогичного пигментам масляных красок, и связующего материала. Использование пастели в рисовании и живописи стало популярным в 18 веке. Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от желаемого эффекта. Например, мягкая пастель отлично подходит для смешивания, в то время как вы используете твердую пастель для создания резких контуров или наброска более крупной композиции. Существуют также панастели, современная версия этой художественной среды, наносимая мягкой губкой.Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цветов, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.

Мел

Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования с эпохи палеолита. Художественный мел обычно бывает трех вариантов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черные мелки содержат мягкий черный камень, белые — из известняка, а сангина — красную охру.Мел изначально использовался для создания эскизов, но в эпоху Возрождения стал независимым художественным средством.

Карандаши графитные

Они использовались в качестве художественного средства с XVII века во Франции. Вы можете использовать графит для рисования, обводки или штриховки. Существуют графитовые карандаши различной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобный художественный носитель, потому что он позволяет переделывать вашу работу, стирая части рисунка или всю работу.

Карандаши цветные

В детстве все использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки проявить себя творчески. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального художественного средства. Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства благодаря многочисленным преимуществам, которые они предлагают. Рисунки цветных карандашей выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.

Перо и чернила

Это также знакомый художественный носитель, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественные формы, такие как перьевой рисунок или рукописный текст и каллиграфия. Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для рисования, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила — мощное, но неумолимое средство для рисования, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования чернилами, прежде чем вы начнете с ними творить. Что делает рисунки, выполненные пером и тушью, такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных чернилами пространств на бумаге.

Сейчас мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие виды художественной среды художники использовали на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.

Эволюция трехмерного искусства

Наиболее распространенное определение трехмерного произведения искусства — это произведение искусства, которое можно наблюдать в измерениях высоты, ширины и глубины.С незапамятных времен люди создавали скульптуры с использованием различных концепций, техник и художественных материалов. Инсталляции, перформанс и декоративное искусство также попадают в эту категорию вместе со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.

Самым старым произведением трехмерного искусства является скульптура Венеры Берехат Рам. Эта вырезанная из камня фигура датируется 230000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одним из множества подобных фигурок, разбросанных по Европе.Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.

Три стандартных типа скульптур, которые признает мир искусства:

• Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обходя ее.
• Барельеф — это когда форма вырезана так, что она немного выделяется на фоне исходного материала.
• Горельефные формы вырезаны, чтобы выделяться на фоне.

Самыми традиционными художественными средами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.

Резьба — вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до получения желаемой формы.

Литье — заливка жидкой художественной среды, такой как железо, в специально разработанные формы для создания частей большой скульптуры.

Моделирование — манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и их затвердевание до нужной формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.

Строительство — это творческий процесс, в котором художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы удерживать элементы вместе.

Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства.Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании художественных изделий из стекла, определяют их тип. Многие художественные формы из стекла включают использование методов горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литое стекло. Как видно из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму, выдувая или отливая в формы.

Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в духовке или печи. Два доминирующих метода изменения формы теплого стекла — это опадание и сплавление.

Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Стекло можно шлифовать, полировать или гравировать, чтобы добиться желаемого эффекта. Существует также техника травления, которую вы можете применить в искусстве стекла, чтобы изменить текстуру стекла. Вы можете добиться этого с помощью пескоструйной обработки или кислотного травления.

Еще одна из этих современных версий — искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Художественные инсталляции могут быть сосредоточены, например, на политике, правах человека или окружающей среде.Самым распространенным является искусство световых инсталляций, где свет и скульптура смешиваются для создания великолепного художественного эффекта.

Артисты, занимающиеся исполнительским искусством, используют свое тело или тела других участников как идеальное средство выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального сообщения аудитории.

Техники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение

Искусство продолжает развиваться, принося на сцену многочисленные авангардные художественные движения.Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные среды, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.

Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать все и вся для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак первыми использовали различные материалы и предметы повседневного обихода для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров искусства смешанной техники.

• Коллажи — это произведения искусства, которые вы создаете, комбинируя различные материалы, такие как бумага, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства.Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства в Интернете.
• Assemblage — это трехмерная версия искусства смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, восприняли это как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, которое стало широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
• Найденные объекты представляют собой смешанную медиа-форму, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
• Измененные книги Техника предполагает физическое изменение книги и ее использование в качестве средства художественного творчества. Вы можете вырезать страницы из книги, чтобы изменить ее, или можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
• Художественный дневник представляет собой способ обогатить ваши записи о различных событиях, воспоминаниях и мыслях, добавив к ним художественного акцента. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и техник в журнале смешанного искусства или вы можете активизировать свою игру и начать со смешанного ведения журнала, также называемого нежелательным журналом.Эта версия художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или изображения из журналов. Вы можете использовать различные переработанные предметы в качестве подсказок художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала о цифровом искусстве, если вы страстный поклонник цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании искусства.

Фотография как искусство

С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды революционных социальных изменений.

Развитие технологий предоставило людям множество возможностей для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. Художники имеют возможность повлиять на окончательную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и задавая параметры кадрирования и времени, прежде чем они сделают снимок. Фотографическое оборудование и методы, используемые в творческом процессе, во многом зависят от предмета, тона и оригинального впечатления, которое художник хочет достичь своей работой.Например, художники-портретисты, которые сосредотачиваются на съемке отдельных объектов, выберут большие камеры с малой глубиной резкости, чтобы сохранить фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.

То же самое касается работы с черным и белым, а не с цветами. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, выделяя линии, текстуру и тон.

