Простые картины: Живопись и рисование: бесплатные мастер-классы

Содержание

Рисунки для срисовки карандашом очень легкие и красивые

Научиться рисовать можно срисовывая простые рисунки, постепенно переходя к более красивым. Далее представлены очень легкие картинки для срисовки простым карандашом для девочек и мальчиков 10-12 лет, прекрасно подойдут для начинающих художников в качестве образца. Выберете самое прикольное изображение и попробуйте срисовать в тетрадь.

Красивое сердце с капелькой для девочек

Изумительные два цветочка простым карандашом

Простенький котик.

Маленькая девочка

Глуповатая пандочка.

Надпись Любовь на английском.

Спящая сова.

Стройная дама с шалью.

Пушистый бельчонок.

Плюшевый медвежонок.

Чай с лимоном в чашке.

Грустный зайка.

Стеснительная девушка.

Пошаговый рисунок пингвина.

Девочка в аниме стиле.

Милый котенок.

Персонажи из мультфильма

Бульбазавр из Покемонов.

Лягушки с тенью.

Крейзи кошка.

Том из мультика.

Аватар Аанг из сериала.

Фея с длинными волосами.

Анимешная девочка.

Легкая сова.

Радостная кошечка в тетради

Маленький лисенок.

Пикачу в кепочке.

Страшный дракон.

Тыква на Хэллоуин.

Знак любви

Панда

Русалочка

Котик для срисовки

Рисунок мышки

Красивый дельфин для детей

Мороженка с глазками

Яблоко

Монстр

Лёгкий рисунок вишенки

Стич

Симба простым карандашом

Милая киса

Красивый котёнок

Тыква

Винни Пух

Модная девушка.

Радужный единорог.

Миньоны развлекаются с пони.

Харли Квин из Бэтмена.

Персонаж с воздушным платьем.

Прикольная точилка для карандаша.

Улыбающаяся шапка на девчонке.

Вкусная пироженка с посыпкой.

Дама в белой шляпе.

Очень красивая Ариэль.

Зайка из Зверополиса.

Котяра в шапке и очках.

Две птички с сердечками.

Динозавр с градусником.

Запутанная история.

Рапунцель с ящеркой.

Крутая сова карандашом.

Лицо с леденцом.

Лисенок с бабочкой на носу.

Девочка сидящая на книгах.

Совунья с кучей перышков.

Череп с открытым ртом.

Злобный бульдог.

Чайный пакетик в шапке в обличии девочки.

Няшный котенок.

Скейбордист с доской в кепке.

Молоко и печенька держатся за руки.

Винни Пух с улыбкой на лице.

Спящий миловидный щенок.

Различные покемоны  в одной картинке.

20 самых странных картин в мировой живописи

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.


Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939.

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка.

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник: adme.

Эскиз картины. Как придумать интересную композицию.

Приходилось ли вам создавать эскиз картины? Т.е. не рисовать картину с натуры, а придумывать свой сюжет, свою композицию по воображению?

Было? Тогда вы знаете, что когда мы сочиняем картину, перед нами встают две сложности.

Первая - что нарисовать? как сделать свою мысль понятной зрителю?

Вторая - как создать композицию, в которой всё гармонично? как нарисовать "красивую" картину?

Любой художник, прежде чем писать серьёзную картину, создаёт её эскиз.  В этом эскизе он продумывает сюжет картины, размеры и соотношение объектов, расположение персонажей, освещение, что будет главным, а что - второстепенным, и, что немаловажно, как будет двигаться глаз зрителя по картине.  

Создание картины - это долгий процесс, в котором по времени львиную долю занимает именно эскиз!

Стадии создания картины от поисковых эскизов к готовой акварели

Если вы упускаете эту стадию и сразу пытаетесь нарисовать что-то на большом холсте (листе), то вас, скорее всего, ждет разочарование. Какой бы великолепной ни была техника исполнения, картина может оказаться стереотипной, избитой, а то и вообще не гармоничной.

ТЕОРИЯ. КАК СОЗДАТЬ КРАСИВУЮ ГАРМОНИЧНУЮ КАРТИНУ?

Можно ли описать гармонию? Не придуманное ли это понятие? Ведь что одному красиво, другому может быть НЕкрасиво, скучно, пресно, безобразно.

Как измерить гармонию?