• Документальная фотография направлена ​​на то, чтобы запечатлеть важные моменты истории или повседневной жизни, точно изображающие эпоху.Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
• Пейзажная фотография возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируют природные и городские окрестности и используют методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
• Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот художественный стиль фотографии заменил портретную живопись как гораздо более быстрый и доступный способ запечатлеть чье-то изображение.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
• Фотография обнаженной натуры восходит к изобретению этой художественной среды, и фотографы обнаженной натуры изначально хотели вызвать классический идеал красоты, изображая своих героев как нимф или древних героев. В отличие от этого, обнаженные авангардисты представляли человеческое тело как независимую сущность, свободную от всех условностей искусства.
• Цифровая фотография появилась вместе с развитием цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.

Передовые технологии позволяют создавать необычные художественные материалы

Это время беспрецедентного прогресса в цифровых технологиях. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах, когда появились первые образцы цифрового искусства.Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но революционным событием, открывшим новые миры для цифровых художников, стало появление и расцвет Интернета в девяностые годы. Это позволило художникам создать свое искусство и представить его мировой аудитории с помощью различных платформ социальных сетей.

В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою озабоченность по поводу значительных проблем.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных идей и создания незабываемых художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные среды в качестве средств художественного выражения.

Заключительные слова

Мы составили это полное руководство по различным средам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных средств искусства на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на важных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете искать идеальную среду для своих работ. Делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим новое художественное выражение, вам нужно мудро выбрать среду.

Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите передать миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание искусства должно приносить радость и удовлетворение художнику, а не заставлять его постоянно бороться.Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной идентичности.

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с наиболее отчетливым стилем и стремлением к художественному творчеству.До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников ХХ века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном разнообразии стилей снискала ему уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников снизились. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является соучредителем всего кубистского движения.Кубизм был авангардным движением, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу. Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. В течение периода Примерно с 1910-1920 годов, когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновляло такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллажного искусства. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения », — Пабло Пикассо.

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родственники.Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первым словом было попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых изображений. фигурные модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать. Хотя картины Руиса, кажется, были созданы много лет спустя, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в главную художественную школу Испании в Мадриде — Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более полную запись его развития, чем, возможно, любые другие. художник.При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями.Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственное дело, чтобы согреть квартиру.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.

Голубой период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и синего. сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства, завершается мрачной аллегорической картиной La Vie.La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Период Розы (1904-1906)

В соответствии с названием, как только Пикассо, казалось, добился небольшого успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину », — Пабло Пикассо

Влияние Африки (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году.Хотя раньше он был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы получить связную поверхность, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские народы. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

Les Demoiselles d’Avignon — первый шедевр Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры. двухмерная картинная плоскость.

Когда впервые появился Les Demoiselles d’Avignon , мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известных форм и представлений. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
— Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Это было слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства, — которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденным мастерством и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал объединять свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистические. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, олицетворяющее отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращению войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры — женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующий конь — уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на вместительное полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресковых картин мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины — более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Среди его наиболее заметных работ — «Резня в Корее». после Гойи, «Менины» после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения по-прежнему имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря видению и особому творческому стилю, они по-прежнему являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи 20 века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, а с другой — на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также несомненно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо считался и остается фокусник писателей и критиков, метафора, которая улавливает как художника, способного трансформировать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать нас.

Как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и его полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.

Эпический стиль Керри Джеймса Маршалла

В нашем антресольном разговоре Маршалл сказал мне, что сюжетная линия «Ритм Мастр» становится все более сложной. В настоящее время существуют две разные группы людей, пытающиеся остановить насилие банд — Фарелл и его команда афроцентрических барабанщиков и отряд технических волшебников в инвалидных колясках, жертв стрельбы из проезжающих мимо автомобилей, которые используют роботов с оружием против банд. Он также сказал, что Чикаго больше не там, где это происходит.«Я заменил город и мир, который создал сам», — сказал он. «Это изобретение на всем пути. И я не думаю, что это займет еще десять лет. Это возможно в течение ближайших пяти ».

В начале двухтысячного года несколько проницательных кураторов задумались о том, чтобы устроить Маршаллу обзорную выставку в середине карьеры. Элизабет Смит, в то время главный хранитель Музея современного искусства Чикаго, обратилась к нему с просьбой сделать это. Маршалл не хотел опроса. Что он хотел, так это показать его существующие и новые работы, посвященные черной идентичности и черной культуре в белом обществе.Это привело к фильму «Керри Джеймс Маршалл: одна правда, размышления о черной эстетике», который открылся в Чикаго в 2003 году и побывал в музеях Майами, Балтимора, Нью-Йорка (Музей-студия) и Бирмингема. Однако пять лет спустя Мадлен Гринштейн, недавно ставшая директором MCA Chicago, предложила провести там полномасштабную ретроспективу работ Маршалла, и он согласился. По предложению Гринштейна они решили подождать, пока ему не исполнится шестьдесят. Музей современного искусства в Лос-Анджелесе подписался на участие в выставке, когда Хелен Молесворт стала его главным куратором в 2014 году.Музей Метрополитен уже согласился сделать то же самое, и это решение сделало выставку крупным событием в мире искусства.