История мирового искусства говорит, что это возможно. Существуют определённые законы, правила и принципы, которые позволяют нам создать гармоничное произведение. Они описаны в науке, названной композицией.

Что отвечает за гармонию в картине?

На мой взгляд, это как минимум четыре основных базовых элемента:

1. СООТВЕТСТВИЕ ВСЕХ ЭЛЕМЕНТОВ КАРТИНЫ ВАШЕЙ ИДЕЕ

Это означает, что что бы вы не взяли в картине: образы персонажей, их жесты и мимика, взаимосвязи между ними, тональное и цветовое решение картины, какие-то отдельные детали - всё это должно работать на раскрытие образа, раскрытие идеи картины.

В картине не должно быть ничего случайного, "инородного".

2. БАЛАНС

В картине всё должно находиться в композиционном равновесии.

Если картина асимметрична, то мы должны какими-то элементами восстанавливать баланс, чтобы в целом картина смотрелась уравновешенной и не вызывала внутреннего дисбаланса.

3. ЦВЕТОВАЯ ГАРМОНИЯ

Цвета, которые присутствуют в картине, должны быть созвучны друг с другом и соответствовать идее картины.

4. ЦЕЛЬНОСТЬ

Простым языком понятие цельности картины можно выразить как «ни убавить, ни прибавить...»

В картине не должно быть дробности, второстепенные элементы должны подчиняться главным и работать на общую идею и ясность восприятия.

Пожалуй, это самое сложное для объяснения понятие. Поэтому я расширю его.

Что составляет цельность картины?

Я выделила такие составляющие:

Ритм

Повторение элементов, цветовых пятен, линий, движений. Ритм обязательно должен быть в картине в любом качестве как некое структурирующее начало.

Композиционный центр.

Это фокусная точка, куда взгляд зрителя чаще всего возвращается, и именно в этом месте художник располагает смысловой центр, что непосредственно выражает идею. Очень важно для создания цельности, чтобы композиционный центр доминировал, а все остальные элементы ему подчинялись.

Движение глаз по картине (пластика).

Художник может направить взгляд зрителя, заставить его двигаться по нужной траектории, от одного элемента картины к другому. Эта траектория движения глаза позволяет зрителю воспринимать картину ясно и цельно, "прочитать" её идею.

Обучение композиции - процесс не сиюминутный. Он требует и знания теории, и самостоятельной практики сочинения картин.

Основы композиции мы изучаем в онлайн Школе Изобразительного искусства на протяжении года.  

Передать все эти знания в одном мастер-классе не получится.

Но я попытаюсь объяснить вам самые основы композиции и набросать схему ваших действий при создании эскиза картины.

И давайте сразу совместим теорию с практикой! Так будет понятнее.


ПРАКТИКА. СОЧИНяем КАРТИНу по шагам.

Чтобы разобраться в вопросах композиции, давайте пройдет весь путь вместе.

Я буду рассказывать вам о композиционных приёмах, а вы будете создавать картину, выбирая тот или иной способ.

Сочинять картину мы будем на примере... снеговика.

Это достаточно простой образ, но в то же время он человекообразный и может выражать эмоции. Это даст возможность сделать вашу картину интересной и одновременно не сложной в исполнении.

Возьмите карандаш и несколько листов бумаги. Начнём!

Шаг 1. ИДЕЯ

Прежде чем рисовать эскиз, следует задуматься о том, какова идея картины.

О чем она?  Что будет изображено на картине?

В нашем случае для картинки со снеговиком я предлагаю вам составить список всего того, что может делать ваш снеговик, например, дарить подарки, рисовать, дирижировать, лежать, падать, скользить... 

Не пытайтесь продумывать композицию и вспоминать конкретные картинки, просто "набросайте" десяток глаголов действия.

Остановите свой выбор на том варианте, который более откликается или же сделайте выбор вслепую!

Поиски идеи картины в эскизе Светланы Ланских

Готово? Выбрали?

Тогда идём дальше!

Шаг 2. ВЫБОР ФОРМАТА

У каждого формата есть свои особенности. Выбирая формат для своей картины, задумайтесь, какой из них лучше передает вашу идею?

  • Горизонтальный формат отображает движение вширь. Он хорош для изображения пейзажей с полями и лесами, объектов более протяжённых в длину, чем в высоту.