Маршалл дал Гринштейну и Молесворту полную свободу делать то шоу, которое они хотели, — хронологический обзор его картин. Они хотели назвать это «Керри Джеймс Маршалл: старый мастер», но он возразил. «Керри не понравилось слово« старый », — признался Молсворт, улыбаясь. «Он вернулся с« Мастри ». Я думаю, ему нравилось играть со словом — что оно означало — обладать мастерством, и делать ошибки в написании, и делать разговорными, и помещать их в традицию афроамериканской игры слов.«Мастри» открылся в MCA Chicago в апреле 2016 года. Я видел его несколько месяцев спустя в Нью-Йорке, где его семьдесят две картины занимали два этажа в Met Breuer, в то время современном отделении Met. (В этом здании раньше размещался Музей американского искусства Уитни.) Для меня и для многих других выставка поместила Керри Джеймса Маршалла в пантеон великих ныне живущих художников. «Можно было подумать, что современное искусство с такой силой одновременно занимает позицию красоты, сложности, дидактизма и формализма», — писал художник Кэрролл Данхэм в Artforum .«На самом деле нет других американских художников, которые взялись за такой проект».

Картина за картиной свидетельствовали о слиянии образа и идеи, а также о тонких, не столь тонких, а иногда и забавных отсылках к истории искусства. В серии «Виньетка» (2003–2012 гг.) Изображены в основном молодые чернокожие люди в старинных одеждах, наслаждающиеся очарованием рококо из «Прогресса любви» Фрагонара. «Черные люди ищут удовольствий?» — спросил меня Маршалл. «Конечно. Так что давай попробуем.

В «Черной живописи», чья чернота настолько глубока, что требуется минута или больше, чтобы разглядеть изображение, два человека лежат в постели, одна из них — женщина, которая только что услышала что-то, что побуждает ее подняться. одна рука.Неполная средняя школа Маршалла находилась в нескольких кварталах от штаб-квартиры Черной Пантеры в Лос-Анджелесе, и он помнит рейд полиции в 1969 году. На его картине изображен «момент, когда еще ничего не произошло, но вот-вот должно произойти», — сказал он. «Это не Фред Хэмптон и его жена; он призван вызвать целый ряд полицейских рейдов на Черных пантер ». Картина датирована 2003-06 гг., Потому что Маршалла не удовлетворило ее первое воплощение; он забрал его из своей нью-йоркской галереи и продолжал работать над ним в течение трех лет.

Картины Маршалла часто содержат необъяснимые элементы. «Воскресное утро в 7 часов утра» — название относится к «Раннему воскресному утру» Эдварда Хоппера — разделено пополам. Левая половина представляет собой точную, почти фотореалистичную визуализацию перекрестка улицы возле студии Маршалла с красными кирпичными витринами, пешеходом в желтой куртке и полетом птиц над головой.Единственный непонятный объект — это размытая серая машина, мчащаяся по пространству и соединяющая левую часть картины с правой, где ничего не ясно. Я спросил Маршалла, что там происходит. «Это похоже на блики от линз», — ответил он. «Это солнце, отражающееся в стекле того здания на углу, — оптическое явление, позволяющее ввести в пространство то, чего там нет, — мираж». Его целью было поймать «момент, который является чудесным в контексте обычного обычного дня». Есть несколько таких моментов в его огромной «Школе красоты, Школе культуры» 2012 года, в которой транслируются его ранние «De Style», а также «Las Meninas» Веласкеса.«Здесь мы находимся в парикмахерской, где восемь или девять женщин разговаривают, прихорашиваются или стоят и смотрят. Критик Питер Плагенс описал это как «одно из самых сложных сочетаний цвета в современной живописи». Большой плакат с изображением женщины с цветком в волосах на стене справа — это выставка Криса Офили 2010 года в лондонской галерее Tate Britain. («Я был совершенно потрясен, когда увидел это изображение, — сказал мне Офили. — Для меня все еще большая честь, когда я думаю об этом».) На переднем плане двое малышей, один из них мальчик, который смотрит на искаженное изображение. желто-белая фигура на полу, которую, кажется, никто не заметил; это образ, который можно увидеть только под крайним углом, анаморфоз, как череп в «Посланниках» Ганса Гольбейна, а на картине Маршалла это «Спящая красавица» Уолта Диснея.Идея белой женской красоты как непоколебимого эталона в западном искусстве — лишь один из вопросов, поднятых этой бесконечно вызывающей воспоминания картиной.

Мастерство и свободное воображение Маршалла делают его более позднюю работу столь же непредсказуемой, как «Портрет художника как тень его прежнего« я »». В серии «Художник» изображены уверенные в себе, роскошно одетые женщины и мужчины, некоторые из которых позируют перед своими незаконченными холстами, написанными по номерам. Кажется, говорят, что любой может рисовать; их абсурдно негабаритные палитры сами по себе являются абстрактными картинами.Существует серия воображаемых портретов, большинство из которых — это исторические личности, такие как Нат Тернер, раб-мятежник, держащий топор, которым он убил своего хозяина, и Харриет Табман, изображенная в образе молодой женщины, с мужчиной, которого она только что женат, который исчез из исторических источников. На выставке в Метрополитене также был представлен пример фотографий Маршалла людей — его самого, его жены и нескольких близких друзей — в черном свете, то есть в ультрафиолетовом свете. «Это придает коже красивый темный оттенок и что-то вроде синего пятна на всем», — сказала Наоми Беквит, главный хранитель музея Гуггенхайма и одна из сиделок.«Керри всегда интересовал вопрос:« Как бы выглядела история искусства, если бы мы пропитали ее культурной историей чернокожих американцев? »»

Самой незабываемой картиной на выставке, на мой взгляд, была его картина 2014 года «Без названия: (Студия ). » На нем изображены четыре человека и желтая собака в комнате, где сияющий цвет и волшебно выверенный дизайн делают ее самым желанным местом на земле. Трудно представить себе картину более загадочно соблазнительной, чем эта, но Крис Офили убежден, что лучшие работы Маршалла еще впереди.Сравнивая его недавно с гонщиком Формулы-1, Офили сказал: «В течение многих лет мы наблюдали, как Керри делает разминку, чтобы его шины липли. Теперь он готов утвердить свой авторитет в новейшей истории живописи. Его шины липкие, и он знает, что может проходить повороты немного круче, чем раньше ».

Большая ретроспектива может сорвать карьеру художника, но Маршалл отнесся к этому спокойно. Когда «Мастры» собирались закрываться в Метрополитен, музей устроил ему неформальную вечеринку в Храме Дендура, которая была одной из самых радостных встреч, на которых я когда-либо присутствовал.Произошло что-то великолепное, и это праздновалось. Вскоре после этого Маршалл отправился на открытие в Лос-Анджелес, а затем со вздохом облегчения вернулся в свою студию и свой неумолимый рабочий график. Лишь немногие люди знали, что он перенес успешную операцию по поводу рака простаты в начале 2016 года. За последние два года у Шерил Брюс была тромбоэмболия легочной артерии и вторая замена коленного сустава. Сейчас они оба здоровы и решили переехать в Лос-Анджелес. Этого не произойдет в ближайшие несколько лет — они слишком заняты текущими проектами и обязательствами, — но очень холодные зимы Чикаго и желание проводить больше времени со своими семьями слишком сильны, чтобы сопротивляться.Братья и сестры Маршалла и их дети живут в Лос-Анджелесе или недалеко от него, как и замужняя дочь Брюса, Сидни Камлагер, которая ушла в политику и недавно была избрана в сенат штата Калифорния. (Маршалл, ее крестный отец, а также отчим, теперь называет ее крестным сыном сенатора.)

Тем временем их чикагская жизнь продолжается, как и раньше. Маршалл встает каждое утро в пять тридцать или шесть, а в восемь тридцать оказывается в своей студии. До операции на колене Брюс несколько раз в неделю выступал в постановке «Театр для одного» в Чикаго для сольного актера и единственного зрителя.Вечером Брюс готовит ужин, и они дружелюбно спорят. Она высмеивает его эрудицию, называет его Эль Джефе и угрожает избить. Много лет назад они говорили о том, чтобы завести ребенка. «Время всегда было неподходящим, и почему-то не получалось», — сказал Брюс. После обеда они смотрят классические фильмы из обширной коллекции Маршалла, а в одиннадцать тридцать они настраиваются на «NHK World-Japan», японский канал (на английском языке), который Маршалл, открывший его, описывает как посвященный объяснению того, что это такое. значит быть японцем.«Вы видите ремесленные традиции, которым сотни, а иногда и тысячи лет», — сказал он. В последнее время они были прикованы к турнирам по борьбе сумо, которые проводятся каждые два месяца в течение пятнадцати дней. «Шерил стала одержима борьбой сумо, — сказал Маршалл.

После ретроспективы цена, заплаченная за работы Маршалла, ставит его в неловкое положение. «Прошлые времена» были проданы на Sotheby’s в 2018 году за 21 миллион долларов — это самая высокая аукционная цена, зарегистрированная для живого афроамериканского художника.(Покупателем был Шон Комбс.) Дэвид Цвирнер, мега-дилер, представляющий Маршалла в Европе, сказал мне, что его новые картины можно продать за семь или восемь миллионов долларов. Маршалл — наполовину знаменитость: его имя встречается в рэп-песнях, в том числе «Vendetta» Вика Менсы и «One Way Flight» Бенни Мясника. Он работает над новой серией картин под названием «Черные и частично черные птицы», в которую в конечном итоге войдут все виды из «Птиц Америки» Джона Джеймса Одюбона, которые являются черными или имеют черные отметины.Используя изображения Одюбона в качестве отправной точки, он изображает каждый вид в причудливой среде, сидящей на деревьях и столбах, украшенных яркими цветами. Маршалл — давний орнитолог. Несколько лет назад он поймал голыми руками молодую ворону — птица сидела на низкой ветке дерева возле его участка, и ему удалось подкрасться к ней сзади. Он привязал одну из лапок птицы к ящику для молока на террасе второго этажа своего дома, сделал фото и видео, разложил воду и шелковицу для еды и выпустил на следующее утро.«Я всегда мечтал о вороне, которая была моим другом, и приходила на мой звонок», — сказал он мне.

«Лондонский мост», который он нарисовал в 2017 году, — его последняя величественная историческая картина. Знаменитая достопримечательность была признана небезопасной для движения в начале шестидесятых, и американский предприниматель по имени Роберт П. Маккалок купил ее в городе, разобрал и использовал детали для создания копии в качестве туристической достопримечательности на берегу Аризоны. Озеро Хавасу. «Картина о вывихе», — сказал Маршалл, который, очевидно, прекрасно провел время, нарисовав ее.Среди прогуливающихся у моста туристов есть негр, одетый в костюм Бифитера стражи лондонского Тауэра. Он носит доску для сэндвичей с рекламой «Рыба и жареный картофель Олауда», что относится к другому вывиху. «Одно из самых ранних повествований о рабах принадлежит Олауде Эквиано, — объяснил Маршалл, широко улыбаясь. «Он и его сестра были проданы в рабство в детстве, а Олауда оказался слугой британского морского капитана. В конце концов он стал свободным, поселился в Англии, женился на англичанке и разбогател на своей книге.Маршалл сказал, что на картине «на посохе, который он несет, изображена королева Виктория, а песня, которую он поет» — записана в свитке — «Сочувствие дьяволу из Rolling Stones». куплен Тейт, где быстро стал фаворитом публики.