  • Вертикальный формат показывает нам высокое, подчёркивает движение вверх. И если горизонтальный показывает нам нечто материальное, то вертикальный намекает на возвышенное и духовное.

  • Квадратный формат. В нём пропорции равны, он замкнут сам на себя, никуда не спешит, не торопится или неподвижен. Выражает ощущение стабильности, уюта, покоя.

Продумайте, какой из этих форматов лучше передаст действие, которое вы определили глаголом в шаге 1.

Отделите этот формат на листе небольшим прямоугольничком размером около 10 см по одной стороне. Это удобный компактный вариант размера для эскиза.

В дальнейшем я бы порекомендовала вам не останавливаться на одном виде формата, а сделать несколько эскизов, опробовав свою композицию в разных.

Эскизы Галины Селивоненко

Шаг 3. РАЗМЕР ПЕРСОНАЖА В КАРТИНЕ

Теперь задумаемся о размере изображения в заданном формате. 

Какие здесь варианты?

Маленький объект и много фона.

Хорош, когда важно показать не сам объект, а движение в картине, то, что там проис-ходит, весь рассказ. В этом случае мы не можем подробно рассмотреть персонаж, и детальная прорисовка образа не важна, но важны поза, силуэт и цвет. Очень важен фон.

  • Равнозначный с фоном
  • Укрупнение, обрез

Одинаковые по массе изображения объекта и фона.

В этом случае фона меньше, больше внима-ния уделяется персонажу и, соответственно, мы больше его прорабатываем. Здесь упор будет на позу, пропорции фигуры, элементы одежды.

Очень сильно укрупняем персонажа, фон минимален.

Фактически мы обрезаем персонажа, и это должно быть чем-то обусловлено. Тут важны эмоции, мелкие детали, а фон совсем неважен, его можно задать абстрактными цветовыми пятнами.

Подумайте, какой вариант лучше подойдет для раскрытия идеи вашей истории?

Эскизы Надежды Кораблевой

Шаг 4. РАСПОЛОЖЕНИЕ ОБЪЕКТА НА КАРТИННОЙ ПЛОСКОСТИ

Персонажа вы можете расположить в разных частях картины. При этом восприниматься персонаж и сама картина уже будут по-разному.

Расположение в центре. 

Самое элементарное и логическое - расположение в центре.

Наш взгляд сразу попадает в центр картины. Мы видим персонажа и ни на что не отвлекаемся.

На краю формата. Если мы ставим объект на край формата, то он сразу вываливается из нашего внимания, если в центре есть другой объект. Однако, если в центре пусто, а сам персонаж близок к раме, то это очень сильное положение, он буквально притягивает к себе внимание, потому что эти края стремятся войти в реальность, соприкасаются с ней.

Такой вариант хорош для стенгазет, но в целом такое положение следует избегать, его сложно уравновесить.

Квадранты. Запомните!

Правый нижний угол весит больше, чем левый верхний. Мы должны больше нагружать левую сторону, чтобы создать равновесную картину. В левую часть мы ставим более тяжёлые объекты и двигаем их больше к верхней части, которая для нас более лёгкая.

Золотое сечение. 

Ещё один выигрышный вариант – расположение объекта на линии золотого сечения. Персонаж на линии золотого сечения воспринимается нами как главный, он гармоничен и уместен.

Помните о балансе в асимметрии! Смещая объект от центра, думайте, как его уравновесить.

Эскизы Антонины Нужных

Прежде, чем вы разместите своего снеговика, подумайте ещё вот о чём:

Подсказка! ПРИЕМ, КАК ПЕРЕДАТЬ ДВИЖЕНИЕ В КАРТИНЕ 

  • Диагональ. Любая диагональ в картине уже задаёт движение.
  • Если диагональ идёт из левого верхнего угла в правый нижний, то у вас возникает ощущение, что это движение с горы вниз, по аналогии с движением глаза.

Основы цифровой живописи - от простых форм до сложных картин

Особая благодарность Wacom за спонсирование этого выпуска! Если вы ищете подарок в этот праздничный сезон для себя или артиста в своей жизни, обратите внимание на планшет Wacom One. Ниже приведены ссылки на него вместе с другими отличными планшетами от Wacom.

Wacom One
Wacom Cintiq 22
Wacom Intuos

Приобретите набор кистей Тайлера

Привет, ребята! Меня зовут Тайлер Оливас.Я пейзажист, концепт-художник и педагог, в настоящее время работаю в игровой индустрии, в последнее время в Tar Pit Studios со Скоттом Фландерсом, с которым некоторые из вас, ребята, возможно, уже знакомы. Я хотел бы поделиться с вами некоторыми ярлыками, которые я использую для своего собственного процесса цифровой живописи.

Исходя из традиционного фона, мне пришлось внести коррективы в свой рабочий процесс, когда дело дошло до создания вызывающих воспоминания изображений в цифровом формате, и я нашел несколько «ярлыков», которые я использую сегодня в своем рабочем процессе.Я покажу, как мыслить просто с помощью основных форм, а затем сложу их, чтобы создать убедительный образ!

К счастью, компания Wacom выступила спонсором этого видео и подарила мне перьевой дисплей Wacom One. Если вы ищете новый планшет, планшеты Wacom всегда были моими фаворитами, а Wacom One отлично подходит для тех, кто только начинает свою цифровую игру или хочет заниматься искусством на ходу!


Я думаю, что важно учитывать, что инструмент работает так же хорошо, как и человек, который его использует.В общем, наличие хороших фундаментальных навыков должно позволить вам процветать независимо от того, какие средства массовой информации вы выберете. В книге «Алла Прима» Ричард Шмидт сказал, что если бы Микеланджело был вооружен только метлой и ведром с грязью, Сикстинская капелла по-прежнему была бы шедевром, которым она является сегодня. Также известно, что Фразетта использует дешевые наборы акварели Микки Мауса; однако легче расписать Сикстинскую капеллу или варваров подходящей кистью и красками.

Хорошо, давайте погрузимся в это!

Опять же, я понимаю некоторые разочарования, возникающие при создании картины с нуля в цифровом формате.Некоторые из первых работ, которые я действительно создал, были с использованием акрила, акварели, масла и угля. На то, чтобы найти способ освоить эту новую среду, потребовалось много лет, поэтому, надеюсь, эти простые шаги помогут вам чувствовать себя более комфортно в этом рабочем пространстве.

Первая настройка рабочего места

Лично я ненавижу иметь дело с тоннами меню в моем рабочем пространстве, которые мешают мне создавать. Если вы новичок в Photoshop и используете Wacom One, при первом запуске Photoshop в вашем пользовательском интерфейсе будет автоматически открываться множество меню.Для меня это слишком загроможденное пространство для работы, и некоторые из этих меню я даже не трогаю. Когда я рисую, я перемещаюсь только по определенным панелям. Итак, я покажу, как я настроил свой.

Просто хорошо!

Первый шаг - создать «Новое рабочее пространство», щелкнув значок «Рабочее пространство» в правом верхнем углу.

Как только вы это сделаете, вы можете расположить панели для оптимальной работы.

  1. Закрепите панель «Слои» с левой стороны и панель «Цвет» с правой стороны.
  2. Последняя панель, которая вам понадобится, это панель «Кисти». Чтобы получить эту или любую другую панель, просто щелкните вкладку «Окно» в верхней части экрана и найдите нужную панель. Теперь, когда ваша панель «Кисти» находится в вашем рабочем пространстве, просто щелкните и перетащите ее в нижнюю часть панели «Цвет».

Инструменты

Теперь, когда у нас есть рабочее пространство, в котором нам удобно работать, я хотел бы сделать обзор некоторых инструментов, которые я использую.

Выбор: Большая часть моего процесса связана с поиском способов создания сильных графических фигур с самого начала.Наилучший способ добиться этого - использовать различные инструменты выделения в Photoshop. Я использую четыре основных инструмента выделения: лассо, многоугольное лассо, прямоугольную область, эллиптическую область. Следующее, что вам нужно сделать, это назначить каждому из этих сочетаний клавиш для инструментов выделения. Убедитесь, что при их настройке вы выбираете клавиши, расположенные близко к месту, где ваша рука лежит на клавиатуре, чтобы они были легко доступны. Как и в компьютерных играх, чем ближе сочетания клавиш к руке, тем эффективнее вы будете.

Move Canvas: Еще один замечательный инструмент, который я использую, - «Move Canvas». Вы можете легко использовать этот инструмент, просто удерживая клавишу пробела, когда вы щелкаете и перетаскиваете холст.