Решимость Маршалла знать больше, чем кто-либо другой, о том, что он делает, не ослабевает. «Знаете, Керри похож на Гойю, — сказала мне Мадлен Гринштейн. «Он политический, социальный, эмоциональный, интеллектуальный источник. Есть рисунок, который Гойя сделал в последние годы своей жизни, — это старик, наклонившийся, опираясь на две палки, который говорит:« Aun aprendo »- я все еще учусь.Это Керри. ♦

Эдвард Мунк: За гранью крика | Искусство и культура

Эдвард Мунк, который никогда не был женат, называл свои картины своими детьми и терпеть не мог разлучаться с ними. Проживая в одиночестве в своем поместье за ​​пределами Осло в течение последних 27 лет своей жизни, все более почитаемый и все более изолированный, он окружил себя работой, которая датируется началом его долгой карьеры.После его смерти в 1944 году, в возрасте 80 лет, власти обнаружили за запертыми дверями на втором этаже его дома коллекцию из 1008 картин, 4443 рисунков и 15391 гравюры, а также гравюры на дереве, офорты, литографии, литографические камни. , ксилография, медные пластины и фотографии. И все же, по иронии судьбы своей сложной жизни, Мунк сегодня известен как создатель единственного изображения, которое затмевает его общие достижения как новаторского и влиятельного художника и гравера.

Munch’s The Scream — это икона современного искусства, Мона Лиза для нашего времени.Подобно тому, как Леонардо да Винчи пробудил в себе идеал безмятежности и самообладания эпохи Возрождения, Мунк определил, как мы видим нашу эпоху — охваченную тревогой и неуверенностью. Его картина, изображающая бесполое, искривленное существо с лицом зародыша, с широко открытыми в крике ужаса ртом и глазами, воссоздала видение, которое охватило его, когда он однажды вечером в юности гулял с двумя друзьями на закате. Как он позже описал, «воздух превратился в кровь», а «лица моих товарищей стали яркими желто-белыми». Вибрируя в ушах, он услышал «огромный бесконечный крик, распространяющийся через природу.»Он написал две картины маслом, две пастели и многочисленные оттиски изображения; две картины принадлежат Национальной галерее Осло и музею Мунка, также в Осло. Обе были украдены в последние годы, а музей Мунка все еще отсутствует. Кражи только добавили посмертных несчастий и дурной славы жизни, наполненной и тем, и другим, а повышенное внимание к похищенному изображению еще больше исказило репутацию художника.

С целью корректировки баланса в прошлом месяце в Музее современного искусства в Нью-Йорке открылась крупная ретроспектива работ Мунка, первая почти за 30 лет в американском музее.«Все знают, но не все знают Мунка», — говорит Кинастон МакШайн, куратор Музея современного искусства, организовавший выставку. «Все они думают, что знают Мунка, но на самом деле это не так».

Мунк, воплотившийся в этом спектакле, — неугомонный новатор, чьи личные трагедии, болезни и неудачи питали его творчество. «Мой страх жизни необходим мне, как и моя болезнь», — написал он однажды. «Без тревог и болезней я — корабль без руля … Мои страдания — часть меня и моего искусства.Они неотличимы от меня, и их разрушение разрушило бы мое искусство ». Мунк считал, что художник не должен просто транскрибировать внешнюю реальность, но должен записывать влияние запомненной сцены на его собственную чувствительность. портреты в Музее современного искусства в Стокгольме и Королевской академии художеств в Лондоне, большая часть работ Мунка можно рассматривать как автопортреты. Даже для художника он был исключительно самовлюбленным. «Работа Мунка похожа на визуальную автобиографию», — отмечает МакШайн. .

Хотя он начал свою художественную карьеру как ученик норвежского художника Кристиана Крога, который выступал за реалистичное изображение современной жизни, известное как натурализм, Мунк разработал психологически заряженный и выразительный стиль для передачи эмоциональных ощущений. Действительно, когда он подносил кисть к мольберту, он обычно уже не обращал внимания на свою модель. «Я рисую не то, что вижу, а то, что видел», — однажды объяснил он. В молодости под влиянием того, что он познакомился в Париже с работами Гогена и Ван Гога, которые оба отвергли академические условности официального Салона, он перешел к упрощенным формам и ярким цветным блокам с общепризнанной целью передать сильные чувства.В начале 1890 года Мунк в ярости бросил занятия у уважаемого парижского учителя живописи, который критиковал его за то, что он изобразил розовую кирпичную стену в зеленых тонах, которая предстала перед ним на остаточном изображении сетчатки глаза. Таким образом, что вызывало недовольство критиков современного искусства, которые обвиняли его в том, что он демонстрирует «выброшенный наполовину стертый набросок» и высмеивали его «случайные цветные пятна», он вставлял в свои картины каракули, похожие на граффити, или разбавлял краску и пусть капает свободно.

Радикальная простота его техники гравюры на дереве, в которой он часто использовал только один яркий цвет и обнажал текстуру дерева на гравюре, все еще может показаться поразительно новой.Для гравюры на дереве он разработал свой собственный метод, вырезая изображение грубыми широкими мазками и разрезая готовые ксилографии на участки, которые он написал отдельно. Его стиль печати, а также смелая композиция и цветовая палитра его картин оказали глубокое влияние на немецких экспрессионистов начала 20 века, включая Эрнста Людвига Кирхнера и Августа Макке. Однако характерно то, что Мунк избегал роли наставника. Он предпочитал стоять в стороне.

«Он хотел, чтобы его считали современным художником, а не старым мастером», — говорит Герд Волл, старший куратор музея Мунка.Он бесстрашно воспользовался случаем. Посетители его мастерской были шокированы, когда увидели, что он оставил свои картины на открытом воздухе в любую погоду. «С первых лет Мунк критиковали за то, что он не закончил свои картины, это были наброски и начало», — говорит Уолл. «Это было правдой, если сравнить их с картинами в Салоне. Но он хотел, чтобы они выглядели незаконченными. Он хотел, чтобы они были грубыми и грубыми, а не гладкими и блестящими». Он хотел изобразить эту эмоцию. «Красить нужно не стул, — писал он однажды, — а то, что человек почувствовал при виде этого.«

Одно из самых ранних воспоминаний Мунка было о его матери, больной туберкулезом, задумчиво смотрящей со стула на поля, простирающиеся за окном их дома в Кристиании (ныне Осло). Она умерла в 1868 году, оставив Эдварда, которому было 5 лет, трех его сестер и младшего брата на попечении ее гораздо более старшего мужа, Кристиана, врача, проникнутого религиозностью, которая часто переходила в мрачный фанатизм. Тетя Эдварда Карен переехала жить к семье, но самые глубокие привязанности мальчика были связаны с Софи, его старшей сестрой.Ее смерть девять лет спустя в возрасте 15 лет, тоже от туберкулеза, ранила его на всю жизнь. Умирая, она попросила, чтобы ее подняли с кровати и поместили в кресло; Мунк, написавший множество композиций о ее болезни и последних днях, сохранил это кресло до самой смерти. (Сегодня он принадлежит Музею Мунка.)

Усугубляло страдания Эдварда его собственное хрупкое здоровье. Как рассказывает Сью Придо в своей новой биографии, Эдвард Мунк: За криком , в детстве он болел туберкулезом и плевал кровью. Выраженное отцом предпочтение загробному миру (тревожная черта врача) только усиливало у сына чувство неминуемости смерти.Один из лучших автопортретов Мунка, литография 1895 года, изображает его голову и воротничок церковного вида, материализованные на черном фоне; тонкая белая полоса вверху работы содержит его имя и год, а соответствующая полоса внизу изображает скелетную руку. «Я унаследовал двух самых ужасных врагов человечества — наследие чахотки и безумия — болезнь, безумие и смерть были черными ангелами, стоявшими у моей колыбели», — написал он в частном дневнике без даты. В нескончаемой саге горя одна из сестер Эдварда провела большую часть своей жизни в больнице из-за психического заболевания, а его единственный брат, который казался нетипично крепким для Мунка, внезапно умер от пневмонии в 30 лет.Только его младшая сестра Ингер, которая, как и он, никогда не была замужем, дожила до старости.

Ранний талант Эдварда был признан рано. Насколько быстро развивалось его искусство (и его личность), видно из двух автопортретов. Небольшой профиль в три четверти на картоне, написанный в 1881–1882 годах, когда ему было всего 18 лет, изображает классическую внешность художника — прямой нос, изогнутый рот, сильный подбородок — тонкой кистью и академической корректностью. Пять лет спустя работа мастихином Мунк над большим автопортретом была импрессионистической и пятнистой.Его волосы и шея размываются на заднем плане; его опущенный взгляд и выпяченный подбородок придают ему дерзкий вид; а красные края его глаз предполагают пьяные бессонные ночи, начало долгого спуска к алкоголизму.

Для портрета в полный рост 1889 года Ганса Йегера, нигилиста в центре богемной толпы в Кристиании, с которым Мунк все больше и больше дружил, художник позировал печально известного писателя сутулым на диване со стеклянным стаканом на столе. перед ним и шляпа низко на его лбу.Голова Джагера наклонена, а глаза выпячены в позе одновременно высокомерной и распутной. Наряду с психологической проницательностью этот убедительный портрет демонстрирует осведомленность Мунка о последних достижениях в живописи. Пятнистый сине-серый рисунок пальто Егера наводит на мысль об импрессионизме, особенно о работах Сезанна, которых норвежец, возможно, видел во время своих поездок в Париж в 1885 и 1889 годах.

Для Кристиана Мунка, который изо всех сил пытался оплачивать расходы на образование своего сына, общение Эдварда с сомнительными товарищами было источником страданий.Эдвард тоже был разорван. Хотя ему не хватало веры отца в Бога, он, тем не менее, унаследовал чувство вины. Позже, размышляя о своих богемных друзьях и их объятиях свободной любви, он написал: «Бог — и все было свергнуто — все бушевали в диком, сумасшедшем танце жизни … Но я не мог освободиться от своего страха перед жизнью. и мысли о вечной жизни ».

Его первый сексуальный опыт, по-видимому, имел место летом 1885 года, когда ему был 21 год, с Милли Таулоу, женой дальнего родственника.Они встретятся в лесу недалеко от очаровательной рыбацкой деревушки Аасгаардстранд. Он был взбешен и взволнован, пока продолжались отношения, и мучился и был одинок, когда Милли закончила их через два года. Тема одинокого мужчины и доминирующей женщины очаровывала Мунка. На одном из его самых знаменитых изображений, Vampire (1893-94), можно увидеть рыжую женщину, погружающуюся в шею безутешного на вид любовника, ее локоны струятся по нему, как ядовитые усики. На другой крупной картине, его 1894 Ashes , женщина, напоминающая Милли, предстает перед зрителем, ее белое платье расстегнуто, открывая красную комбинацию, ее руки подняты по бокам головы, в то время как обезумевший любовник держит голову в отчаянии.