Переместить выделение: Используйте ярлык «V» для перемещения выделения. Если у вас несколько слоев, вы можете включить «Автовыбор» в верхнем левом углу экрана, и теперь вы сможете перемещать любой слой, связанный с пикселями, на которые вы нажимаете.

Преобразование: Этот инструмент используется для управления выделением.Вот пара хороших ярлыков, которые следует запомнить.

  • Удерживайте Alt при перетаскивании для масштабирования от центральной точки.
  • Удерживайте Ctrl при перетаскивании, чтобы наклонить выбранную точку.

Демо 1:

Объединение инструментов для создания убедительной сферы

  1. Используйте свой инструмент выбора, чтобы создать базовую окружность
  2. Добавьте новый слой. Для этого щелкните слой правой кнопкой мыши и выберите «Создать обтравочную маску». Это гарантирует, что любые пиксели, нарисованные на верхнем слое, будут придерживаться формы на нижнем.
  3. Теперь мы хотим добавить маску слоя к слою обтравочной маски. Для этого выберите слой и нажмите кнопку «Добавить маску слоя» в нижней части панели слоев. Это сделает вашу работу недеструктивной.
  4. Теперь мы хотим создать тень. Для этого сделайте копию своего круга, удерживая клавишу Alt, затем щелкнув и перетащив круг. Теперь вы можете использовать инструмент Transform, чтобы наклонить вашу фигуру. Теперь просто добавьте еще один слой Clipping Mask, чтобы создать Ambient Occlusion.

Сохраняя все разделенным на разных слоях, вы можете легко вернуться и повторить разные части вашей картины. Это очень помогает, когда вы начинаете работать над крупными концепциями с множеством разных тем.

Существует так много разных методов описания формы, и я думаю, что это забавное упражнение - посмотреть на некоторых мастеров, которые немного нарушают правила, чтобы прийти к своим собственным стилистическим интерпретациям света и тени.

Кисти

Еще один полезный трюк - создать свои собственные кисти.Многое из того, что я использую при работе в цифровом формате, - это настоящие традиционные сканы с моих собственных картин. Они, как правило, создают для меня немного хаоса, и если вы думаете о счастливой случайности, именно здесь это и происходит.

В глубине души я думаю о том, как я могу использовать эти типы текстур для описания различных вещей в природе. Это могут быть камни, облака, кожа, веснушки или что угодно. Я всегда думаю о различных способах использования этих кистей в будущем. Я определенно рекомендую попробовать это на себе и посмотреть, как далеко вы можете зайти со своими собственными кистями.

Демо 2:

Создание ландшафта

Теперь мы можем применить кое-что из того, что мы узнали, для создания реальной среды. Смысл этого упражнения - создать что-то более преувеличенное. Надеюсь, я смогу уловить суть фактического пребывания в этом месте и внести что-то из того момента времени в этот кусок, что фотография не запечатлела.

  1. Я начинаю с очень жестких движений. Моя цель - создать что-то такое же сбалансированное, но простое.Это нормально, если вы будете довольны своим жестом немного сложнее. Это послужит своего рода дорожной картой, в которой я хочу двигаться.
  2. Хороший трюк для создания перспективы - использовать инструмент «Обрезка перспективы» для деформации деталей на заднем плане, как если бы они уходили в точку схода.
  3. Сейчас я сосредотачиваюсь на создании больших масс формы. Убедитесь, что у меня четкий и убедительный силуэт. Хороший трюк - изучить отношения отрицательной формы.
  4. Откройте «Уровни корректирующего слоя», и это позволит вам работать над значениями внизу, создавая другой ключ значения. В основном смещение тонов и значений внизу. Работаю в тандеме с маской, чтобы убедиться, что я могу вернуться и повторить, если понадобится в будущем.
  5. Я также всегда следю за тем, чтобы мое освещение было постоянным, что поможет создать коварную картину. Чтобы дать ощущение перспективы, я создаю более крупные формы на переднем плане и убеждаюсь, что они уменьшаются по мере того, как они возвращаются, и перекрывая формы света и тьмы
  6. Теперь, когда у меня есть все мои световые и темные участки и простая композиция, я добавлю немного цвета, чтобы создать прохладную атмосферу для неба и немного тепла для скал.
  7. Я использую дополнительные цвета пурпурный и желтый, а затем играю с некоторыми оттенками серого, которые существуют в этой цветовой группе.
  8. Даже с введением цвета моя общая светлая и темная композиция вообще не изменилась. Мои ценности и общая структура остались неизменными.
  9. Теперь я могу начать закрашивать некоторые из этих слоев и отойти от неразрушающего метода работы. Все еще думая о том, что каждый слой делает для меня, и зная, что я могу вернуться и применить эти слои, будет очень полезно.
  10. Использование текстурных элементов для создания ощущения материала для камней. Уделяя пристальное внимание тому, где находится терминатор, я стараюсь добавить много текстуры между светом и темнотой, которая помогает передать, что это камни.
  11. Создавая большее совпадение, он помогает еще больше усилить эту перспективу. На камни на заднем плане попадает свет, чтобы показать, что что-то происходит на расстоянии.
  12. На этом этапе рисования я могу начать по-настоящему экспериментировать с кистями.Я пытаюсь понять, какие основные решения я собираюсь принимать. Например, где на этом этапе нужно сделать самые большие штрихи, и следует ли мне иметь большую часть деталей в моих тенях или моих источниках света. Расстановка приоритетов для одного или другого делает картину более эффективной и правдоподобной.
  13. Картина практически готова. Последнее, что я хочу сделать, это еще немного преувеличить форму. Чтобы добиться этого, я вернусь туда, где свет встречается с темнотой, и создам немного больше контраста.
  14. Теперь, когда у нас есть законченная картина, вы можете использовать корректирующие слои «Уровни» или «Черно-белый», чтобы переэкспонировать некоторые области и еще больше увеличить яркость.

Вот и все! Я надеюсь, что это дало вам дополнительный импульс, необходимый для перехода к цифровой живописи !. Если вы хотите увидеть больше моих работ, загляните в мой Instagram и мою Art Station! И если вы заинтересованы в личном наставничестве, напишите мне. Я преподаю в Laguna College of Art and Design, и мне очень нравится помогать своим ученикам расти и подниматься на новый уровень, и я буду рада помочь и вам.Увидимся в следующий раз!

Другие уроки цифровой живописи:
Как сделать цифровые картины традиционными
Топ-7 ошибок в цифровой живописи
Цифровая живопись как скульптор
Цифровая резьба по форме со Скоттом Фландерсом

Отправлено в: Основы • Видео
С тегами: избранные

картин - Простой английский викисловарь

Из викисловаря

Перейти к навигации Перейти к поиску

Singular
живопись

Множественное число
картины

  1. Форма множественного числа от живопись ; более одной (разновидности) картины.
Получено с https://simple.wiktionary.org/w/index.php?title=paintings&oldid=417322. Категории:
  • Существительные
  • Множественное число

Меню навигации

Персональные инструменты

  • Не авторизован
  • Обсуждение
  • Вклады
  • Создать аккаунт
  • Войти

Пространства имён

  • Запись
  • Обсуждение

Варианты

    Просмотры

    • Прочитать
    • Изменить
    • Посмотреть историю

    Больше

      Поиск

      Ссылки

      • Главная страница
      • Простой разговор
      • Портал сообщества
      • Новые изменения
      • Показать любую запись
      • Справка
      • Отправить в Викисловарь
      • BE850
      • BNC1

      инструменты

      • Какие ссылки здесь
      • Связанные изменения
      • Загрузить файл
      • Специальные страницы
      • Постоянная ссылка
      • Информация о странице
      • Цитируйте эту страницу

      Печать / экспорт

      • Создать книгу
      • Скачать в формате PDF
      • Страница для печати

      На других языках

      • العربية
      • Català
      • Cymraeg
      • Английский
      • Эсперанто
      • Français
      • Kurdî
      • မြန်မာဘာသာ
      • Nederlands
      • 日本語
      • Suomi
      • Svenska
      • 中文
        • Эта страница последний раз была отредактирована 24 апреля 2017 в 01:30.
        • Text доступен по лицензии Creative Commons Attribution-ShareAlike; могут применяться дополнительные условия. См. Подробности в Условиях использования.
        • Политика конфиденциальности
        • О Викисловаре
        • Заявление об ограничении ответственности
        • Мобильный просмотр
        • Разработчики
        • Статистика
        • Заявление о файлах cookie