Мунк был в Париже в ноябре 1889 года, когда друг доставил ему письмо. Убедившись, что в нем есть плохие новости, он попрощался с другом и пошел один в ближайший ресторан, который был пуст, если не считать пары официантов, где он прочитал, что его отец умер от инсульта. Хотя их отношения были тяжелыми: «Он не понимал моих потребностей; я не понимал того, что он ценил больше всего», — однажды заметил Мунк, — смерть расстроила его. Теперь он является главой семьи, находящейся в затруднительном финансовом положении, он осознал свою ответственность и был охвачен раскаянием, что его не было со своим отцом, когда он умер.Из-за этого отсутствия он не мог выразить свои чувства горя в картине сцены смерти, как он это сделал, когда умерли его мать и сестра Софи. Ночь в Сен-Клу (написана в 1890 году), угрюмый синий интерьер его квартиры в пригороде Парижа, отражает его душевное состояние. На нем темная фигура в цилиндре — его сосед по комнате, датский поэт Эмануэль Гольдштейн — смотрит в окно на яркие огни Сены. Вечерний свет, струящийся через оконные рамы, бросает на пол символический узор креста, пробуждая дух его благочестивого отца.

После смерти отца Мунк вступил в самый продуктивный — если не самый тяжелый — этап своей жизни. Живя между Парижем и Берлином, он написал серию картин, которые назвал Фриз жизни . Он создал 22 работы в рамках серии для выставки фриза 1902 года в Берлине. Предполагая его душевное состояние, картины носили такие названия, как Меланхолия , Ревность , Отчаяние , Тревога , Смерть в комнате и Крик , которые он написал в 1893 году.Его стиль резко меняется в этот период, в зависимости от эмоций, которые он пытался передать в той или иной картине. Он обратился к душной в стиле модерн для Мадонны (1894-95) и к стилизованному, психологически нагруженному символизму для «Сон летней ночи » (1893). В своем великолепном «Автопортрете с сигаретой » 1895 года, написанном в то время, когда он лихорадочно работал с «Фриз жизни », он использовал мерцающие мазки Уистлера, соскребая и потирая пиджак, так что его тело казалось таким же мимолетным, как и дым от сигареты, которую он держит, тлеет у его сердца.В картине «Смерть в комнате », трогательном воспоминании о смерти Софи, написанной в 1893 году, он перенял смелые графические очертания Ван Гога, Гогена и Тулуз-Лотрека. В нем он и его сестры вырисовываются на переднем плане, в то время как его тетя и молящийся отец ухаживают за умирающей девушкой, которую скрывает ее стул. Через огромное пространство, отделяющее живых братьев и сестер (изображенных взрослыми) от их умирающей сестры, взгляд зрителя обращен на освободившуюся кровать и бесполезные лекарства в задней части.

Фриз получил широкое признание в Берлине, и Мунк внезапно стал предметом коллекционирования.«Из сочетания грубого нордического восторга в цвете, влияния Мане и склонности к задумчивости возникает нечто совершенно особенное», — писал один критик. «Это похоже на сказку», — радовался Мунк в письме к тете. Но, несмотря на свое удовольствие от запоздалого успеха, Мунк оставался далеко не счастливым. Одними из самых ярких картин в этой серии были те, которые он завершил совсем недавно, и рассказывающие о любовной связи, которая вызвала страдания, которые, как он часто говорил, ему необходимы для своего искусства.

В 1898 году во время визита в Кристианию Мунк встретил женщину, которая стала его жестокой музой.Тулла Ларсен была богатой дочерью ведущего виноторговца Кристиании, и в свои 29 лет она все еще не была замужем. Биографы Мунка полагались на его иногда противоречивые и далеко не бескорыстные рассказы, чтобы восстановить мучительные отношения. Впервые он увидел Ларсен, когда она прибыла в его студию в компании художника, с которым он жил вместе. С самого начала она агрессивно преследовала его. По его словам, их роман начался почти против его воли. Он сбежал — в Берлин, а затем совершил годичный рывок через Европу.Она последовала за ней. Он откажется ее видеть, а затем уступит. Он увековечил память об их отношениях в фильме «Танец жизни » 1899-1900 годов, действие которого происходит в летнюю ночь в Осгаардстранде, приморской деревне, где он однажды попробовал себя с Милли Таулоу и где в 1897 году он купил крошечный коттедж. В центре изображения мужчина с пустыми глазами, представляющий самого Мунка, танцует с женщиной в красном платье (вероятно, Милли). Их глаза не встречаются, а их окоченевшие тела держатся на несчастливой дистанции.Слева можно увидеть Златовласого Ларсена, доброжелательно улыбающегося, в белом платье; справа она появляется снова, на этот раз хмурясь в черном платье, ее лицо такое же темное, как одежда, которую она носит, а глаза опущены в мрачном разочаровании. На зеленой лужайке другие пары страстно танцуют в том, что Мунк назвал «сумасшедшим танцем жизни» — танцем, к которому он не осмеливался присоединиться.

Ларсен очень хотел, чтобы Мунк женился на ней. В его коттедже Аасгаардстранд, который сейчас является домом-музеем, находится старинный свадебный сундук, сделанный для приданого невесты, который она ему подарила.Хотя он написал, что прикосновение ее «узких липких губ» было похоже на поцелуй трупа, он уступил ее проклятиям и даже зашел так далеко, что сделал неохотное предложение. «В моем несчастье, я думаю, вы были бы по крайней мере счастливее, если бы мы поженились», — писал он ей. Затем, когда она приехала в Германию, чтобы вручить ему необходимые документы, он их потерял. Она настояла на том, чтобы они поехали в Ниццу, поскольку Франция не требовала этих документов. Оказавшись там, он сбежал через границу в Италию, а затем в Берлин в 1902 году, чтобы устроить выставку The Frieze of Life .

Тем летом Мунк вернулся в свой коттедж в Осгаардстранде. Он искал мира, но, сильно выпив и публично ссорившись, ему не удалось его найти. Затем, после более чем годичного отсутствия, снова появился Ларсен. Он игнорировал ее предложения, пока ее друзья не сообщили ему, что она находится в суицидальной депрессии и принимает большие дозы морфина. Он неохотно согласился ее увидеть. Произошла ссора, и каким-то образом — полная история неизвестна — он застрелился из револьвера, потеряв часть пальца на левой руке, а также нанеся себе менее очевидную психологическую травму.Склонный к преувеличенным ощущениям преследования — например, в своей картине « Голгофа 1900 года» он изобразил себя пригвожденным к кресту, Мунк усилил фиаско в своем сознании, пока оно не приняло эпических масштабов. Описывая себя в третьем лице, он писал: «Все смотрели на него, на его деформированную руку. Он заметил, что те, с кем он сидел за одним столом, испытывали отвращение от вида его чудовища». Его гнев усилился, когда Ларсен вскоре женился на другом художнике. «Я напрасно пожертвовал собой ради шлюхи», — писал он.

В следующие несколько лет его пьянство, которое долгое время было чрезмерным, стало неконтролируемым. «Ярость теперь приходила все чаще и чаще», — писал он в своем дневнике. «Напиток должен был их успокоить, особенно по утрам, но по мере того, как день шёл, я нервничал и злился». Несмотря на то, что он был в отчаянии, ему все же удалось создать некоторые из своих лучших работ, в том числе картину (выполненную в нескольких версиях), в которой он использует себя в качестве модели для убитого французского революционера Марата, а Ларсен представлен в роли убийцы Марата, мрачного Неумолимая Шарлотта Корде.Его автопортрет 1906 г. с бутылкой вина , в котором он рисует себя в одиночестве за ресторанным столом, только с тарелкой, винной бутылкой и стаканом, свидетельствует о сильном беспокойстве. Два официанта стоят позади него в почти пустом ресторане, напоминая об обстановке, в которой он читал о смерти своего отца.

Осенью 1908 года в Копенгагене упал Мунк. Услышав галлюцинаторные голоса и страдая параличом с левой стороны, он был убежден своим старым соседом по квартире в Сен-Клу, Эмануэлем Гольдштейном, зарегистрироваться в частном санатории на окраине города.Там он уменьшил количество алкоголя и восстановил некоторую психическую устойчивость. В мае он ушел, энергичный и жаждущий вернуться к своему мольберту. Осталась почти половина его жизни. Тем не менее большинство историков искусства согласятся, что подавляющее большинство его лучших работ было создано до 1909 года. Его последние годы были бы менее бурными, но ценой личной изоляции. Отражая эту точку зрения, МоМА посвящает менее пятой части шоу своей работе после 1909 года. «В последние годы его жизни, — объясняет куратор МакШайн, — не так много трогательных картин, как было, когда он был вовлечен в жизнь.«

В 1909 году Мунк вернулся в Норвегию, где начал работу над важной серией фресок для актового зала Университета Осло. Все еще на месте, украшения Aula, как известны фрески, сигнализировали о новой решимости Мунка смотреть на светлую сторону, в данном случае в буквальном смысле, с ослепительным солнцем в центре. В недавно получившей независимость Норвегии Мунк был провозглашен национальным артистом, так же как недавно скончавшиеся Хенрик Ибсен и Эдвард Григ были национальным писателем и композитором соответственно.Вместе с его новой славой пришло богатство, но не безмятежность. Держась подальше от обожающей и презрительной публики, Мунк перебрался в Экели, поместье площадью 11 акров на окраине Осло, которое он купил в 1916 году за сумму, эквивалентную цене двух или трех его картин. Иногда он защищал свою изоляцию, поскольку это было необходимо для работы. В других случаях он намекал, что это необходимо для поддержания его рассудка. «Вторая половина моей жизни была борьбой за то, чтобы оставаться в вертикальном положении», — писал он в начале 1920-х годов.

В Экели Мунк занялся пейзажной живописью, изображая сельскую местность и сельскую жизнь вокруг него, сначала в радостных тонах, а затем в более мрачных тонах. Он также вернулся к любимым изображениям, создав новые версии некоторых из картин «Фриз жизни ». В более поздние годы Мунк поддерживал своих выживших членов семьи финансово и общался с ними по почте, но решил не навещать их. Он проводил большую часть времени в одиночестве, документируя страдания и унижения своих преклонных лет.Когда он был поражен почти смертельным гриппом во время великой пандемии 1918-19 годов, он записал свою изможденную бородатую фигуру в серии автопортретов, как только смог взять в руки кисть. В 1930 году, после того как в его правом глазу разорвался кровеносный сосуд и ухудшилось зрение, он написал в таких работах, как Автопортрет во время глазной болезни , сгусток, каким он казался ему — большую неправильную пурпурную сферу. Иногда он придавал сфере голову и острый клюв, как демоническая хищная птица. В конце концов, он улетел; его зрение вернулось в норму.

В «Автопортрете между часами и кроватью », который датируется 1940-42 гг., Незадолго до смерти Мунка, мы можем увидеть, что случилось с человеком, который, как он писал, отказался от «танца жизни». . » Он выглядит скованным и физически неуклюжим, он стоит между напольными часами и кроватью, словно извиняясь за то, что занимает так много места. На стене позади него выстроились его «дети», один над другим. Как преданный родитель, он пожертвовал всем ради них.