        80 Отличных, но простых идей рисования акрилом для начинающих

        Все мы знаем, что рисование - хорошее хобби, поскольку оно не только творческое, но и очень терапевтическое и приносит удовлетворение.Люди, которые занимаются живописью, любят делать это либо водными красками, либо акриловыми красками, а не масляными, по крайней мере, вначале. Это потому, что масляные краски не только дороже, но и сложнее смешивать и использовать. Хотя водные краски относительно просты в использовании, они, как правило, немного неудобны в использовании, так как требуется некоторое время, чтобы картина высохла, прежде чем вы сможете продолжить наслоение слоев или добавление текстуры.

        Вот почему людям имеет смысл начать пользоваться акриловыми красками.Они не только не такие дорогие, но и удобные. Более того, вы также обнаружите, что акриловые краски можно не только разбавлять водой, но и очень быстро высыхать акриловые краски. Это очень удобная черта, которую нужно иметь, когда вы только начинаете рисовать и вам не терпится закончить свою картину. Пока мы говорим об акриловой живописи, также имеет смысл иметь несколько простых идей для акриловой живописи, чтобы начать работу. Поэтому; Ниже мы приводим несколько простых идей рисования акриловыми красками, которые помогут вам начать работу.

        Топ ошибок, которые делают новички в рисовании акриловыми красками

          • Эксперимент и прогресс - Нет правильного или неправильного в рисовании, если вы любите свое искусство. Но самая большая ошибка новичков - отсутствие экспериментов. Делайте ошибки, лажайте и узнавайте больше. Живопись - это эксперименты и исследования.

        • Выбор неподходящего полотна - Доступно множество типов полотна.Если ваша картина требует детализации, тогда выбирайте очень зубчатый холст. Если вы собираетесь рисовать сильными мазками кисти, выберите грубый холст. Избегайте дешевых полотен. Новички часто думают, что они новички и им не нужно много вкладывать в холст и краски, но с холстом и красками хорошего качества вы значительно прогрессируете.
        • Выбор неправильных красок - Хорошая марка красок важна, некоторые краски имеют слишком много пигмента, высыхают при поднятии кистью, плохо держатся, не смешиваются плавно и так далее.Выбирайте акриловые краски самого рекомендованного и надежного производителя.
        • Начни с нескольких цветов - Чтобы добиться превосходного смешения цветов, делайте маленькие шаги. Начните с нескольких красок, поиграйте с ними. Вам не нужно изучать весь цветовой круг. Придерживайтесь основ. Чтобы по-настоящему научиться смешивать цвета, вы должны испачкать руки, экспериментируя с ним. Никакое количество учебных пособий, видео не могут вас научить достаточно.
        • Общие сведения о дополнительных цветах - дополнительные цвета - это два цвета, которые при смешивании друг с другом нейтрализуют.Например, зеленый и красный, желтый и фиолетовый. Если зеленый цвет слишком яркий, добавьте красный, чтобы смягчить его и придать оливково-зеленый оттенок. Попрактикуйтесь в смешивании дополнительных цветов.
        • Не оставляйте кисти в воде - Если оставить кисти в воде, клей, скрепляющий щетину, будет ослаблен. Хорошо промойте кисти водой и положите их на бумагу, чтобы высохнуть на воздухе.
        • Сухая чистка акриловыми красками - Акриловыми красками плюс сухая чистка.Он используется для добавления теней и бликов. Сухая чистка иногда дает шероховатую неровную поверхность. Не чистите все насухо. Используйте его специально для конкретных деталей. Акриловые краски сохнут быстро, вам нужно, чтобы на кисти было достаточно краски, чтобы не засушить всю картину.
        • Слишком быстро сохнет - Многие новички, начинающие рисовать акрилом, жалуются на слишком быстрое высыхание рисунка акрилом. Не смешивайте слишком много, достаточно пары мазков.После 3-5 картин не ограничивайтесь обучающими программами или видео.

        Копирование идей : Да, мы просим вас посмотреть галереи акриловых картин и просто попытаться подражать одной из них. Вам также могут понравиться Картины из керамики. Это не плагиат в самом строгом смысле слова, потому что окончательная картина не будет такой же, как та, которую вы копируете, и фактически будет вашей интерпретацией работы другого человека.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *