Эскизы для картин: Композиция в живописи. Эскиз

Композиция в живописи. Эскиз

28 марта 2018

Основы рисования

Всякая композиция начинается с эскиза. Эскиз в живописи — это проект картины. Все основные вопросы должны быть продуманы и решены в эскизе.

Главный из этих вопросов, требующий решения в первую очередь — это идея, сюжетный замысел, основная мысль, которую надо выразить понятно и просто. В дальнейшей работе вопросы художественного выражения главной мысли будут приобретать все большее значение, однако идейное содержание произведения всегда остается главным, руководящим и подчиняющим себе все остальное.

Обязательно ли делать эскиз?

Безусловно, обязательно. Начинающий художник должен приучить себя с первых шагов в искусстве начинать всякую творческую работу с эскиза. Эскиз нужен не только для картины, но и для портрета, для пейзажа, даже для академического рисунка с натуры.

Только наброски делаются без предварительного эскиза. Но и наброски не должны быть случайными, сделанными неизвестно для чего. Они преследуют определенную цель — уловить движение животного, птицы, человека, как бы «записать», «запомнить карандашом» выразительный поворот, ракурс, характер изображаемого. Здесь не случайно приведено выражение — «запомнить карандашом», так как делать эскизы — значит, образно выражаясь, думать карандашом.

Какие же вопросы решает эскиз? Самые основные, без которых не может быть творческого произведения. Главная задача в работе над эскизом — добиться выразительности, правильности общего впечатления в поисках художественного образа. Сюда входит расположение частей картины — групп людей, предметов, пейзажа и так далее, расположение силуэтов пластических форм, основных линий, цветовых пятен, которые создают колорит произведения; и при всем этом нельзя упускать главной цели работы — создания художественного образа.

Следовательно, эскиз — это уже композиция. Но композиция не кончается в эскизе, она здесь начинается, и забота о совершенствовании ее не оставляет художника до последнего удара кисти в его работе над картиной.

Чтобы основная мысль стала ведущей в картине, чтобы создать единую форму, надо в начале работы над эскизом отказаться от деталей и набросать всю сцену целиком. Леонардо да Винчи, например, советовал делать эскизы большой кистью, потому что если будет понятна в эскизе главная мысль, то дальнейшая разработка деталей сделает ее еще ясней; если же эскиз в самом начале не ясен в целом, то никакие детали не помогут.

Композиция тесно связана с созданием художественного образа. Собственно, композицией и решается самая великая задача творчества — создание художественного образа в картине. Художественный образ (в данном случае не в философском, а в творческом, практическом смысле) является настолько важным, что становится главной целью поисков при эскизировании будущей картины.

Если вспомнить ставший классическим пример создания картины В. И. Сурикова «Боярыня Морозова», то видно, что уже в эскизах к ней заключалось самое существо будущей картины — художественный образ в основном мотиве сюжета.

Боярыня Морозова. В. Суриков, 1884-1887. Масло

Черный силуэт на белом фоне — сидящая боярыня на фоне снега и заснеженных строений.

Боярыня Морозова. В. Суриков, 1881-1884. КарандашБоярыня Морозова. В. Суриков, 1881-1884. Бумага, акварель, графитный карандаш

Или картина И. Е. Репина «Бурлаки на Волге»: на фоне безлюдных волжских просторов возникает вдруг по контрасту группа бурлаков — серая, унылая, поражающая своим драматизмом.

Бурлаки на Волге. И. Репин, 1872—1873. Масло

Эскиз к картине:

Бурлаки на Волге. И. Репин, 1870. Карандаш

Теперь эти картины кажутся естественными, такими, какими они и должны быть, но история создания их говорит о том, что они дались их авторам ценой огромного труда, массы времени и большого количества вариантов эскизов.

Картина создается творческим воображением художника. Она не рассказывает, а показывает, и в этом ее сила и особенность. Картина не является протокольным документом, как фотография. Она — духовное свидетельство времени и эпохи, она выражает мысли и чувства людей этого времени.

О картине И. Е. Репина «Не ждали» можно говорить много: пересказать ее содержание, анализировать мастерство художника, вникнуть в историческое и общественное значение произведения. Но все слова бледнеют перед тем потрясающим впечатлением, которое производит сама картина. Такова сила искусства живописи.

Не ждали. И. Репин, 1884—1888. Масло

Ниже приведены два наброска к картине:

Не ждали. И. Репин, 1883. КарандашНе ждали. И. Репин, 1883. Карандаш

Любую картину в каком-то смысле можно рассматривать как замкнутый мир, имеющий собственную внутреннюю жизнь. Многие художники и теоретики рассматривали картину в виде «сценической коробки», с боков строго ограниченной рамой, а спереди и сзади прозрачными стенками. Ничто не должно выходить за стены и нарушать целостность картины. В. Серов говорил, что одной из забот, всю жизнь его преследовавшей при работе над портретами, была забота о том, чтобы персонажи не «вываливались» на зрителя, а находились в глубине картины. Все, что выходит за переднюю плоскость картины, антихудожественно, нелепо и разрушает произведение.

Внутренний мир картины живет своей независимой жизнью и действует на зрителя только своим художественным образом в целом. В этом и заключается ее огромная сила воздействия. Тонкий художник умеет сделать так, будто бы перед зрителем открывается дверь и он застает все заключенное в картине действие как бы врасплох. Такая неожиданность особенно волнует, поражает, берет в плен своей общей художественной правдивостью, и только потом зритель начинает всматриваться в детали, находить в них подтверждение общей идее и любоваться мастерством исполнения.

Эскизы от известных художников

Рафаэль (1483-1520)

Один из самых известных художников эпохи Возрождения, Рафаэль также известен как «Иль Дивино» (Божественный). Он знаменит своими геометрическими фигурами в живописи, а также картинами «Сикстинская Мадонна» (1512) и «Преображение» (1516-1520). Во время пребывания во Флоренции Рафаэль познакомился с творчеством Леонардо Да Винчи, чей стиль сильно повлиял на его дальнейшую технику рисования. Рафаэль часто набрасывал идеи на бумаге, некоторые из них были написаны от руки и предназначены для конкретных картин, другие, возможно, просто чтобы запечатлеть мимолетный момент.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Художник, скульптор, архитектор и учёный, Леонардо был одним из самых одарённых людей всех времён. Его самые известные произведения включают в себя рисунок Витрувианского человека (1490—1492), портрет Моны Лизы «Джоконда» (1503-1505), фреску «Тайная вечеря» (1495—1498) и другие. К сожалению, большая часть графического искусства Леонардо была утеряна. Но к счастью, несколько его альбомов для рисования всё же сохранились, большинство из них с примерами научных диаграмм и рисунков исследований, соперничавшими только с работами Микеланджело.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)

Рождённый во Флоренции в 1475 году, Микеланджело остаётся одним из величайших рисовальщиков в истории художественного искусства. Воплощая disegno (принцип / метод, который лежит в основе скульптуры, а также изобразительного искусства живописи и архитектуры), он создавал внушающие благоговейный трепет эскизы, рисунки, картины и скульптуры. Его самые известные произведения включают в себя роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане и мраморные статуи: Pieta (1500) и Дэвид (1501-1504).

Большинство эскизов и каракулей Микеланджело никогда не предназначались для публичного показа, и, без сомнения, он был бы в ужасе от тех толп, которых они привлекают, когда выставляются сегодня в музеях. На самом деле, он уничтожил большое количество набросков перед своей смертью, чтобы избежать такого события. Возможно, он хотел скрыть то, как много подготовительной работы пошло в его финал произведения искусства. Исторически художники придавали большое значение только готовой продукции. Микеланджело, например, складывал свои наброски-заготовки и использовал их, как бумагу для заметок, там он составлял списки покупок и записывал расходы. В 2002 году, например, быстрый рисунок мелом был обнаружен заброшенным и забытым в коробке в центре города на складском помещении Нью-Йоркского Национального музея дизайна. Он был создан примерно в 1530-ом году и оценивается примерно в 10 миллионов долларов США.

«Произведения столь превосходного никто больше не сделал и не сделает, и едва ли при всех стараниях возможно повторить сделанное». Джорджо Вазари

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Предварительные наброски были чрезвычайно важны великому художнику эпохи барокко Рубенсу, особенно при передаче значительной части картины своим помощникам. При написании портретов, сначала он, как правило, производит быстрый эскиз, обычно рисует и стирает коричневыми чернилами. Далее он делает более детальное описание эскиза маслом, который должен быть представлен клиенту для утверждения или комментария. Затем эта, другая анатомическая деталь, была бы произведена в форме дополнения. Только после того, как оба образца будут завершены, он сосредоточится на самой картине.

Винсент Ван Гог (1853-1890)

Ван Гог был одним из самых выдающихся влиятельных художников мира эпохи постимпрессионистского движения. Хотя он не смог продать ни одной картины в своей жизни, сегодня его работы приносят миллионы. Некоторые из его самых известных творений включают в себя: «Пожиратели Картофеля» (1885, Музей Ван Гога, Амстердам), «Двенадцать подсолнухов в вазе» (1888, Neue Пинакотека, Мюнхен), «Автопортрет с забинтованным ухом» (1889, Courtauld Institute Galleries, London) и «Звёздная ночь» (1889, музей им. Современного Искусства, Нью-Йорк). Он также был хорошо известен своими набросками писем (133 в общей сложности) — это были письма, которые он писал друзьям (включая своего брата Тео и коллегу-художника Поля Гогена), где он делал наброски картин, которые планировал создать.

Эдгар Дега (1834-1917)

Ключевая фигура во французской живописи, Дега был одним из ведущих представителей импрессионизма, хотя он никогда по-настоящему не мирился с таким ярлыком, предпочитая, чтобы о нём думали, как о реалисте, исходя из его академического образования. Он был особенно впечатлён творчеством итальянских мастеров во время поездки в Италию в г. В 1850 году Дега набросал в своих тетрадях многие из их картин и фресок. Особенно его интересовали эскизы артистов балета, модистки и прачки в Париже, и тысячи его рисунков карандашом и пастелью живы и сегодня. За свою жизнь художник исполнил 38 этюдников, которые предоставляют искусствоведам из первых рук доказательства его методов работы. Он хранил свои книги, чтобы записывать произведения искусства, как он видел людей, наблюдая за ними, чтобы визуализировать вымышленные сцены или экспериментировать с новыми концепциями.

Преображение идеи от эскиза к картине — Наука и метод

По существу живопись — это теория и практика, которая технологически заключается в том, чтобы сначала научиться смешивать краски, а затем строить из смеси красок цветовые сочетания, используя картинную плоскость. В более утрированном и привычном виде приводимое утверждение звучит так: «бери нужную краску, клади в нужное место». Шутка? Не совсем.

В связи с моментом начала материального воплощения идеи и избранным способом перенесения абстрактной идеи на (материальный носитель) холст возникает целый ряд вопросов. Принятие окончательного решения о готовности эскизного материала для создания законченного полотна представляет собой стратегическое решение, зависящее от вида предстоящей работы. Выбор манеры передачи идеи — тактическое решение, определяющееся возможностями художника.

Всякий раз, когда пишется картина, считается, что невещественная идея преображается в материальную форму. Совершенно идентичное понимание живописи встречается в средневековых рукописных книгах эпохи готики ¹, хотя процесс преображения далеко не очевиден. В действительности процесс гораздо сложнее.

Процесс воплощения идеи может идти двумя различными путями. Первый путь отличается почти механическим переносом заранее определенного по цвету и тону эскиза на холст. Второй отличается тем, что законченное определение цветовой гаммы откладывается по возможности до завершения картины.

Последующий материал проиллюстрируем замечательным примером создания картины «Боярыня Морозова». К этому произведению Василия Ивановича Сурикова мы уже не раз обращались, описывая вопросы колориметрии и серой гаммы.

1. 1881 год. 941 х 621, 135 кб › 2. 1881-1884 годы. 1000 х 540, 176 кб › 3. 1881-1884 годы. 1000 х 487, 139 кб › 4. 1885 год. 1000 х 529, 119 кб › 5. 1884-1885 годы. Бумага, акварель, графитный карандаш. 1000 х 504, 111 кб › 6. Василий Иванович Суриков. «Боярыня Морозова». 1884-1887 годы. Холст, масло. 304 x 587,5 см. Государственная Третьяковская галерея. 2500 х 1250, 979 кб ›

 

Наиболее важным достоинством механического переноса является относительная простота. Определение композиции и цветовой гаммы происходит в данном случае на заключительных стадиях подготовительных работ, полноформатных эскизов. Поскольку цветовая информация уже определена эскизом, остается лишь начать писать набело.

Механический перенос позволяет однозначно определить воспроизводимую гамму. Потому положительный момент технологического метода выражается в простоте перенесения цвета с эскиза на холст.

Серьезный недостаток механического переноса — негибкость: композиция и ее содержимое со множеством деталей подчиняются единой цели, причем цвета ограничиваются заданной цветовой гаммой. Поэтому механическое перенесение находит практическое применение только в тех случаях, когда уже подготовлен полноразмерный эскиз, который необходимо просто переписать начисто.

Среди разнообразия значимых несовершенств технологии механического переноса особенно отмечается совершение двойной работы, хотя, по отношению к живописи, лишней работы не бывает.

Преимущество метода отложенного переноса в его гибкости. Содержание эскизного материала влияет здесь исключительно в композиционном плане и основной концепции цветовой гаммы произведения, но полноформатных эскизов не делается — художник волен импровизировать.

Главный недостаток отложенного переноса — некоторое расхождение композиции в маленьком эскизе сравнительно с большей плоскостью холста. Одновременно оказывают существенное влияние многочисленные факторы, способные нарушить порядок работы. Одним из важнейших факторов, определяющих все дальнейшее существование полотна, являются психологические особенности творца, — далеко не редки прецеденты полного или частичного уничтожения картины самим ее автором, а также внезапное появление «лучшей» идеи, которая, как говорится, «приходит опосля».

Второй недостаток — невозможность оценить живопись до того момента, пока живопись не будет полностью завершена.

1. Фома Аквинский в трактате «Summa theologiae» развивает теорию, согласно которой «индивид творит, сообразно заранее сложившейся в его сознании идеи будущего произведения. Посредством разума художник придает материи форму этой идеи, воплощая в произведении искусства разрабатываемый им замысел». Теория Фомы Аквинского опирается на аристотелевскую концепцию творчества и развития ее в соответствии с христианской доктриной творчества ad imaginem Dei.

Тэг: Теория искусства (философия)

Тату по Мотивам Картин — Шедевры Живописи в Тату

Тату по мотивам картин выбирают любители искусства, ценители прекрасного и эстеты. Татуировка с любимой картиной — не просто красивый рисунок, это символ определенной эпохи, взглядов и идеи, которую сам художник вложил в свое произведение.

Мировая живопись — бесконечный источник вдохновения для любителей татуировки и ценителей искусства. Для многих людей искусство служит главным источником знания, эстетики, визуальной информации. Тату с любимой картиной — дань уважения великим мастерам.

Идеи для Тату по Мотивам Картин

Классика Эпохи Возрождения

Одним из самых популярных художников уже многие века остается Леонардо да Винчи. Любители тату используют не только его произведения живописи, но и новаторские чертежи изобретений.

Нежные образы с полотен Сандро Ботичелли стали излюбленным сюжетом для девушек. Различные фрагменты «Рождения Венеры» часто становятся утонченными татуировками.

Мистические Тату по Мотивам Босха

Иероним Босх, представитель Северного Возрождения стал вдохновителем современных любителей неординарных тату. Мистические сюжеты его картин — это особый мир, который даже самые искушенные критики искусства не могут расшифровать до конца. Такое тату может иметь для своего владельца особенный понятный только ему смысл.

Тату Волна с Картины Хокусая

Знаменитая картина «Большая волна в Канагаве» японского живописца и иллюстратора Кацусики Хокусая много раз становилась эскизом для татуировки. Неповторимый стиль Хокусая нравится и ценителям живописи и любителям моря.

Тату по Мотивам Ван Гога

Яркие мазки и невероятные цвета Винсента Ван Гога привлекают внимание людей по всему миру. Любители тату не остались в стороне: пейзажи, подсолнухи и портрет Ван Гога — самые популярные сюжеты.

Тату Сюрреализм от Сальвадора Дали

Яркие образы гения и главного мастера сюрреализма Сальвадора Дали украшают тела неординарных, творческих людей. Особенно часто можно встретить тату мягкие часы с картины «Постоянство памяти» и слона на длинных тонких ногах.

Тату по Мотивам Климта и Шиле

Австрийский художник Густав Климт и его ученик Эгон Шиле подарили человечеству не только шедевры живописи, но и идеи для интересных тату. Среди полотен Климта наиболее популярны «Поцелуй», «Три возраста женщины» и «Юдифь и голова Олоферна».

Шиле известен своим утонченным, слегка вытянутым стилем, приглушенными цветами и вольными сюжетами. В тату чаще всего используются его портреты и зарисовки.

Тату Абстракция от Мастеров Живописи

Пабло Пикассо прошел длинный творческий путь, от классической школы живописи, до кубизма. Ценители тату предпочитают поздние работы Пикассо за их емкость и лаконичность.

Анри Матисс тоже пользуется популярностью в мире тату. Его яркие мозаичные рисунки и минималистичные зарисовки нередко становятся татуировками.

Метафоричные картины Рене Магритта подходят любителям размышлений и загадок. Каждый сюжет Магритта — маленькая, но очень сложная история, которая заставляет задуматься.

Самые романтичные картины в стиле абстракционизма у Марка Шагала. Яркие, летящие, посвященные чувствам картины Шагала чаще всего превращаются в тату.

Тату в Стиле Ар Нуво

Знаменитый художник Альфонс Муха смог возвести стиль Ар Нуво в ранг культа. Его работы популярны и сегодня и нередко используются для создания татуировок.

Эскизы Тату по Мотивам Картин  — Тату вдохновленные живописью

Иероним Босх

Винсент Ван Гог

Жоан Миро

Василий Кандинский

Марк Шагал

Казимир Малевич

Выставка Эскизы к картине Московский союз художников 1-я Тверская-Ямская 20

Открыть доступ

С 09.11 до 20.11.2020 в ВЗ МСХ на 1-й Тверской-Ямской, дом 20.

Московский союз художников и Товарищество живописцев представляют в Выставочном зале на 1-й Тверской-Ямской, дом 20 выставку «Эскизы к картине».

Самое интересное в творческом процессе – выражение внутреннего состояния человека, волнение его души. У художника идеи и мысли, приходящие ежедневно непонятным нам образом, не случайны. Их необходимо фиксировать и анализировать. Это знаковая система для жизни и деятельности.

Следуя по этой дороге, мы идем единственно правильным путем – путем интуиции. Мы слепы в этой жизни, а интуиция путеводной звездой указывает дорогу. В. Суриков, работая над картиной «Боярыня Морозова», долго не мог найти решение картины, пока не увидел черную ворону на белом снегу. 

Эскизы впечатляющих художника жизненных наблюдений помогают обозначить контуры будущей картины. И здесь важно понять, что же заставило мастера взять в руки карандаш, кисть, соус, акварель или другую технику. Главное – не потерять нерв, не дающий спокойно жить и работать.

Часто в разработке эскиза мастер полностью передает атмосферу будущей картины, и весь запал творческих сил исчерпывается на начальной стадии. Много примеров тому можно видеть в музеях и галереях по всему миру.

Эскиз – первоисточник живой энергии. Поэтому к нему надо относиться, как самостоятельной работе. Сейчас некоторые художники, минуя стадию эскиза, выходят сразу на холст. И уже там выплескивают всю свою страсть. Каждый выбирает свой путь к картине.

Юрий Попков

В экспозиции будут представлены работы современных художников-живописцев: Антоновой Д., Белютина Д., Булгаковой О., Ворошило Б., Гавриловой Л., Гавриляченко С., Глухова В., Глуховой И., Горностаевой М., Грищенко Ю., Дороженко А., Дороженко С., Журова М., Зайцева Н., Иванова А., Иванова В., Калинина В., Колупаева Н., Коржева Г., Куколя В., Н. Крутова, Лотовой В., Лотовой И., Лошакова О., Любавина А., Максимова Е., Никонова П., Орлова И., Орлова Ю., Павлова Ю., Пак Н., Полиенко И., Полотнов В., Попков Ю., Попкова И., Пурлика А., Радевич А., Русанов В., Рыбникова О., Сидоров В., Ситникова А., Скачковой И., Смирнова С., Соломина Н., Стекольщиков А., Стекольщикова К., Стронского П., Стрюкова К., Суворовой М., Суховецкого А., Шишкова Ю.

 

Гелий Коржев. Предоставлено: Московский Союз Художников.

 

Информация (на 08.11.2020):

Выставочный зал Московского Союза Художников на 1-й Тверской-Ямской, дом 20.

Адрес: улица 1-я Тверская-Ямская, дом 20.

Ближайшая станция метро «Маяковская».

Время работы: понедельник – пятница с 10.00 до 19.00, суббота и воскресенье с 10.00 до 17.00.

Посещение выставочного зала бесплатно.

 

Как из эскиза сделать картину

Эскизы для будущей картины обычно делаются гораздо меньше размера картины, которую вы хотите написать. Чаще всего они делаются на формате А4, реже А3. Итак, вы выбрали из сделанных вами десятка эскизов для будущей картины один, и теперь хотите его увеличить его до размера картины. Как это сделать? Как же увеличить ваш эскиз?

Рассмотрим самый простой и самый проверенный способ всех времен, им ещё пользовались известные и маститые художники давних времен. Этот способ называется: «разбивка на квадраты».

Для того, чтобы правильно уменьшить или увеличить эскиз, проведите диагональ из одного угла в другой, и на этой диагонали поставьте точку уменьшения или увеличения эскиза. Как это сделать смотрите здесь.

Описание способа: берем ваш эскиз формата А4 и разбиваем на квадратики одинаковой величины, например 1х1 см. Некоторые производители бумаги махлюют и если у вас эскиз сделан не на ксероксной бумаге а в альбоме, то величина листа бумаги формата А4 может быть гораздо меньше, чем 21см х 29,7см (размер формата А4). И тогда по горизонтали уже не будет у вас ровно 21 квадрат. Не запутайтесь, когда начнете делить лист на квадраты. Если вы размечать начали с правой нижней стороны листа, то и вверху начинайте с правой стороны, иначе линии будут косыми. (См. рис.)

 

Если у вас четко формат А4 бумаги, то у вас должно сойтись 21см = 21 полоска по 1см.

Точно также размечайте и боковые стороны, начиная всегда с одной стороны листа, т.к. по длинной стороне листа 29,7см, то в конце последний квадрат будет равен 7мм.

Теперь берем лист ватмана для эскиза в натуральную величину. Ватман должен быть больше, чем величина картины, потому что когда вы увеличите ваш эскиз, он может смотреться иначе, чем маленький эскиз, и даже композиционно безграмотно(!), и должно быть место, чтобы это исправить.

Это происходит потому, что все расстояния увеличиваются и посредине листа, например, у вас может возникнуть огромное пустое место. На маленьком эскизе это может быть совсем незаметно, а при увеличении пропорций, вы яснее видите все недостатки и мелкие недочеты превращаются в большие.

Чтобы это поправить, вы можете сместить композицию в любую сторону ватмана, именно поэтому мы рисовали эскиз посредине. Главное при этом выдержать размеры картины. Вплоть до того, что на добавленной части эскиза вы можете добавить элементы, которые не предусматривались в маленьком эскизе.

Сама видела бигборд, который заказчики явно принимали в маленьком варианте. Из-за этого центр изображения, на котором рекламировались мясные изделия, занимала просто пустая доска, т.е. ей отвели передний план, и лишь второй заняла колбаса. Непонятно, что рекламировали, доску или колбасу, если доска на первом месте?

Теперь вернемся к увеличению эскиза. Увеличенный эскиз мы нарисовали, например, на формате А1, т.е. его ширина 841мм. Теперь немного математики, обычно у людей творческого плана с этим большие проблемы, и все же мы немножко напряжемся.  Итак, считаем,  ширина А1 841мм, а ширина А4, на котором был наш исходный эскиз 210мм, 841/210=4, т.е. это значит, что размер наших увеличенных квадратиков будет в четыре раза больше — 4х4см.

Всё, с математикой закончили, теперь просто размечаем квадратиками 4х4 см весь наш будущий шедевр. После того как закончили, наша задача перенести из маленьких квадратиков исходного эскиза в соответствующие квадратики большого всё наше изображение.

Так рисовали многие великие художники, например Леонардо Да Винчи, Микеланджело и так же будете рисовать теперь и вы.

Как увеличить или уменьшить рисунок пошагово, смотрите в этой статье.

Удачи, ваша Анна Кошкина.

Page not found — Мир живописи Татьяны Казаковой

Unfortunately the page you’re looking doesn’t exist (anymore) or there was an error in the link you followed or typed. This way to the home page.

Blog

• 07/25/2020 — Новый подраздел Семья и прочее…
• 07/25/2020 — Секрет семейного счастья (часть 1)
• 10/16/2019 — Мастер-класс «Холст — основа для живописи маслом или что нужно знать начинающему художнику»
• 02/08/2019 — Покрытие картины лаком
• 01/15/2019 — Как хранить живопись (холст, масло, подрамник)
• 01/15/2019 — Как хранить живопись (холст, масло, подрамник)
• 01/04/2019 — «Лунная фея» — новая картина
• 11/26/2018 — Новая картина
• 10/19/2018 — Как писать маслом по высохшему слою масляной краски?
• 10/19/2018 — Как писать маслом по высохшему слою масляной краски
• 01/19/2018 — История рождения «Гранатового дуэта»
• 12/20/2017 — Выставка «20 и 2»
• 12/14/2017 — «Другая я», моя выставка в Доме актера им. М Лазарева
• 10/21/2017 — Вот и лето прошло…
• 10/06/2017 — История рождения картины «Персики»
• 09/12/2017 — Клин в подрамнике
• 08/10/2017 — Ответ на новый вопрос в разделе «Вопросы и ответы»
• 08/10/2017 — Как использовать льняное масло «из обычного магазина» для живописи?
• 07/27/2017 — Новые картины
• 06/19/2017 — Создала раздел «Вопросы и ответы»
• 06/13/2017 — I would like to know how to prepare raw linen, or cotton fabric. do you use gelatin to size the raw linen?
• 06/12/2017 — Подскажите, как подготовить негрунтованный льняной или хлопковый холст. Мне интересно знать, используете ли вы для этого желатин.
• 05/26/2017 — Перетяжка загрунтованного холста
• 05/16/2017 — Хвостатые, усатые, пернатые
• 05/13/2017 — Новая миниатюра «Одуванчиковый»
• 04/30/2017 — Новая миниатюра «Букетик задумчивый»
• 04/16/2017 — Новая картина «Зимняя сказка»
• 04/10/2017 — Новая миниатюра «Букетик для хорошего настроения»
• 04/04/2017 — Новое в истории рождения картины Розовый пион (рабочее название)
• 04/02/2017 — Новая миниатюра «Ромашковое лето»
• 04/01/2017 — Выставка живописи и графики «Х 3»
• 03/31/2017 — Новые картины — миниатюры в разделе «Цветы»
• 03/28/2017 — Новое в истории рождения картины Розовый пион (рабочее название)
• 03/22/2017 — Перевод рисунка на холст
• 03/16/2017 — Арихметики (новая блогомысль Александра)
• 03/16/2017 — Арихметики…
• 03/04/2017 — Начала писать историю рождения картины Розовый пион (рабочее название)
• 02/27/2017 — Новая страничка в разделе «Купить»
• 02/15/2017 — Новая картина «Дерево и две Луны» в разделе «Измы»
• 02/12/2017 — Новая картина «Не бойся, я с тобой» в разделе «Измы»
• 01/27/2017 — Разбавители
• 01/23/2017 — Яблоки на снегу
• 01/12/2017 — Картина «Невеста» в разделе «Цветы»
• 01/05/2017 — Картина «Девичьи грёзы» в разделе «Измы»
• 12/21/2016 — Персональная выставка «Сказки лунного кота», ДК «Луч»
• 12/19/2016 — Новое в разделе «Работа над картинами»
• 12/16/2016 — Новые картины в разделе «Животные»
• 09/08/2016 — Новая картина «Цветение» в разделе «Цветы»
• 09/08/2016 — Новая картина «Ландыши. Ландыши…» в разделе «Цветы»
• 06/25/2016 — Тот цветущий и поющий яркий май
• 06/15/2016 — Персональная выставка «Сказки лунного кота»
• 06/14/2016 — Фотоальбом «Деревья»
• 06/13/2016 — Я так вижу
• 04/25/2016 — Кисти. Сколько кистей нужно
• 03/30/2016 — Два видео об открытии моих персональных выставок
• 03/02/2016 — Как написать шерсть кошки. мой мастер-класс в режиме он-лайн
• 01/17/2016 — Жертвы политкорректности, или «Добро пожаловать, насильники!»
• 01/16/2016 — Игра «Овладей Европой», или толерантность = бессилие
• 01/15/2016 — В США зреет мнение поддержать Ассада и Путина
• 01/10/2016 — Турция — повивальная бабка ИГИЛ
• 01/08/2016 — США теряет Турцию
• 12/26/2015 — С-400 в Сирии есть! Или: Русский еврей, ты не прав…
• 12/21/2015 — Новая картина «В ожидании любви» в разделе «Цветы»
• 12/09/2015 — Сады любви
• 11/15/2015 — От Черного квадрата к черной дыре
• 11/04/2015 — Доработка готового холста
• 11/01/2015 — Ох, уж эти женщины!
• 09/26/2015 — Диптих «Два плюс один» занял первое место в Пекине
• 09/19/2015 — Диптих «Два плюс один» в Императорской Академии (фото и видео)
• 08/26/2015 — Спасаем холст
• 08/18/2015 — Новая картина «После дождя» в разделе «Цветы» 
• 08/12/2015 — Диптих «Два плюс один» будет выставлен в Храме Конфуция
• 07/09/2015 — Как правильно выбрать палитру
• 07/06/2015 — Как получить все цвета радуги, используя только три краски
• 07/04/2015 — Какие краски взять начинающему художнику..
• 06/22/2015 — Диптих «Два плюс один» в разделе «Цветы»
• 06/08/2015 — В Самаре пройдет моя персональная выставка живописи «Песнь цветов и снега»
• 06/03/2015 — Фотоальбом «Одуванчики»
• 05/18/2015 — Новый раздел — «Котомания»
• 04/29/2015 — «Дневник солдата» 70-летию Победы посвящается 
• 04/10/2015 — Две картины в разделе «Мои картины», «Измы»
• 03/23/2015 — Что такое имприматура?
• 02/23/2015 — В «Мастерской» появился новый раздел: «Начинающему художнику»
• 02/09/2015 — Новая картина «Снегурка»
• 02/05/2015 — «Кошки, кошки, кошки…» в Новокуйбышевске
• 01/26/2015 — Фотоотчет развески выставки «Как снег на голову». Начало
• 01/13/2015 — Фотоотчеты о мастер-классах: роспись стекла, текстильный декор и монотипия
• 01/10/2015 — «В гостях у Берендея» — новая картина в разделе «Мои картины», «Пейзажи»
• 01/05/2015 — Видео написания картины «Ёлочка»
• 12/25/2014 — Ещё одно Древо Вселенной
• 12/12/2014 — Статья Андрея Кончаловского «От черного квадрата — к черной дыре»
• 12/12/2014 — Выставка «Кошки, кошки, кошки…»
• 12/08/2014 — Новое на странице «Обо мне», «Профессиональный рост»
• 12/01/2014 — Новое в «Гостевом домике» на страничке «Тубовизор»
• 11/25/2014 — Новое в «Гостевом домике» на страничке «Фотоальбомы»
• 11/11/2014 — Новая картина. «Волна» в разделе «Мои картины», 
• 11/05/2014 — Новое в «Мастерской» на страничке «Работа над картинами»
• 10/29/2014 — Фотоотчет об открытии выставки ТСХР «Воспоминания о лете»
• 10/15/2014 — Фотоотчет о выставкоме и развеске. Выставка «Воспоминание о лете»
• 10/14/2014 — На страничке «Мастерская», «Роспись стены» разместила новые фотографии
• 09/29/2014 — Открытие выставки «Репин: Вовлеченный свидетель»
• 09/20/2014 — В разделе «Мастерская», «Работа над картинами» создала новую страничку «Роспись стены»
• 09/01/2014 — Добавление на страничке Профессиональный рост  
• 07/04/2014 — «Яблоки на снегу». Открытие выставки
• 06/22/2014 — Новая картина «Вечерняя стража»
• 06/14/2014 — Новая картина «Любимой»
• 06/05/2014 — Роспись стен. «В саванне»
• 06/01/2014 — «Самара-городОК». Открытие художественной выставки
• 05/26/2014 — Видеоролик «Sex Bomb»
• 05/23/2014 — «Самара-городОК». Выставком
• 05/13/2014 — Новая картина «Коктебель»
• 05/02/2014 — Страница «Роспись стен» в разделе «Мои картины»
• 04/22/2014 — Открытие выставки «… вот компания какая!»
• 04/21/2014 — «… вот компания какая!». Видео развески
• 04/07/2014 — «Яблочный спас» в Сызрани
• 03/07/2014 — «Остатки рая на земле»
• 02/26/2014 — Три новые картины в разделе «Мои картины», «Цветы»
• 02/05/2014 — Новая работа в разделе «Мои картины», «Разное»
• 02/04/2014 — Видео экспозиции выставки «Осень золотая» союза художников России
• 02/02/2014 — Новая картина в разделе «Цветы», «Вертикальные»
• 01/28/2014 — Новая картина в разделе «Мои картины»
• 01/12/2014 — Видео — «Яблочный спас». Открытие выставки Творческого союза художников России
• 01/10/2014 — Новая картина «Золотая зима»
• 12/25/2013 — Выставка «Волшебная пора».
• 12/15/2013 — Новые картины — «Первый снег», «Ирония судьбы» в разделе «Мои картины»
• 12/11/2013 — Новая картина «Золотая рыбка» в разделе «мои картины», «Измы»
• 12/04/2013 — Новая картина «Ёлочка» в разделе «Мои картины», «Зима»
• 12/01/2013 — «Яблочный спас. Создание экспозиции»
• 11/22/2013 — «Яблочный Спас». Создание экспозиции
• 11/22/2013 — Открытие выставки «Яблочный Спас» в Нижнем Новгороде
• 11/03/2013 — Мастер-класс. Пишем зимний пейзаж
• 10/24/2013 — Новая картина в разделе «Мои картины», «Разное».
• 10/13/2013 — Открытие выставки Вячеслава Пименова «Три стороны света»
• 10/04/2013 — Выставка Владимира Башкирова «Этюды странствий»
• 09/28/2013 — Выставка тольяттинских художников — Рината Бикташева, Игоря Панова и Алексея Зуева — «Путешествия»
• 09/27/2013 — Разместила фотографии второго дня создания экспозиции выставки «Яблоки на снегу»
• 08/21/2013 — «Пионы гейши» в разделе «Мастерская», «Работа над картинами»
• 08/12/2013 — Разместила 4 картины в разделе «Мои картины», «Разное»
• 08/02/2013 — Разместила 4 работы в разделе «Мои картины», «Разное»
• 07/29/2013 — Разместила 2 работы в разделе «Мои картины», «Разное»
• 07/27/2013 — Разместила 14 картин в разделе «Разное»
• 07/25/2013 — Разместила 4 работы в разделе «Мои картины», «Разное»
• 07/25/2013 — Новые картины в разделе «Разное»
• 07/17/2013 — Выставка Ивана Константиновича Айвазовского «Среди стихий»
• 07/11/2013 — Выставка Клецеля Вениамина
• 07/02/2013 — «Яблоки на снегу». Первый день развески
• 06/30/2013 — «Яблоки на снегу». Приём работ
• 06/23/2013 — Выставка Марко Грасси
• 06/23/2013 — Выставка «Ребята и зверята»
• 06/18/2013 — Новые ролики в тубовизоре
• 06/16/2013 — Новые ролики в тубовизоре
• 06/15/2013 — Новое удобство в гостевом домике
• 06/14/2013 — Дополнен раздел «Пионовый рассвет»
• 06/12/2013 — Фотографирование картин

11 самых знаковых и знаменитых скетчей за всю историю

Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается. В этой статье мы покажем вам знаменитые зарисовки величайших художников.

Статьи по теме: 20 современных художников, которых вы должны знать — Когда продажи тэга «Мастера живописи» взлетели до небес! — 23 художника-акварелиста, о которых вы должны знать

Эскизы — самые недооцененные и недооцененные произведения искусства в истории.(Да, произведения искусства!) Часто у нас есть шанс только посмотреть на законченные работы в стенах музеев, что заставляет зрителя думать, что художники — гении. Действительно, художники гении! Но чтобы быть гением, нужно еще много работать и прилагать усилия. И вот здесь зарисовки включены в рассказ. Каждое великое произведение искусства проходит через творческий процесс, но этот процесс скрыт и часто забывается. Эскизы — это то, как великие произведения искусства становятся знаковыми: с большим количеством экспериментов и практики.

Из набросков, рисунков, набросков, текстов, инструкций — все, что вы можете вообразить, приводит к окончательному оформлению. Творческий процесс может занять очень много времени, и его основная цель — разработать идеи и проверить цвета, формы, размеры и композицию.

Наверное, многим это рушит фантазию о том, что художник — гений, способный достичь совершенства с одной попытки. Но каждое произведение искусства подкреплено целой жизнью практики, экспериментов и неудач. Во многих случаях творческий процесс действительно более приятен и интимен для просмотра, чем совершенное произведение искусства.

Но где художники отслеживают весь этот процесс? Знаменитый термин «альбом для рисования» — вот ответ.

Альбом для рисования и эскиз

Смотреть альбом художника — это интимное занятие, и если вы когда-нибудь это сделаете / сделали, вы можете почувствовать себя привилегированным. Альбом для рисования — это визуальный дневник мыслей, дневник, отражающий путь художника, друга. Таким образом, художник не упускает возможности отметить красоту вещей, которые его окружают.Эти дневники рисования — открытое пространство для самовыражения — пространство без давления или осуждения. Альбомы для рисования считаются окном в душу художника. Заполненные деталями альбомы для рисования — это визуально приятный беспорядок, который обычно больше рассказывает о художнике, чем о самих произведениях искусства.

Существует также множество типов рисунков, из которых можно составить альбом для рисования, которые могут варьироваться в зависимости от времени, которое художник использует в нем. Эскиз — это скорее предварительный набросок идеи — грубое выравнивание линий, которые могут структурировать окончательную иллюстрацию.Набросок менее подробен, чем этюд, но более проработан, чем каракули.

Некоторые произведения искусства и художники особенно известны своими культовыми эскизами. Аура такого рисования идей дает зрителю тесную связь с завершенным произведением и действительно делает произведение искусства гораздо более интересным. Давайте посмотрим на некоторые из самых знаковых эскизов всех времен.

1. Ле Корбюзье

Французско-швейцарский художник, скульптор, архитектор, урбанист и писатель был провидцем своего времени.Ле Корбюзье широко известен своими модернистскими архитектурными проектами и городскими пространствами. Его вдохновляли его путешествия, искусство и представления о «порядке». Ле Корбюзье спроектировал творческие пространства, исследуя более простые формы повседневной жизни, очищая и упорядочивая кубистические формы. В этом знаменитом эскизе мы можем увидеть, как могли выглядеть его путешествия: городские пространства, здания и животные. Наряду с рисунком мы также можем видеть некоторые заметки, которые направляют мыслительный процесс художника.

Ле Корбюзье, «Очерк быков и крестьянских домов близ Чандигарха», датированный мартом 1951 г .; Предоставлено Фондом Ле Корбюзье, Париж.

2. Заха Хадид

Заза Хадид была первой женщиной, получившей признание в отрасли, которую в то время возглавляли мужчины. Иракско-британский архитектор получил высокую оценку за ее раскрепощение линий и форм в дизайне здания. Заза Хадид известна как «Королева Кривой» из-за ее необычного подхода к традиционной архитектуре. Ее радикальный подход сместил архитектуру с геометрических узоров на асимметричный, пышный и абстрактный дизайн.В этом эскизе мы можем увидеть ее пространственную концептуализацию здания «Phaeno Sciecnce Center».

Заза Хадид, Набросок для научного центра Phaeno, без даты.

Заза Хадид, Научный центр Phaeno, Вольфсбург, Германия, 2005. Предоставлено Zaza Hadid Architects. Фото Вернера Хутмахера.

3. Эдгар Дега

Дега был французским скульптором и художником, который был энтузиастом человеческого тела. В своих работах он изображал в основном женщин — танцовщиц, певиц и прачок — в крепких, новаторских и необычных позах.Он был заинтригован проблемами точного захвата света и часто использовал искусственный свет, чтобы усилить театральность фигур, которые он изображал. Есть множество набросков, опубликованных признанными учреждениями. В его набросках вы можете увидеть его исследования человеческого тела и то, как Дега был очарован женщинами в изящных, но сильных позах.

Эдгар Дега, «Танец досуга», Неизвестный, Красный мел, бумага, 24 × 32 см. Предоставлено Artsy.

4.Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог почти не нуждается в презентации. Каждый имеет небольшое представление о том, кем он был и насколько он дальновиден и влиятелен в мире искусства. Известно, что голландский художник является стереотипным образом истязаемого художника, потому что Ван Гог всю жизнь боролся с проблемами психического здоровья. Несмотря на это, он создавал плотные и яркие картины импрессионистов, отражающие его душевный хаос. Знаменитый художник также вел альбом для рисования, в котором он рисовал этюды некоторых своих самых влиятельных произведений, таких как «Стул».Возможно, для Ван Гога альбом для рисования действительно был способом очистить его затуманенное сознание и упорядочить свои мысли.

Винсент Ван Гог, Сен-Реми: март — апрель 1890 г., рисунок, карандаш, предоставлено Музеем Ван Гога.

5. Эгон Шиле

Эгон Шиле был австрийским художником, которого широко восхищали его эротические рисунки. Его смелый фирменный стиль бросил вызов традиционным формам красоты благодаря исследованию психики и сексуальности его моделей.Его рисунки и картины изображали обнаженных моделей в тревожных позах, избегая изображения жанра. Маркировка Шиле была агрессивной, сильной и смелой, что усиливало искаженное представление о красоте. Большинство его известных работ взяты из его альбомов для рисования. Эскизы Шиле считаются самостоятельными произведениями искусства. На этом изображении вы можете увидеть набросок Шиле, найденный в дрифт-магазине в 2018 году.

Рисунок Эгона Шиле, 1918 год. Предоставлено: Galerie St. Etienne, Нью-Йорк.

6. Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи — бесспорный гений своего времени. Он был мастером итальянского Возрождения, продемонстрировав опыт во многих областях, таких как живопись, скульптура, архитектура, анатомия, геология, математика, наука, астрономия и многие другие. Его фирменный стиль был известен своей точностью и реалистичностью. Он также представил новую технику под названием «сфумато», которой многие художники все еще пытаются овладеть в наши дни. Да Винчи, как и любой другой художник, практиковал искусство рисования, и его многочисленные альбомы для рисования можно увидеть в различных учреждениях по всему миру.В этом эскизе мы видим предварительное исследование, которое могло повлиять на знаменитую картину Моны Лизы.

Леонардо да Винчи, Портрет Изабель д’Эсте (Портрет Изабеллы д’Эсте), 1499-1500 гг. Предоставлено Musée du Louvre.

Леонардо да Винчи, Мона Лиза. Предоставлено Musée du Louvre.

7. Питер Пауль Рубенс

Рубенс — еще один старый мастер, превзойденный в движении барокко. В его картинах прослеживается очевидное влияние итальянского Возрождения с оттенком театральности.Фирменный стиль Рубенса был известен тем, что подчеркивал движение, цвет, свет, драматизм и чувственность. Его насыщенные сочинения относятся к христианской истории и мифам католической церкви. «Даниил в логове львов» (1614-16) — очень знаковая картина Рубенса, и есть широко известный ранний набросок этих львов. Эскиз немного более проработан, чем просто предварительный рисунок, поскольку мы можем отметить некоторую проработку света и текстуры. Этот эскиз льва на самом деле может быть более известным, чем сама картина.

Питер Пауль Рубенс, «Лион», ок. 1612–1613, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия. Предоставлено Artsy.

Питер Пауль Рубенс, «Даниэль в логове львов», ок. 1614/1616, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия. Предоставлено Artsy.

8. Фрэнк Гери

Фрэнк Гери — самый известный из ныне живущих архитекторов 21 века. Канадско-американский архитектор известен своим уникальным стилем, основанным на модерне, который считается занимательным, удивительным и функциональным.Он использует самые разные материалы, от дешевых, массового производства до дорогих и редких материалов. Его деконструированный стиль основан на рисованных эскизах, а не на сложном программном обеспечении, что позволяет художникам иметь более тесную связь с каждой линией, которую он наносит на бумагу (и, следовательно, со зданием). Музей Гуггенхайма в Бильбао — один из его самых известных проектов, а также одно из самых престижных зданий с момента его постройки. На изображениях вы можете увидеть первый нарисованный от руки эскиз Гери из музея Бильбао.Гери говорит, что на создание такой слоистой структуры его вдохновила рыба.

Фрэнк Гери, Музей Гуггенхайма в Бильбао, эскиз набережной, Бильбао, Испания, 1991 г., 22,9 × 30,5 см. Предоставлено Artsy.

Фрэнк Гери, Музей Гуггенхайма, Бильбао. Фотография Мартина Стегера.

9. Пабло Пикассо

Пикассо был одним из самых влиятельных художников 20 века. Он был пионером кубистского движения и внес некоторый вклад в символизм и сюрреализм.Хотя он в основном известен своими картинами, Пикассо также был скульптором, гравером и керамистом. Его харизматическая личность привлекала внимание многих женщин, которых он использовал в качестве моделей для своих работ. Он вызвал большое восхищение за его деконструкцию пространства и перспективы с использованием смелых и четких обозначений и цветов. Как и любой другой художник, он имел обыкновение держать альбомы для рисования, чтобы делать этюды для последующих картин. Как мы видим, «Les femmes d’Alger» (1955) не стала исключением.Мы можем увидеть упрощенную работу форм, форм и цветов, представленных на начальном этапе подготовки эскиза к иконической живописи.

Пабло Пикассо, «Алжирские женщины», 1955, Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA). Предоставлено Artsy. Пабло Пикассо, «Ольжерские женщины (версия« О »)», 1955. Предоставлено Christie’s.

10. Эжен Делакруа

Эжен Делакруа был одним из ведущих деятелей романтизма и одним из самых известных художников XIX века.Его картины характеризуются яркими и волнующими красками, связанными с возвышенным и экзотическим. Он часто писал современные сценарии насилия и трагедии в драматических и динамичных композициях. Было известно, что у Делакруа всегда был под рукой альбом для рисования, которым он писал свои визиты в оперный театр или театр. Художник также использовал эти альбомы для экспериментов с композициями для своих картин.

Эжен Делакруа, «28 июля — свобода руководства людей», 1830 г.Холст, масло, 64,5 х 81,3 см. Предоставлено Christies London.

11. Уильям Тернер

Чтобы завершить этот список, это должен был быть Уильям Тернер. У Тернера, вероятно, самая известная из когда-либо созданных коллекций эскизов и альбомов для рисования. Тернер был британским художником, которого широко хвалят за его вклад в романтическое движение. В своих картинах он размышлял о важности индивидуального опыта в эпоху Englightmenet. Через возвышенные сценарии Тернер расширил представления о сознании и существе.Его техника живописи подчеркивала мощь природы и хрупкость существа. Альбомы для рисования Тернера были фундаментальным открытием для изучения его понимания мира. В своих альбомах для рисования он в основном использовал карандаш и иногда экспериментировал с акварелью. Большинство из этих альбомов принадлежат коллекции Тейт в TATE.

Уильям Тернер, «Два этюда с фигурами: две женщины с кувшином, наблюдающие, как мужчина стоит на коленях, чтобы играть в шарики»; Этюды рук и левой ноги человека 1794.Предоставлено Tate Collection.

Как видите, альбомы для рисования функционируют как вторая кожа художников и действительно являются необходимостью отслеживать идеи художника. Эскизы — это изначальная форма искусства, и, хотя сами по себе они не могут считаться произведениями изобразительного искусства, эскизы столь же проницательны и важны, как и законченные произведения искусства. Эскизы ценятся и вызывают восхищение с точки зрения их категории и категории, и никогда не должны восприниматься как менее ценные. Эскизы являются носителями истории, экспериментов, воспоминаний, рассказов и являются ценным элементом истории искусства.Всех упомянутых выше художников сегодня очень хвалят, и это может быть как-то связано со временем, которое они потратили на наброски идей и композиций. Известно, что ни одно великое произведение искусства не было первой попыткой. Каждый великий художник использовал альбомы для рисования как инструмент развития и роста в поисках личного стиля и техники.

Изображение на обложке: Эдгар Дега, «Танец досуга», Неизвестный, Красный мел на бумаге, 24 × 32 см. Предоставлено Artsy.

Написано Танией Тейшейрой

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнать больше о интересных новостях из мира искусства

Эскизы: типы, характеристики, известные эскизы

Эскизы известных Художники Рафаэль (1483-1520) Один из самых известных художников Высокого Возрождения Рафаэль также известен как Il Divino (Божественный).Он известен своим рисунок пространственной геометрии, а также его картины Сикстинской Мадонны (1513, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден) и Преображение (1519, Музей Ватикана). Во время пребывания во Флоренции Рафаэль вступил в контакт с да Винчи, стиль которого сильно повлиял на его фигуру техника рисования. Рафаэль часто зарисовывал идеи на бумаге, некоторые предназначались для определенных картин, другие, возможно, просто для радости запечатлеть мимолетный момент.Примеры включают: — Мадонна с младенцем (Альбертина, Вена) черным мелом, пером, набросок. — Мадонна с младенцем ш. Иоанна Крестителя (Альбертина, Вена) Ручка / коричневая чернила. — Голова и плечи молодой женщины (Британский музей) Ручка / коричневая чернила. Леонардо да Винчи (1452-1519) Художник, скульптор, архитектор и ученый Леонардо должен быть одним из самых одаренных людей всех времен.Его самые известные работы включить его рисунок Витрувианский человек (1492, Galleria dell’Accademia, Венеция), его портрет Мона Лиза (1503, Лувр, Париж) и его фреска Тайная вечеря (1495, Санта-Мария-делле-Грацие, Милан). К сожалению, большая часть графического искусства Леонардо был потерян. К счастью, сохранилось несколько его альбомов, большая часть которые набиты примерами научных диаграмм и рисунков соперничал только Микеланджело.Примеры известных этюдов да Винчи включают: — Эскиз летательного аппарата (спиральный Air Screw, 1493), ранняя версия современного вертолета, которую да Винчи на самом деле не строил и не тестировал. — Конструкция летательной машины (1488). — Устройство для растяжения цилиндрической пружины (ок. 1498). — Конструкции для лодки (ок. 1485-7). Микеланджело Буонарроти (1475-1564) Микеланджело родился во Флоренции в 1475 году. остается одним из величайших рисовальщиков в истории искусства.Вариант реализации , конструкция , г. он создавал впечатляющие эскизы, рисунки, картины и скульптуры. Его самые известные работы включают две Сикстинские Фрески капеллы в Ватикане ( фреска Бытие и Фреска Страшного суда ) и его мраморные статуи Пьета (1500) и Дэвид (1501-4). Большинство набросков и каракулей Микеланджело никогда не предназначались для публичного показа, и, без сомнения, он был бы в ужасе толпой, которую они сегодня привлекают, когда выставляются в наших музеях.По факту, он уничтожил большое количество перед своей смертью, чтобы избежать такого события. Возможно, он хотел скрыть, сколько подготовительной работы ушло на его финал. произведения искусства. Исторически сложилось так, что художники придавали значение только готовой продукции. Микеланджело, например, складывал свои наброски и использовал их как бумагу для заметок. в котором он писал списки покупок и вел записи о своих расходах. Он имел не представляю, насколько коллекционируемыми станут его эскизы в будущем: в 2002 году например, быстрый рисунок мелом художником была «обнаружена» заброшенной и забытой в ящике в кладовая Национального музея дизайна Нью-Йорка.Он был создан примерно в 1530 и оценивается примерно в 10 миллионов долларов. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) Предварительные наброски были чрезвычайно важны великому художнику эпохи барокко Рубенсу, особенно когда делегирует значительную часть картины своим помощникам. Когда он пишет портреты, сначала он обычно делает быстрый набросок, обычно рисуются и промываются коричневыми чернилами. Затем он сделает более подробный эскиз маслом для отправки заказчику на согласование или комментарий.После это, другая анатомическая деталь будет производиться в виде дополнительных эскизы. Только после того, как эти различные наброски будут завершены, он сможет сосредоточиться на на самой картине. Винсент Ван Гог (1853-1890) Ван Гог был одним из самых влиятельные художники постимпрессионизма движение. Хотя ему не удалось продать ни одной картины за свою жизнь, сегодня его работы приносят миллионы. Некоторые из его самых известных работ включают Едоки картофеля (1885, Ван Гог Museum, Amsterdam), Двенадцать подсолнухов в вазе (1888, Neue Пинакотека, Мюнхен), Автопортрет с перевязанным ухом (1889, Курто) Institute Galleries, Лондон) и Starry Night (1889, Музей Современное искусство, Нью-Йорк).Он также был известен своими набросками писем. (Всего 133) — это были письма, которые он написал друзьям (в том числе его брат Тео и коллега-художник Поль Гоген), в котором он набросал контуры картин, которые он планировал. Примеры включают: — Спальня Винсента в Арле (1888 г.). — Пара на прогулке (1887, Музей Ван Гога, Амстердам). — Стул (1890, Музей Ван Гога). — Сад приюта (1889, Музей Ван Гога). — Пейзаж урожая (1888, Национальная художественная галерея Вашингтон, округ Колумбия). — Крестьянин, копающий картошку (1885, частное собрание). Эдгар Дега (1834-1917) Ключевая фигура французской живописи, Дега был одним из ведущих представителей импрессионизма, хотя он никогда особо не мирился с таким ярлыком, предпочитая считаться реалистом, основываясь на его академическом образовании. Он был особенно впечатлен итальянскими мастерами и поездкой в ​​Италию в В 1850 году он зарисовал многие их картины и фрески в своих записных книжках.Он особенно заинтересовался рисованием балерин, модисток. и прачки в Париже и тысячи его рисунков (карандашом и пастель) выжить и сегодня. За свою жизнь художник заполнил 38 альбомов для рисования. которые предоставляют историкам искусства из первых рук свидетельства его методов работы. Он вел свои книги, чтобы записывать произведения искусства, которые видел, людей, которых наблюдал, для визуализации прочитанных им художественных сцен или для экспериментов с новыми концепциями. Программы Чтобы помочь вам набросок Большинство дизайнеров используют компьютерные программы для помочь им создать профессионально выглядящие иллюстрации и эскизы.Традиционно профессионалы искусства используют для этого компьютер MAC. программы назначения и разработки обычно сначала создаются для MAC (хотя некоторые доступны для Windows). Популярные программы: Для компьютера MAC: Программы для создания эскизов для Mac включают: — Sketch Mac — VectorDesigner — Artboard — SketchBook Pro — OmniGraffle — Intaglio — EazyDraw — Sketsa SVG Editor Для Windows: Программа для создания эскизов для ПК включает: — Xara Photo & Graphic Designer — DrawPlus — Real-Draw Pro — Autodesk SketchBook Pro — Sketsa SVG Editor

Художественные репродукции с эскизами | Чеканка

Вы спросите, в чем разница между эскизом и рисунком? Как художественный по своей природе, эскиз имеет тенденцию быть более незавершенным, импульсивным и быстрым.С другой стороны, рисунок был бы более завершенным произведением искусства, в которое могли быть внесены изменения или дополнения для более отточенной и собранной презентации. В обеих техниках есть красота, и любите ли вы эскизы, черно-белые рисунки или замысловатые рисованные произведения искусства, демонстрирующие впечатляющее внимание к деталям, у нас есть коллекция из более чем 450 художественных рисунков ограниченным тиражом, которые можно оформить или напечатать на них. холст для украшения любой комнаты.

Подробнее ▶ ︎

Просмотрите наш ассортимент эскизов, изображающих человеческую форму, геометрические узоры, архитектурные чудеса и многое другое.Независимо от вашего уникального стиля, вы обязательно черпаете вдохновение в нашей разнообразной коллекции настенных произведений искусства. Наслаждайтесь свободой печати вашего любимого художественного рисунка Minted в размере, который лучше всего подходит для вашей стены. Мы предлагаем более десятка размеров печати на выбор и еще больше вариантов обрамления вручную!

О НАШИХ ХУДОЖНИКАХ

Художественное сообщество

Minted состоит из тысяч независимых художников, живущих по всей планете. Уникальность нашей коллекции произведений искусства заключается в разнообразии навыков, обучения и вдохновения, которыми обладают наши художники.Опытный художник, получивший образование в колледже, живущий в Монреале, создаст нечто совершенно иное, чем молодой художник-самоучка, живущий в Малайзии. Именно это широкое сообщество, которое Minted может использовать, дает прекрасные дизайны, которые вы найдете на нашем сайте.

В течение года на Minted будут проводиться онлайн-конкурсы по дизайну, в которые смогут принять участие все художники из разных стран. Как только окно подачи заявок закрывается, публика помогает проголосовать за понравившиеся наброски и карандашные рисунки. Эти победившие дизайны затем продаются на Minted широкой аудитории любителей искусства, которые ценят уникальный внешний вид.За каждое проданное произведение искусства художникам начисляется комиссия.

Когда ваш эскиз приходит по почте, он будет включать в себя сертификат подлинности, предупреждающий вас о номере печати, который вы заказали из 350 штук, которые будут напечатаны в вашем размере и цветовой гамме. Вы также получите записку от художника, в которой рассказывается о лице и характере приобретенного вами произведения искусства. Делая покупки на нашем сайте, вы также можете узнать больше о художниках, создавших каждый из художественных эскизов, перейдя в их интернет-магазин.Просмотрите больше работ тех же художников, просмотрите картины студии, в которой создано искусство, и прочитайте отрывки из самих художников!

МНОГО ОБЪЕКТОВ, СТИЛЕЙ И ВАРИАНТОВ ЦВЕТА В МАГАЗИНЕ

Неважно, хотите ли вы украсить офисное помещение или дополнительную спальню, мы уверены, что на Minted вы найдете идеальные художественные рисунки. Используйте фильтры поиска в верхней части этой страницы, чтобы сузить дизайн по размеру, цвету и стилю. Ниже мы выделили некоторые популярные темы и стили, которые можно найти в нашей коллекции эскизов.

• Рисунки человеческих фигур: Сортировка эскизов и рисунков человеческих фигур. Это могут быть мягкие контуры женского профиля, мускулистость мужской спины или крупный план определенной части тела, такой как рука, палец или рот.
• Рисунки животных: Для любителей животных взгляните на нарисованные от руки изображения птиц, собак, львов и лошадей. Поразитесь, как некоторые художники просто используют несколько линий, чтобы очертить форму животного, в то время как другие используют бесконечное количество штрихов карандаша, чтобы создать реалистичную фотографию.
• Рисунки природы: Принесите естественную красоту матери-природы на стены вашего домашнего декора. Изображения полевых цветов, океанских волн, горных хребтов и ветвей деревьев приобретают простой шарм, когда их прославляют через черно-белые рисунки. Некоторые эскизы сочетают в себе цветные брызги для более изысканного вида.
• Архитектурные чертежи: Тем, кто ценит творческую каменную кладку, сложные конструкции из стали и железа или изящные столярные изделия, вам наверняка понравится художественная визуализация мостов, европейских достопримечательностей, фасадов зданий и винтовых лестниц.Работы по этой тематике отлично подходят для домашнего офиса или учебы.
• Абстрактные рисунки: На первый взгляд бессистемная коллекция каракулей и фигур может принимать красивые формы с помощью абстрактных произведений искусства. Позвольте себе задуматься, когда вы теряетесь, глядя на некоторые художественные рисунки в этом стиле.
• Typography: Оцените искусство слов, букв и стиля шрифтов, созданное вручную. Много веков назад во многих культурах по всему миру каллиграфия считалась впечатляющей практикой и видом искусства.Узнайте, как этот вид искусства эволюционировал в наше время, в нашей полной коллекции типографского искусства.
• Геометрические рисунки: Эйнштейн и Ньютон по достоинству оценили бы нарисованные вручную геометрические узоры, созданные при помощи творческого совмещения треугольников, квадратов и линий. Некоторые из этих рисунков могут стать отличным подарком математику или ученому в вашей жизни.

Большая часть нашей коллекции набросков напечатана в черно-белом цвете, что тонко и целенаправленно акцентирует внимание на навыке, которым нужно обладать, используя только росчерк карандаша на бумаге.Известного художника 13 века Джотто ди Бондоне однажды попросили доказать его художественные способности. Он взял чистый холст и нарисовал от руки идеальный круг. Художественные способности в их чистом виде трудно не заметить, и их приятно наблюдать.

СОСТАВИТЕ ПРЕЗЕНТАЦИЮ ВАШЕГО ИСКУССТВА

Когда вы найдете произведение искусства, которое хотите приобрести, самое время выбрать, как вы хотите его напечатать и расположить. Ниже приведены некоторые варианты рыбалки, из которых вы можете выбрать.

• Стиль печати: Выберите печать на бумаге художественного качества или на гладком и прочном холсте.Пусть ваш стиль и комната, которую вы хотите улучшить, диктуют выбранный вами стиль печати. Для тех, кто ценит холст, мы рекомендуем вам ознакомиться с нашей тщательно отобранной коллекцией произведений искусства на холсте.
• Размер отпечатка: В каждой комнате возникают разные проблемы, когда дело доходит до выбора идеального размера стен. Возможно, вы хотите найти настенный декор, который будет соответствовать окну, находиться над камином или подходить к дверной коробке. С Minted мы позволяем вам заказать желаемый отпечаток в диапазоне размеров, начиная с 5 на 7 дюймов и заканчивая впечатляющими 44 на 60 дюймов.Адекватно закройте желаемое пространство стены желаемым рисунком в рамке.
• Стиль оправы: Положитесь на чеканку, чтобы профессионально оформить изделие и придать ему стильный и изысканный вид. Мы считаем, что ваша рамка должна соответствовать красоте и оригинальности произведений искусства, которые она окружает, поэтому мы предлагаем на выбор более десятка вариантов обрамления ручной работы. Необычные материалы, такие как аутентичная переработанная древесина сараев и красивая древесина манго, используются для создания каждой рамы вручную.Вы даже можете выбрать из различных узоров и расцветок наших оправ. Нет двух одинаковых рамок!
• Бордюр и матирование: Если вы решили обрамить свое произведение искусства, важно понимать, что существуют различные варианты макета. Сделайте так, чтобы рисунок доходил до краев рамки в режиме без обрезки, или добавьте классическую белую рамку или эффект матирования.

ДОПОЛНИТЕЛЬНО СВОЙ Эскиз ИСКУССТВО

Ищете другой стиль оформления стен, чтобы дополнить ваш новый рисунок в рамке? Minted предлагает широкий выбор стилей, таких как картографическое искусство, фотоискусство, детское искусство, детское искусство, подростковое искусство и многое другое! Добавьте красок своей стене с помощью красивых акварельных картин.Отметьте годовщину, свадьбу или особенное семейное воспоминание с помощью персонализированного фотоискусства или фотоколлажа в форме сердца. Создайте потрясающую стену галереи, смешав и сопоставив множество стилей дизайна в одной впечатляющей презентации.

У нас даже есть команда художественных стилистов здесь, в Minted, которые могут помочь вам выбрать черно-белые рисунки и другие настенные рисунки, которые идеально подойдут для вашей конкретной стены. Просто отправьте текстовое изображение своей стены на Minted, ответьте на несколько вопросов, и наша команда приступит к поиску на нашем сайте наиболее подходящего для вас дизайна.Художественный стиль — это просто!

Читать меньше ▶

Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок искусства стоимостью 63 миллиарда долларов.

На прошлой неделе скульптура Джеффа Кунса 1986 года была продана на Christie’s за 91,1 миллиона долларов, установив новый рекорд самой дорогой работы, проданной живым художником. Скульптура, большой серебристый кролик с отражением, была куплена галеристом Робертом Мнучином, бывшим партнером Goldman Sachs, основателем Mnuchin Gallery на Манхэттене и отцом министра финансов Стива Мнучина, от имени анонимного клиента.

Продажа Кунса, возможно, и стала новым рекордом, но ставки в десятки или сотни миллионов — не редкость в мире искусства. В сентябре на аукционе Сотбис Гонконг была продана пара картин покойного китайского французского художника Зао Ву-Ки за 65,1 миллиона долларов и 11,5 миллиона долларов. В 2017 году на Christie’s за 450 миллионов долларов была продана давно утерянная картина Леонардо да Винчи «Salvator Mundi», которая позже стала предметом теории заговора, что сделало ее самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных.Согласно данным Art Basel и ежегодного отчета UBS о мировом рынке искусства, на мировом рынке искусства, который включает в себя галереи, художественные ярмарки и аукционные продажи, в 2018 году было продано 67,4 миллиарда долларов, что на 6 процентов больше, чем в предыдущем году.

Продажи, которые попадают в заголовки газет, как, например, продажи последней рекордной скульптуры Кунса, становятся все более обычным явлением и в то же время аномалией в мире искусства. Эти продажи вызваны небольшой группой богатых коллекционеров, которые платят астрономические цены за работы еще меньшей группы художников, которые, в свою очередь, представлены небольшим количеством известных галерей.Между тем, работы большинства ныне живущих художников никогда не будут продаваться за шестизначные или семизначные суммы, а галереи, которые их представляют, все чаще остаются позади.

Почему искусство такое дорогое?

Короткий ответ: большая часть искусства — нет.

Несколько ныне живущих художников — Кунс, Дэмиен Херст и Яёи Кусама, и многие другие — богаты и знамениты, но большинство из них нет и никогда не будут ими. Чтобы прорваться на рынок, художнику сначала нужно найти галерею, в которой он будет представлен, что сложнее, чем кажется.Анри Нойендорф, заместитель редактора Artnet News, сказал мне, что галеристы часто посещают выставки выпускников художественных школ, чтобы найти новые молодые таланты, которые они могут представлять. «Эти туфли — первая арена, первая точка входа для многих молодых художников», — сказал он.

MFA обходятся недешево — в 2014 году обучение в 10 самых влиятельных программах MFA стоило в среднем 38000 долларов в год, что означает, что студенту-искусствоведу придется потратить около 100000 долларов, чтобы получить степень, поэтому некоторые галеристы пытаются разнообразить свое представительство. глядя за пределы толпы художественной школы.Но мир искусства остается далеко не разнообразным, особенно в высших эшелонах. Исследование, проведенное в 2014 году коллективом художников BFAMFAPhD, показало, что 77,6 процента художников, которым удается зарабатывать на жизнь продажей своих работ, являются белыми, как и 80 процентов всех выпускников художественных школ.

Christie’s продал свое первое произведение компьютерного искусства «Портрет Эдмонда Белами» за 432 500 долларов. Художественный коллектив Obvious

Художники, которые выделяются на выпускной выставке или в другом месте, могут продолжить показ своих работ на групповых выставках с другими начинающими художниками.Если их работы будут хорошо продаваться, они смогут получить персональную выставку в галерее. Если из того шоу преуспевает, тогда их карьера действительно идет на взлет.

Как правило, цены на работы начинающих художников зависят от размера и среднего размера, сказал Нойендорф. Картина большего размера обычно будет стоить от 10 000 до 15 000 долларов; работы на холсте стоят дороже, чем работы на бумаге, цена на которые выше, чем на принты. Если художник представлен известной галереей, такой как David Zwirner или Hauser & Wirth, престиж дилера может дать работам приличный скачок цены, даже если художник относительно неизвестен.Независимо от престижа художника или галереи, дилеры обычно получают 50% от продаж художников.

Но закрытие небольших галерей затрудняет зарабатывать на жизнь начинающим художникам — не говоря уже о дилерах, которые их представляют. Согласно прошлогоднему отчету UBS и Art Basel, в 2017 году закрылось больше галерей, чем открылось. Между тем, крупные галереи открывают новые места для обслуживания растущего глобального рынка, и ожидается, что дилеры со всего мира все чаще будут появляться на международных художественных ярмарках, таких как Armory Show и, да, Art Basel.

Олав Велтуис, профессор Амстердамского университета, изучающий социологию в искусстве, связывает закрытие небольших галерей с ростом числа арт-ярмарок. В колонке New York Times за 2018 год Велтуис написал, что эти ярмарки, на которых галереи часто берут от 50 000 до 100 000 долларов за выставочную площадь, невероятно затрудняют возвращение мелких галеристов домой с прибылью. Но поскольку ярмарки становятся для богатых коллекционеров предпочтительным способом покупки произведений искусства, галереям ничего не остается, кроме как участвовать.

Галереи меньшего размера, как правило, представляют начинающих художников, что ставит как дилеров, так и художников, которых они представляют, еще в одном невыгодном положении. «Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками», — сказал мне Велтуис в электронном письме. «Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ».

«Рынок искусства функционирует как большая консенсусная маркетинговая машина», — продолжил Велтуис. «Поэтому люди смотрят на сигналы качества.Эти сигналы могут быть, например, тем, что важный куратор говорит о художнике; если у [художника] есть выставки в музеях; если его работы покупают влиятельные коллекционеры. Поскольку все, по крайней мере до некоторой степени, смотрят на одни и те же сигналы, в какой-то момент они начинают соглашаться [в] о том, кто является наиболее желанным артистом ».

Другими словами, работы некоторых художников продаются за миллионы долларов, потому что в мире искусства существует консенсус, что эти работы должны продаваться за миллионы долларов.А поскольку искусство — это «рынок уникальных предметов», добавляет Велтуис, возникает ощущение дефицита, даже несмотря на то, что такие художники, как Джефф Кунс и Дэмиен Херст, выпускают работы в промышленных масштабах.

«Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками. Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ». —Олав Велтуис

Согласно отчету UBS и Art Basel, всего 0,2 процента художников имеют работы, которые продаются на сумму более 10 миллионов долларов, но 32 процента из 63 с лишним миллиардов долларов продаж произведений искусства в 2017 году приходятся на произведения, проданные на сумму более 10 миллионов долларов.Анализ, проведенный Artnet в том году, показал, что только 25 процентов художников составили почти половину всех современных аукционных продаж за первые шесть месяцев 2017 года. Только трое из этих художников были женщинами.

«Это определенно хороший пример рынка, где победитель получает все, где доходы и прибыль распределяются крайне неравномерно», — сказал Велтуис. «[В принципе] это не проблема сама по себе. Однако галереям среднего сегмента рынка трудно выжить, и если многие из них закроют свои двери, это плохо для экологии мира искусства.Мы должны подумать о том, как позволить прибылям сверху стечь вниз к середине и низу ».

Кто покупает искусство? Супербогатый

Продажа «Salvator Mundi» в 2017 году возобновила дискуссии о роли денег в мире искусства — и даже породила теорию заговора # Resistance о темных деньгах и выборах в резиденцию 2016p. В интервью Financial Times в 2017 году Джорджина Адам, эксперт по арт-рынку и автор книги Темная сторона бума: эксцессы арт-рынка в 21 веке, объяснила, как возможно, что одна картина может стоить больше денег. чем большинство людей видят в своей жизни.«В наши дни очень богатые люди имеют поразительное количество денег», — сказал Адам. Галерист, проинтервьюированный в своей книге, объяснил это следующим образом: если пара имеет собственный капитал в размере 10 миллиардов долларов и решает инвестировать 10 процентов этого капитала в искусство, это дает им 1 миллиард долларов, на которые они могут купить все картины и скульптуры, которые их душе угодно.

Сейчас коллекционеров больше, чем когда-либо прежде, и эти коллекционеры стали богаче, чем когда-либо. Согласно книге Адама, либерализация экономики некоторых стран, в том числе Китая, Индии и ряда стран Восточной Европы, привела к буму коллекционирования произведений искусства за пределами США и Западной Европы.Страны Персидского залива также являются горячей точкой для коллекционеров. В результате рынок превратился в то, что писательница Рэйчел Ветцлер описала как «глобальную индустрию, связанную с роскошью, модой и знаменитостями, привлекая расширенный круг сверхбогатых покупателей, которые агрессивно конкурируют за работы известных художников».

Искусство — это не просто предмет роскоши: это инвестиция или, по крайней мере, может быть. Если инвесторы вкладывают деньги с умом, то впоследствии приобретенные ими работы могут стоить намного дороже. Самый известный пример коллекционера / инвестора произведений искусства — Роберт Скалл, магнат такси из Нью-Йорка, который в 1973 году продал с аукциона предметы из своей обширной коллекции, большинство из которых было продано много раз, за ​​то, за что Скалл их купил.Одна картина Роберта Раушенберга первоначально стоила Скаллу 900 долларов в 1958 году. Она была продана за 85 000 долларов.

Цена всего , документальный фильм о роли денег в мире искусства, выпущенный в 2018 году, посвящен драме об аукционе Скалла и ее последствиям. Историк искусства Барбара Роуз, чей отчет об аукционе для журнала New York был озаглавлен «Прибыль без чести», назвала этот аукцион «поворотным моментом» в мире искусства.

«Идея о том, что искусство выставляется на аукционе, как кусок мяса, была для меня необычной», — сказала Роуз в фильме.«Я помню, что там был Раушенберг, и он был очень возмущен, потому что художники ничего не получили от этого. … Внезапно из-за цен пришло осознание того, что можно зарабатывать деньги, покупая дешево и продавая дорого ».

Совсем недавно финансовый кризис 2008 года стал благом для богатых коллекционеров, которые сожрали работы, выставленные на аукцион их знакомыми, внезапно потерявшими деньги. Деловой руководитель-миллиардер Митчелл Рэйлз и его жена Эмили добавили в свою коллекцию «около 50 работ» в 2009 году, многие из которых они приобрели по абсурдно низким ценам, сообщило агентство Bloomberg в 2016 году.Коллекция семьи Рэйлс сейчас стоит более 1 миллиарда долларов.

«Люди, которые были активными [покупателями] в то время, очень счастливы сегодня», — сказала Bloomberg арт-консультант Сэнди Хеллер. «Эти возможности не представились бы без финансового кризиса».

Художники не обязательно получают выгоду, когда их искусство продается на аукционе — по крайней мере, в финансовом отношении. Джефф Кунс не получит денег от рекордной продажи одной из его скульптур на аукционе Christie’s, но предыдущий владелец работы получит, как и галерея.Как отметила искусствовед из New York Times Роберта Смит, цена молотка для скульптуры Кунса — окончательная сумма предложения — фактически составила 80 миллионов долларов. 11,1 миллиона долларов сверх этого были вырезаны аукционным домом, поэтому скульптура была продана за 91,1 миллиона долларов.

Всего за шесть месяцев до продажи Кунса «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» Дэвида Хокни был продан за 90,3 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, которую когда-либо платили за работу живого художника.Но, как и скульптура Кунса, цена за молоток для картины Хокни на самом деле составляла 80 миллионов долларов — по данным Times, разница в цене между двумя работами является результатом того, что Christie’s увеличил гонорары покупателям в феврале.

Высоко ценимое произведение искусства — это предмет роскоши, инвестиция и, в некоторых случаях, средство, с помощью которого сверхбогатые могут избежать уплаты налогов. До недавнего времени коллекционеры могли использовать лазейку в налоговом кодексе, известную как «подобный обмен», которая позволяла им откладывать налоги на прирост капитала с определенных продаж, если прибыль, полученная от этих продаж, была вложена в аналогичные инвестиции.

В случае продажи произведений искусства это означало, что коллекционер, который купил картину за определенную сумму, скажем, 1 миллион долларов, а затем продал ее за 5 миллионов долларов через несколько лет, не должен был платить налог на прирост капитала, если они перевели эти 4 миллиона долларов на покупку другого произведения искусства. (Республиканский законопроект о налогах устранил эту льготу для коллекционеров произведений искусства, хотя он продолжает приносить пользу застройщикам.)

Ассистент галереи рассматривает картину турецкой художницы Фахрелниссы Зейд под названием Towards a Sky , проданную за 992750 фунтов стерлингов на Sotheby’s Middle Eastern Art Week в Лондоне в апреле 2017 года. Агентство Анадолу / Getty Images

Коллекционеры также могут получать налоговые льготы, жертвуя экспонаты из своей коллекции музеям. (Вот где покупка по низкой цене и пожертвование по высокой действительно выгодно, поскольку благотворительный вычет будет учитывать текущую стоимость работы, а не сумму, которую коллекционер изначально заплатил за нее.)

Дженнифер Блей Стокман, бывший президент Guggenheim и один из продюсеров The Price of Everything , рассказала мне, что галереи часто требуют от коллекционеров, которые покупают новые работы известных художников, чтобы в конечном итоге сделать их доступными для публики.

«Многие галереи теперь настаивают на том, что они не будут продавать работу частному коллекционеру, если они либо купят вторую работу и не передадут ее музею, либо не пообещают, что работа в конечном итоге будет передана музею», — сказала она. Эти соглашения не имеют юридической силы, но коллекционеры, которые хотят сохранить хорошую репутацию в галереях, обычно держат свое слово.

Произведения художников не обязательно должны попадать в государственные музеи, чтобы их могла увидеть публика.За последнее десятилетие все большее число сверхбогатых коллекционеров произведений искусства открывают частные музеи, чтобы продемонстрировать приобретенные ими работы. В отличие от государственных музеев, которым мешают относительно ограниченные бюджеты на приобретение (например, бюджет Лувра на 2016 год составлял 7,3 миллиона евро), коллекционеры могут покупать практически любые работы для своих частных музеев при условии, что у них есть деньги. А поскольку эти музеи якобы открыты для публики, они имеют множество налоговых льгот.

«Богатые покупают искусство», — заявила художественный писатель Джули Баумгарднер в редакционной статье Artsy. «А супербогатые делают музеи».

Когда работы продаются за миллионы долларов, получают ли художники выгоду?

С материальной точки зрения, художники получают выгоду от продаж только тогда, когда их работы продаются на первичном рынке, то есть коллекционер покупает работу в галерее или, что реже, у самого художника. Когда работа продается на аукционе, художник не получает никакой выгоды.

На протяжении десятилетий художники пытались исправить это, борясь за получение гонорара за произведения, проданные на вторичном рынке.Например, большинство писателей бессрочно получают гонорары от продажи книг. Но как только художник продает работу коллекционеру, коллекционер — и аукционный дом, если применимо, — единственный, кто получает выгоду от продажи этой работы позже.

В 2011 году коалиция художников, в том числе Чак Клоуз и Лэдди Джон Дилл, подала коллективные иски против Sotheby’s, Christie’s и eBay. Ссылаясь на Закон Калифорнии о роялти за перепродажу, который дает право жителям Калифорнии, продающим работы в любой точке страны, а также любому визуальному художнику, продающему свои работы в Калифорнии, получать 5 процентов от цены любой перепродажи своей работы, превышающей 1000 долларов, — заявили художники. что eBay и аукционные дома нарушили закон штата.Но в июле федеральный апелляционный суд встал на сторону продавцов, а не художников.

Стокман сказал мне, что даже если художники не зарабатывают на этих продажах денег, иногда они могут извлечь выгоду и другими способами. «Художники действительно выигрывают, когда их работы хорошо продаются на аукционах, потому что тогда первичные цены повышаются», — сказала она. «Однако, когда произведение продается на аукционе или на вторичном рынке, художник вообще не получает [финансовой] выгоды, и это, я знаю, очень пугает и расстраивает многих художников.”

Искусство для всех

Взятые вместе, эти факторы рисуют тревожную картину: доступ к искусству, похоже, все больше концентрируется среди сверхбогатых. По мере того, как богатые становятся богаче, коллекционеры платят все более высокие цены за работы горстки ныне живущих художников, оставляя начинающих художников и галереи, которые их представляют. Тогда возникает вопрос, кто вообще может быть художником. Художественная школа стоит дорого, и получение MFA автоматически не приводит к финансовому успеху в такой конкурентной отрасли.

«Попай» Джеффа Кунса был куплен за 28 миллионов долларов миллиардером, магнатом казино Стивом Винном в 2014 году. Эммануэль Дананд / AFP / Getty Images

Есть некоторый отпор этой концентрации рынка на самом верху — или даже идее о том, что искусство недоступно для обычного человека. Эмили Каплан, вице-президент Christie’s по послевоенным и современным продажам, сказала мне, что дневные распродажи аукционного дома открыты для публики и часто включают работы, которые стоят намного дешевле, чем можно было бы подумать в заголовках.

«Christie’s может показаться устрашающим именем для многих, но большинство наших продаж продаются по гораздо более низким ценам, чем то, о чем сообщается в новостях», — сказал Каплан. «У нас много продаж, которые происходят в течение календарного года в разных местах, особенно в послевоенном и современном искусстве. … Работы можно продать за пару сотен долларов, за одну, две, три тысячи долларов. Это намного меньший диапазон, чем люди ожидают ».

Доступные художественные ярмарки, на которых обычно продают искусство за несколько тысяч долларов, — еще одна альтернатива для людей, которые хотят покупать произведения искусства, но не могут потратить миллионы на одну скульптуру.Ярмарка искусства Superfine, основанная в 2015 году, позиционирует себя как способ познакомить людей с искусством. Соучредители Джеймс Мийлле и Алекс Митоу говорят, что ярмарка — это реакция на завышенные цены, которые они увидели на верхнем сегменте «изолированного» рынка искусства.

«Мы увидели разрыв на рынке искусства между художниками и галереями с потрясающими работами, которым нужно продать их, чтобы выжить, и людьми, которые любят искусство и могут себе это позволить, но не чувствовали себя частью игры», — сказал мне Митов. в электронном письме. «Большинство сделок на рынке искусства на самом деле происходит на уровне менее 5000 долларов, и это то, что мы рекламируем: движение настоящего искусства настоящими живыми художниками, которые строят устойчивую карьеру, не обязательно выдающимися художниками-суперзвездами с рекордами продаж, которые недостижимы для средний — при равной квалификации — художник.”

Помимо проведения ярмарок в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Вашингтоне, округ Колумбия, Superfine продает свои работы через свою «электронную ярмарку». Так же, как и на более традиционных ярмарках искусства, таких как Art Basel, Superfine взимает с художников или галеристов фиксированную плату за выставочную площадь, хотя ставки Superfine намного ниже.

Несмотря на эти усилия по демократизации искусства, рынок в целом все еще находится в привилегированном положении по отношению к, ну, очень привилегированным. Меценатство всегда было хобби для очень богатых, и это не изменится в ближайшее время, но возможность смотреть на красивые вещи не должна ограничиваться теми, кто может позволить себе их покупать.

Подпишитесь на информационный бюллетень «Товары». Дважды в неделю мы будем отправлять вам лучшие истории о товарах, в которых рассказывается, что мы покупаем, почему мы это покупаем и почему это важно.

Самые известные художники и рисунки графитным карандашом в истории — Smart Art

Практика создания подробных рисунков графитным карандашом восходит к 17 ^-м и 18 ^-м векам, когда рисунки Плумбаго были популярны для небольших портретов. Plumbago относится к комбинации графита и глины, которая составляет основу большинства графитовых карандашей и по сей день.Эти портреты в форме свинца были в основном нарисованы на пергаменте, а не на бумаге, и их детали и оттенки, как правило, светлее, чем современные гиперреалистичные карандашные портреты

.

Спустя несколько сотен лет наши современные художники осваивают искусство рисования карандашом. В отличие от тех прошлых эпох, когда художественных мастеров можно было «найти» только после их смерти, цифровая эпоха и социальные сети позволяют увидеть талантливых современных мастеров здесь и сейчас. Будь то гиперреализм или сюрреализм, графитовый рисунок сейчас процветает, и вот что вам нужно знать о сцене.

Адонна Кхаре

Победитель конкурса ArtPrize 2012 года, Адонна Кхаре — современный художник из США, который сочетает реалистичные изображения животных с баснословным повествованием на основе изображений. Она пытается создать работу, имеющую отношение к нашему миру, но при этом просит нас увидеть ее послания с разных точек зрения. Художественные слова Адонны Кхаре — это крупномасштабные рисунки графитным и угольным карандашом. Адонна Кхаре в настоящее время собрала книжку-раскраску своих работ, чтобы вы могли погрузиться в красоту ее воображаемого животного мира, тренируя свои навыки цветного карандаша.

Марко Маццони

Марко Маццони — итальянский художник, который сочетает в себе элементы дизайна и ботаники в модернистских портретах с карандашными рисунками. В то время как его портреты сардинских травников XVI-18 ^{-х годов} веков, связанные с ними цветы, бабочки и другие разнообразные существа демонстрируют умение реалистично рисовать, рисунки Марко Маццони цветным карандашом оставляют свой отпечаток с мощным использованием негативного пространства и таланта. для дизайна. Как художник Маццони выставлял свои работы в Италии, США и по всей Европе.

Диего Фацио

Если вы ищете его в социальных сетях, вы, вероятно, найдете его под именем DiegoKoi. Диего Фацио — художник-самоучка, который прекрасно понимает динамику тени и света и воплощает их в детализированных карандашных рисунках. Диего Фацио получил свое прозвище, нарисовав кои. Хотя его рисунки подпадают под описание гиперреализма, он имеет тенденцию бросать вызов собственному реализму, выбирая перспективы, которые изменяют внешний вид его предметов или преломляют их изображения.Например, он мастер рисования мокрых лиц, а также лиц, которые отражаются через мокрое стекло. Диего Фацио получил множество наград за свои рисунки, которые были показаны по всему миру.

Дирк Дзимирский

Дзимирский — немецкий художник, рисующий гиперреалистичные карандашные рисунки. Работы Дирка Дзимирского легко принять за фотографии, поскольку он достигает цели гиперреализма, заключающейся в передаче в искусстве изображения фотографической достоверности. Он способен мастерски запечатлеть уникальные аспекты человеческих особенностей и человеческих эмоций, наблюдая и переводя крошечные детали человеческой внешности.Его работы выставлялись на выставках по всему миру.

Пол Лунг

Пол Лунг — художник-самоучка гиперреалистичных графитовых карандашей, который стремится развивать и улучшать свои навыки с каждой новой работой. Он работает дизайнером и по-прежнему публикует большую часть своей незавершенной работы на DeviantArt. Он рисует животных, особенно кошек, с особым вниманием к текстуре, оттенкам и свету. У Лунга также есть большое количество прекрасных графитовых портретов в его портфолио.

Гектор Гонсалес

Гектор Гонсалес сосредотачивает многие свои рисунки графитовым карандашом на овладении изображением глаз.Известно, что он рисует глаза всех типов. Его глаза достаточно информативны, чтобы проиллюстрировать лицо в целом, но достаточно часто он не останавливается на глазах. Хотя его работа реалистична, ему комфортно рисовать на основе воображения, оживляя фантастических существ с тем же оттенком и светом, которые сделали бы реальными любые человеческие черты. Вы можете найти его работы в Instagram @hg_art.

Пол Кадден

Пол Кадден — современный шотландский художник, который обращает свой художественный взор на городские сцены и обычных людей, занимающихся повседневными делами.Он может представить эти сцены с фотографической достоверностью, так что его стиль заключается в его перспективе, выборе предмета и обработке этого предмета. Великолепные детали Каддена больше склоняются к более светлой стороне графитовых рисунков, чем большинство гиперреалистов. Его темные линии и негативное пространство, как правило, менее темные, чем вы могли ожидать, создавая ощущение, что вы смотрите на старую фотографию.

Кэт Райли

Художница из Лондона, графитовая художница, Кэт Райли находит свою нишу в уединенном пространстве портретов и рисования.Эти графитовые произведения искусства не только представляют свои объекты с фотографической точностью, но также создают размышления о человеческих отношениях и тоске. С помощью рисунков рук, хватающих кожу и части тела, она может поместить целую область потребностей и ожиданий в градацию серого графита. Она объясняет свои рисунки продолжающимся расширением и эволюционным развитием.

Пьер-Ив Риво

Известный как PEZ на различных сайтах социальных сетей, Пьер-Ив Риво — французский художник, который фокусирует свои усилия как на содержании, так и на деталях, чтобы предлагать выразительные произведения с реалистичной визуализацией.PEZ работает во многих средах, включая живопись, иллюстрацию и графический дизайн. В каждой среде его концептуальные работы всегда завораживают. PEZ часто включает в себя социальные комментарии, предлагая новые взгляды на нашу жизнь и то, что мы делаем. Эти творческие проекты и иллюстрации включают вопросы личности и окружающей среды. Портреты PEZ скорее символичны и импрессионистичны, чем реалистичны. Во всех случаях он подчеркивает ключевые особенности своих рисунков с помощью потрясающей и умной карандашной обработки, чтобы подчеркнуть свою точку зрения.

Шедевры этих 9 художников по графиту обязательно вызовут у вас творческий поток и дадут вам некоторые идеи о том, что вы можете сделать с графитом, учитывая время и практику. Не говоря уже о том, что это лишь верхушка айсберга для чрезвычайно талантливых современных мастеров графита. Подключайтесь к ним в социальных сетях и ищите новых художников, за которыми будет следовать, чтобы начать расширять свои художественные горизонты в области рисования карандашом.

Путешествие к старейшим в мире наскальным рисункам | История

Я изо всех сил пытаюсь удержаться на узкой гряде земли, вьющейся между затопленными рисовыми полями.Стебли, почти готовые к уборке, колышутся на ветру, придавая долине вид мерцающего зеленого моря. Вдалеке над землей возвышаются крутые известняковые холмы, примерно 400 футов высотой, остатки древнего кораллового рифа. Реки размывали ландшафт за миллионы лет, оставив после себя плоскую равнину, прерванную этими причудливыми башнями, называемыми карстами, которые полны отверстий, каналов и соединяющихся пещер, вырезанных водой, просачивающейся сквозь скалу.

Мы находимся на острове Сулавеси в Индонезии, в часе езды к северу от шумного порта Макассар.Мы приближаемся к ближайшему карсту, не обращая внимания на группу больших черных макак, которые визжат на нас с деревьев высоко на скале, и поднимаемся по бамбуковой лестнице через папоротники в пещеру под названием Leang Timpuseng. Внутри обычные звуки повседневной жизни — коровы, петухи, проезжающие мотоциклы — едва слышны из-за настойчивого щебетания насекомых и птиц. Пещера тесная и неуклюжая, и скалы заполняют пространство, создавая ощущение, что она может закрываться в любой момент. Но его скромный вид не может уменьшить мое волнение: я знаю, что в этом месте есть что-то волшебное, что-то, что я проехал почти 8000 миль, чтобы увидеть.

По стенам разбросаны трафареты, человеческие руки обведены красной краской. Хотя они потускнели, они резкие и вызывающие воспоминания, захватывающие послания из далекого прошлого. Мой спутник, Максим Обер, направляет меня в узкую полукруглую нишу, похожую на апсиду собора, и я вытягиваю шею к потолку в нескольких футах над головой. На затемненных сероватых скалах виден, казалось бы, абстрактный узор из красных линий.

Затем мои глаза фокусируются, и линии сливаются в фигуру, животное с большим выпуклым телом, колючими ногами и миниатюрной головой: бабируса, или свиного оленя, некогда распространенного в этих долинах.Обер с восхищением отмечает его аккуратно нарисованные черты лица. «Смотри, есть линия, обозначающая землю», — говорит он. «Клыков нет — самка. А сзади — кудрявый хвост.

Этот призрачный бабирусс был известен местным жителям на протяжении десятилетий, но только после того, как Обер, геохимик и археолог, применил метод, который он разработал, чтобы датировать картину, его важность была раскрыта. Он обнаружил, что он ошеломляюще древний: возрастом не менее 35 400 лет. Это, вероятно, делает его старейшим известным образцом изобразительного искусства в мире — самой первой картиной в мире.

Это одна из более чем дюжины других датированных наскальных рисунков на Сулавеси, которые сейчас конкурируют с самыми ранними наскальными рисунками в Испании и Франции, которые долгое время считались старейшими на земле.

Когда Обер и его коллеги объявили о них в конце 2014 года, эти открытия попали в заголовки газет во всем мире, и последствия оказались революционными. Они разрушают наши самые распространенные представления о происхождении искусства и заставляют нас охватить гораздо более богатую картину того, как и где наш вид впервые проснулся.

Спрятанное в сырой пещере на «другой» стороне мира, это существо с курчавым хвостом является нашим самым близким звеном к тому моменту, когда включился человеческий разум с его уникальной способностью к воображению и символизму.

Наскальные изображения Сулавеси были впервые обнаружены в 1950-х годах. (Гильбер Гейтс)

**********

Кто были первыми «людьми», которые увидели и истолковали мир так же, как мы? Исследования генов и окаменелостей подтверждают, что Homo sapiens и возникли в Африке 200 000 лет назад.Но хотя эти самые древние люди были похожи на нас, не ясно, что они думали так же, как мы.

Интеллектуальные прорывы в эволюции человека, такие как изготовление инструментов, были освоены другими видами гомининов более миллиона лет назад. Что отличает нас, так это наша способность думать и планировать будущее, а также помнить и извлекать уроки из прошлого — то, что теоретики раннего человеческого познания называют «сознанием высшего порядка».

Такое изощренное мышление было огромным конкурентным преимуществом, помогая нам сотрудничать, выживать в суровых условиях и колонизировать новые земли.Это также открыло дверь в воображаемые миры, миры духов и множество интеллектуальных и эмоциональных связей, которые наполнили нашу жизнь смыслом, выходящим за рамки основного импульса к выживанию. И поскольку это позволяло символическое мышление — нашу способность позволять одной вещи заменять другую — это позволяло людям создавать визуальные представления о вещах, которые они могли вспомнить и вообразить. «Мы не могли постичь искусство или постичь ценность искусства, пока у нас не было сознания более высокого порядка», — говорит Бенджамин Смит, ученый по наскальному искусству из Университета Западной Австралии.В этом смысле древнее искусство является маркером этого когнитивного сдвига: найдите ранние картины, особенно образные изображения животных, и вы найдете доказательства существования современного человеческого разума.

До того, как Обер перебрался в Сулавеси, древнейшее датированное искусство прочно существовало в Европе. Возраст эффектных львов и носорогов пещеры Шове на юго-востоке Франции обычно составляет от 30 000 до 32 000 лет, а найденные в Германии фигурки из слоновой кости мамонта соответствуют примерно тому же времени.Репрезентативные изображения или скульптуры не появляются где-либо еще через тысячи лет. Итак, долгое время считалось, что изощренное абстрактное мышление, возможно, открытое удачной генетической мутацией, появилось в Европе вскоре после того, как современные люди прибыли туда около 40 000 лет назад. Когда европейцы начали рисовать, их навыки и человеческий гений, должно быть, распространились по всему миру.

Пещера Шове, Ардеш, Франция.Возраст: от 30 000 до 28 000 до н. Э. | Когда-то считалось, что это старейшее изобразительное искусство, более 1000 изображений хищников, таких как львы и мамонты, не имеют себе равных по своей сложности. (DRAC Rhone-Alpes, Ministere de la Culture / AP Images) Пещера Колибайя, Бихор, Румыния.Датируется: 30 000 г. до н. Э. | В этой пещере, часто затопляемой подземной рекой, в 2009 году спелеологам были показаны изображения бизона, лошади, животного из семейства кошачьих, а также головы медведей и носорогов. (Андрей Посмосану / Румынская федерация спелеологии) Серра-да-Капивара, Пиауи, Бразилия.Возраст: от 28000 до 6000 г. до н. Э. | В этом национальном парке изображения ягуара, тапира и благородного оленя (показанные здесь, ок. 10 000 до н. Э.) Взаимодействуют с человеческими фигурами в сценах, включающих танцы и охоту. (Ниде Гуидон / Фонд Брэдшоу) Убирр в Какаду, Северная территория, Австралия.Датируется: 26000 г. до н. Э. | Художники-аборигены покрывали каменные убежища на протяжении тысячелетий загадочными существами и животными (например, кенгуру здесь), а также, намного позже, прибывающими кораблями. (Том Бойден, Lonely Planet Images / Getty Images) Пещера Аполлона 11, Карас, Намибия.Возраст: от 25 500 до 23 500 до н. Э. | Семь «камней Аполлона-11», обнаруженных вскоре после первой высадки на Луну, украшены фигурами кошачьих и бычьих, выполненными углем и охрой. (Виндхукский музей, Намибия через Фонд африканского наскального искусства) Скальные приюты Бхимбетки, Мадхья-Прадеш, Индия.Датируется: 13000 г. до н. Э. (оценка) | Сгруппированные в пяти естественных укрытиях в скалах, картины показывают большие фигуры животных, в том числе индийского льва и гаура (индийского бизона), а также людей, похожих на палки. (Universal Images Group / Getty Images) Пещеры долины Камберленд, Теннесси, США.S. Датируется: 4000 г. до н. Э. | Искусство в этой долине Аппалачей показывает увлечения коренных жителей Юго-Востока, от охоты (см. Здесь) до религиозной иконографии. (Ян Ф. Симек / Университет Теннесси, Ноксвилл)

Но теперь эксперты оспаривают эту стандартную точку зрения.Археологи из Южной Африки обнаружили, что охра использовалась в пещерах 164 000 лет назад. Они также обнаружили намеренно проткнутые ракушки со знаками, предполагающими, что они были нанизаны как украшения, а также куски охры, на одном из которых выгравирован зигзагообразный узор, намекающий на то, что способность к искусству присутствовала задолго до того, как люди покинули Африку. Тем не менее, доказательства удручающе косвенные. Возможно, охра предназначалась не для рисования, а для отпугивания комаров. И гравюры могли быть одноразовыми, каракулями, не имеющими символического значения, говорит Уил Робрукс, эксперт по археологии древних людей из Лейденского университета в Нидерландах.Другие вымершие виды гомининов оставили такие же неубедительные артефакты.

Напротив, великолепные наскальные рисунки животных в Европе представляют собой устойчивую традицию. Семена художественного творчества, возможно, были посеяны раньше, но многие ученые считают Европу местом, где оно прорвалось в полном объеме. До Шове и Эль-Кастильо, знаменитой пещеры на севере Испании, наполненной искусством, «у нас нет ничего, что отдает фигуративным искусством», — говорит Робрукс. «Но с этого момента, — продолжает он, — у вас есть полный человеческий пакет.Люди были более или менее сопоставимы с вами и мной ».

Тем не менее, отсутствие старых картин может не столько отражать истинную историю наскального искусства, сколько тот факт, что их очень трудно датировать. Радиоуглеродное датирование, которое используется для определения возраста рисунков углем в Шове, основано на распаде радиоактивного изотопа углерода-14 и работает только с органическими остатками. Он бесполезен для изучения неорганических пигментов, таких как охра, форма оксида железа, часто используемая в древних наскальных рисунках.

Вот тут-то и появляется Обер. Вместо того, чтобы непосредственно анализировать пигмент с картин, он хотел датировать камень, на котором они сидели, путем измерения радиоактивного урана, который присутствует во многих породах в следовых количествах. Уран распадается на торий с известной скоростью, поэтому сравнение соотношения этих двух элементов в образце показывает его возраст; чем больше доля тория, тем старше образец. Метод, известный как датирование по урановым сериям, был использован для определения возраста кристаллов циркона из Западной Австралии более четырех миллиардов лет, что доказывает минимальный возраст Земли.Но он также может датировать более новые известняковые образования, в том числе сталактиты и сталагмиты, известные под общим названием speleothems, которые образуются в пещерах, когда вода просачивается или течет через растворимую коренную породу.

Обер, выросший в Леви, Канада, говорит, что с детства интересовался археологией и наскальным искусством. Он думал датировать горные образования в минутном масштабе непосредственно над и под древними картинами, чтобы определить их минимальный и максимальный возраст. Для этого потребуется проанализировать почти невозможные тонкие слои, вырезанные из стены пещеры — толщиной менее миллиметра.Затем, аспирант Австралийского национального университета в Канберре, Обер получил доступ к ультрасовременному спектрометру и начал экспериментировать с машиной, чтобы посмотреть, сможет ли он точно датировать такие крошечные образцы.

Обер осматривает Леанг Тимпусенг, дом рекордного бабируса. (Джастин Мотт)

Через несколько лет Адам Брамм, археолог из Университета Вуллонгонга, где Обер получил докторскую степень (сегодня они оба работают в Университете Гриффита), начал раскапывать пещеры в Сулавеси.Брамм работал с покойным Майком Морвудом, одним из первооткрывателей миниатюрного гоминина Homo floresiensis , который когда-то жил на соседнем индонезийском острове Флорес. Эволюционное происхождение этого так называемого «хоббита» остается загадкой, но, чтобы добраться до Флореса из материковой части Юго-Восточной Азии, его предки должны были пройти через Сулавеси. Брамм надеялся их найти.

Во время работы Брамм и его индонезийские коллеги были поражены окружавшими их ручными трафаретами и изображениями животных.Стандартное мнение заключалось в том, что неолитические фермеры или другие люди каменного века сделали отметки не более 5000 лет назад — считалось, что такие отметки на относительно обнаженных камнях в тропической среде не могли длиться дольше, не разрушаясь. Но археологические данные показали, что современные люди прибыли на Сулавеси по крайней мере 35 000 лет назад. Могли ли некоторые из картин быть старше? «По вечерам мы пили пальмовое вино, разговаривая о наскальном искусстве и о том, как его датировать», — вспоминает Брамм.И его осенило: новый метод Обера казался идеальным.

Идея датировать картины в Сулавеси пришла из Брумма. (Джастин Мотт)

После этого Брамм при каждой возможности искал картины, частично скрытые образованиями. «Однажды в выходной я посетил Лианг Джари, — говорит он. Леанг Джари означает «Пещера пальцев», названная так в честь десятков трафаретов, украшающих ее стены. Как и Леанг Тимпусенг, он покрыт небольшими наростами из белых минералов, образовавшихся в результате испарения просачивающейся или капающей воды, которые получили прозвище «пещерный попкорн».«Я вошел и бах , я видел эти вещи. Весь потолок был покрыт попкорном, и я мог видеть кусочки ручных трафаретов между ними », — вспоминает Брамм. Вернувшись домой, он велел Оберу приехать в Сулавеси.

Следующим летом Обер провел неделю, путешествуя по региону на мотоцикле. Он брал образцы с пяти картин, частично покрытых попкорном, каждый раз используя сверло с алмазным наконечником, чтобы вырезать из камня небольшой квадрат, примерно 1,5 сантиметра в поперечнике и несколько миллиметров глубиной.

Вернувшись в Австралию, он провел недели, кропотливо измельчая образцы горных пород на тонкие слои, прежде чем разделить уран и торий в каждом из них. «Вы собираете порошок, затем удаляете еще один слой, а затем собираете порошок», — говорит Обер. «Вы пытаетесь подобраться как можно ближе к красочному слою». Затем он поехал из Вуллонгонга в Канберру, чтобы проанализировать свои образцы с помощью масс-спектрометра, спал в своем фургоне за пределами лаборатории, чтобы он мог работать как можно больше часов, чтобы свести к минимуму количество дней, необходимых ему на дорогостоящей машине.Не имея возможности получить финансирование для проекта, ему пришлось самому оплатить полет на Сулавеси и анализ. «Я был полностью разорен», — говорит он.

Самый первый возраст, вычисленный Обером, относится к трафарету для руки из Пещеры Пальцев. «Я подумал:« Вот дерьмо », — говорит он. «Итак, я рассчитал это снова». Затем он позвонил Брамму.

«Я не мог понять, что он говорил, — вспоминает Брамм. «Он выпалил« 35 000! »Я был ошеломлен. Я сказал, ты уверен? Я сразу почувствовал, что это будет большим.”

**********

Пещеры, которые мы посещаем на Сулавеси, поражают своим разнообразием. Они варьируются от небольших убежищ в скалах до огромных пещер, населенных ядовитыми пауками и большими летучими мышами. Везде есть свидетельства того, как вода сформировала и изменила эти пространства. Камень пузырящийся и динамичный, часто блестящий во влажном состоянии. Он принимает формы, напоминающие черепа, медузы, водопады и люстры. Помимо знакомых сталактитов и сталагмитов, здесь есть колонны, занавески, ступени и террасы — и повсюду попкорн.Он растет как ракушки на потолках и стенах.

К нам присоединился Мухаммад Рамли, археолог из Центра сохранения археологического наследия в Макассаре. Рамли хорошо знает искусство этих пещер. Первым, что он посетил, будучи студентом в 1981 году, был небольшой участок под названием Leang Kassi. По его словам, он хорошо это помнит, не в последнюю очередь потому, что во время ночевки в пещере его схватили местные жители, которые подумали, что он охотник за головами. Рамли сейчас полный, но энергичный 55-летний мужчина с широкополой шляпой исследователя и коллекцией футболок с надписями типа «Спасите наше наследие» и «Сохраняйте спокойствие и посещайте музеи.Он составил каталог более 120 мест наскального искусства в этом регионе и установил систему ворот и охранников для защиты пещер от повреждений и граффити.

Почти все отметины, которые он мне показывает, охрой и углем, появляются на относительно незащищенных участках, освещенных солнцем. И их, видимо, сделали все члены сообщества. В одном месте я залезаю на фиговое дерево в небольшую высокую камеру и получаю в награду очертания руки, настолько маленькой, что она могла принадлежать моему двухлетнему сыну.На другом — руки выстроены в две горизонтальные дорожки, все пальцы направлены влево. В других местах есть руки с тонкими заостренными пальцами, которые, возможно, образовались наложением одного трафарета на другой; с нарисованными линиями ладони; и с согнутыми или отсутствующими пальцами.

На Сулавеси до сих пор существует традиция смешивать рисовый порошок с водой, чтобы сделать отпечаток руки на центральной колонне нового дома, объясняет Рамли, для защиты от злых духов. «Это символ силы», — говорит он.«Может быть, доисторический человек тоже так думал». А на соседнем острове Папуа, говорит он, некоторые люди выражают свое горе, когда любимый человек умирает, отрубив палец. Возможно, предполагает он, трафареты с отсутствующими пальцами указывают на то, что эта практика тоже имеет древнее происхождение.

Пол Такон, эксперт по наскальному искусству из Университета Гриффита, отмечает, что ручные трафареты похожи на рисунки, созданные до недавнего времени в северной Австралии. Старейшины австралийских аборигенов, с которыми он беседовал, объясняют, что их трафареты предназначены для выражения связи с определенным местом, чтобы сказать: «Я был здесь.Это мой дом.» По его словам, трафареты для рук на Сулавеси «вероятно, были созданы по тем же причинам». Такон считает, что после того, как был сделан скачок в наскальное искусство, был установлен новый когнитивный путь — способность сохранять сложную информацию с течением времени. «Это было серьезное изменение», — говорит он.

В этих пещерах есть два основных этапа художественного творчества. Серия рисунков черным углем — геометрические фигуры и фигурки из палочек, включая животных, таких как петухи и собаки, которые были завезены на Сулавеси в последние несколько тысяч лет — не датирована, но предположительно не могла быть сделана до появления этих видов. .

Рядом с ними есть красные (а иногда и пурпурно-черные) рисунки, которые выглядят очень по-разному: трафареты для рук и животные, включая бабируса в Леанг Тимпусенг, и другие виды, эндемичные для этого острова, такие как бородавчатая свинья. Это картины, датированные Обером и его коллегами, чья статья, опубликованная в журнале Nature в октябре 2014 года, в конечном итоге включала более 50 дат из 14 картин. Самым древним из всех был ручной трафарет (рядом с рекордной бабируссой) с минимальным возрастом 39 900 лет, что делает его самым старым из известных трафаретов в мире и всего на 900 лет меньше, чем самая старая известная в мире наскальная живопись любого рода. , простой красный диск в Эль-Кастильо.Самый молодой трафарет был датирован не более 27 200 лет назад, что свидетельствует о том, что эта художественная традиция сохранялась практически неизменной на Сулавеси как минимум 13 тысячелетий.

Мухаммад Рамли, составивший каталог более 120 мест, идет в пещеру под названием Леанг Сакапао, недалеко от Мароса.(Джастин Мотт) Фара освещает старинные ручные трафареты наскального искусства внутри Леанг Сакапао.(Джастин Мотт) Трафареты, подобные этим в Пещере Пальцев, делались, прикладывая ладонь к камню и обдувая ее краской.(Джастин Мотт) Рамли предполагает, что расположение картин в пещерах может помочь понять их значение.Он думает, что те, кто не зажигал утром или днем, скорее всего, были религиозными. (Джастин Мотт) Животные, такие как свиньи и аноа, иногда называемые карликовым буйволом, перемежаются ручными трафаретами, сделанными за тысячи лет.Считается, что возраст приведенных выше животных, хотя и не датирован, составляет около 35000 лет. (Джастин Мотт) Обер показывает фотографию свиней в Леанг Сакапао.(Джастин Мотт) Индонезийский археолог исследует искусство в Леанг Тимпусенг.(Джастин Мотт)

Полученные данные стерли то, что мы думали, что знали о зарождении человеческого творчества.Как минимум, они доказали раз и навсегда, что искусство не зародилось в Европе. К тому времени, как формы рук и лошадей начали украшать пещеры Франции и Испании, люди здесь уже украшали собственные стены. Но если европейцы не изобрели эти формы искусства, то кто это сделал?

На этом мнения экспертов разделились. Такон не исключает возможности того, что искусство могло возникнуть независимо в разных частях мира после того, как современные люди покинули Африку. Он отмечает, что, хотя ручные трафареты распространены в Европе, Азии и Австралии, их редко можно увидеть в Африке.«Когда вы отправляетесь в новые земли, возникают всевозможные проблемы, связанные с новой средой, — говорит он. Вы должны найти свой путь и иметь дело со странными растениями, хищниками и добычей. Возможно, люди в Африке уже украшали свои тела или быстро рисовали на земле. Но с помощью отметин на камнях мигранты могли обозначать незнакомые пейзажи и оставлять отпечатки на новых территориях.

Тем не менее, есть наводящие на размышления сходства между самым ранним сулавесским и европейским фигуративным искусством: рисунки животных детализированы и натуралистичны, с умело нарисованными линиями, создающими впечатление шерсти бабируса или, в Европе, гривы раскачивающейся лошади.Такон считает, что технические параллели «предполагают, что рисование натуралистических животных является частью общей практики охотников-собирателей, а не традицией какой-либо конкретной культуры». Другими словами, в таком образе жизни может быть что-то, что спровоцировало обычную практику, а не возникло из одной группы.

Но Смит из Университета Западной Австралии утверждает, что сходство — использование охры, нанесение трафарета вручную и реалистичные животные — не могут быть случайными. Он считает, что эти методы, должно быть, возникли в Африке до того, как началась волна миграции с континента.Это мнение разделяют многие эксперты. «Могу поспорить, что это было в рюкзаке первых колонизаторов», — добавляет Уил Робрукс из Лейденского университета.

Выдающийся французский доисторик Жан Клоттес считает, что такие техники, как трафарет, вполне могли развиваться отдельно в разных группах, включая тех, кто в конечном итоге остановился на Сулавеси. Клотт, один из самых уважаемых мировых авторитетов в области наскального искусства, руководил исследованием пещеры Шове, которое способствовало развитию идеи европейской «человеческой революции».«Почему бы им не делать трафареты для рук, если бы они этого хотели?» — спрашивает он, когда я добираюсь до его дома в Фуа, Франция. «Люди все время изобретают заново». Но хотя ему не терпится увидеть, как результаты Обера будут воспроизведены другими исследователями, он чувствует, что то, что многие подозревали на основании пробитых раковин и резных кусков охры, найденных в Африке, теперь почти неизбежно: это далеко не поздняя разработка, но искры художественного творчества могут восходит к нашим самым ранним предкам на этом континенте. Он считает, что где бы вы ни встретили современных людей, вы найдете искусство.

**********

В пещере, известной как пещера Горного туннеля, ведра, тачка и бесчисленные мешки с глиной окружают аккуратно вырытую траншею, пять метров в длину на три метра глубиной, где Адам Брамм наблюдает за раскопками, которые показывают, как ранние художники острова жил.

Люди прибыли на Сулавеси в рамках волны миграции из Восточной Африки, которая началась около 60 000 лет назад, вероятно, пересекла Красное море и Аравийский полуостров в нынешнюю Индию, Юго-Восточную Азию и Борнео, которые в то время были частью материк.Чтобы добраться до Сулавеси, который всегда был островом, им потребовались бы лодки или плоты, чтобы пересечь как минимум 60 миль океана. Хотя человеческие останки того периода еще не были обнаружены на Сулавеси, считается, что первые жители острова были тесно связаны с первыми людьми, колонизировавшими Австралию около 50 000 лет назад. «Они, вероятно, в целом были похожи на нынешних аборигенов или папуасов», — говорит Брамм.

Брамм и его команда обнаружили свидетельства разведения костров, очагов и точно обработанных каменных инструментов, которые, возможно, использовались для изготовления оружия для охоты.Тем не менее, хотя жители этой пещеры иногда охотились на крупных животных, таких как кабан, археологические находки показывают, что они в основном ели пресноводных моллюсков и животное, известное как кускус медведя Сулавеси — медлительное обитающее на деревьях сумчатое животное с длинным цепким хвостом. .

Французский антрополог Клод Леви-Стросс в 1962 году, как известно, утверждал, что первобытные люди предпочли идентифицировать себя и представлять животных не потому, что они «хороши для еды», а потому, что они «хороши для мысли».«Для европейских пещерных художников ледникового периода лошади, носороги, мамонты и львы были менее важны как обед, чем как вдохновение. Похоже, что древние сулавесцы также были перемещены к изображению более крупных, устрашающих и впечатляющих животных, чем те, которых они часто ели.

Сейчас началась охота за еще более старыми картинами, которые могли бы приблизить нас к моменту пробуждения нашего вида. Обер собирает образцы известняка из расписных пещер в других частях Азии, в том числе на Борнео, по маршруту, по которому мигранты отправились бы в Сулавеси.И он, и Смит также независимо друг от друга работают над разработкой новых методов изучения других типов пещер, включая участки песчаника, распространенные в Австралии и Африке. Песчаник не образует пещерный попкорн, но камень образует «кремнеземную пленку», которую можно датировать.

Смит, работая с коллегами в нескольких учреждениях, только получает первые результаты анализа картин и гравюр в Кимберли, районе на северо-западе Австралии, до которого современные люди дошли по крайней мере 50 000 лет назад.«Ожидается, что мы можем увидеть несколько очень интересных ранних свиданий», — говорит Смит. «Меня бы совсем не удивило, если довольно быстро мы получим массу дат, более ранних, чем в Европе». И теперь ученые взволнованно обсуждают перспективу анализа наскальных рисунков в Африке. «99,9% наскальных изображений не датированы», — говорит Смит, приводя в качестве примера изображения крокодилов и бегемотов охрой, найденные в Сахаре, часто на песчанике и граните. «Принятая дата для них — от 15 000 до 20 000 лет», — говорит он.«Но нет причин, по которым они не могли быть старше».

По мере того, как истоки искусства уходят в прошлое, нам придется пересмотреть наши часто локализованные представления о том, что в первую очередь вызвало такое эстетическое выражение. Ранее предполагалось, что суровый северный климат Европы требовал прочных социальных связей, которые, в свою очередь, стимулировали развитие языка и искусства. Или это соревнование с неандертальцами, существовавшее в Европе примерно 25000 лет назад, подтолкнуло современных людей к выражению своей идентичности, рисуя на стенах пещер — древние гомининские флага.«Эти аргументы отпадают, — говорит Смит, — потому что это произошло не там, где это произошло».

Clottes отстаивал теорию о том, что в Европе, где искусство было спрятано глубоко в темных комнатах, главной функцией наскальных рисунков было общение с миром духов. Смит также убежден, что в Африке духовные верования привели к возникновению самого первого искусства. Он цитирует пещеру Носорогов в Ботсване, где археологи обнаружили, что от 65 до 70 тысяч лет назад люди приносили в жертву аккуратно сделанные наконечники копий, сжигая или разбивая их перед большой каменной панелью с сотнями круглых отверстий.«Мы можем быть уверены, что в подобных случаях они верили в некую духовную силу», — говорит Смит. «И они верили, что искусство и ритуал по отношению к искусству могут повлиять на эти духовные силы для их собственной выгоды. Они делают это не только для того, чтобы создавать красивые картинки. Они делают это, потому что общаются с духами земли ».

В пещере «Горный туннель», стены которой украшены трафаретами и обильными следами краски, Брамм теперь также находит материалы ранних художников.По его словам, в пластах, датируемых примерно тем же временем, что и близлежащие трафареты, «наблюдается значительный всплеск охры». На данный момент его команда нашла каменные орудия с краями, размазанными охрой, и куски охры размером с мяч для гольфа с царапинами. Есть также разбросанные фрагменты, вероятно, упавшие и разбрызганные, когда художники измельчали ​​свою охру, прежде чем смешать ее с водой — на самом деле достаточно, чтобы весь этот кусок земли был окрашен в вишнево-красный цвет.

Брумм говорит, что этому слою обитания насчитывается не менее 28000 лет, и он в настоящее время анализирует более старые слои, используя радиоуглеродное датирование органических остатков и датирование по урановой серии горизонтальных сталагмитов, которые проходят сквозь отложения.

Он называет это «решающей возможностью». По его словам, впервые в этой части мира «мы связываем захороненные свидетельства с наскальными рисунками». Эти свидетельства показывают, что, по крайней мере, на этом острове пещерное искусство не всегда было эпизодическим занятием в отдаленных священных местах. Если религиозные верования и играли роль, то они были неразрывно связаны с повседневной жизнью. Посреди этажа пещеры первые сулавесийцы сели у костра, чтобы готовить, есть, делать инструменты и смешивать краски.

**********

В небольшой укромной долине Обер, Рамли и я гуляем по рисовым полям рано утром. Стрекозы блестят на солнце. На дальнем краю мы поднимаемся по лестнице высоко на скалу, откуда открывается захватывающий вид и пещерный вестибюль, населенный ласточками.

В низкой камере внутри по потолку бродят свиньи. Похоже, что двое спариваются, что уникально для пещерного искусства, отмечает Рамли. Другая, с опухшим животом, может быть беременна.Он полагает, что это история возрождения, основанная на мифах.

Мимо свиней проход ведет в более глубокую камеру, где на высоте головы находится панель с хорошо сохранившимися трафаретами, включая предплечья, которые выглядят так, как будто они выходят прямо из стены. Наскальное искусство — «один из самых сокровенных архивов прошлого», — сказал мне однажды Обер. «Это вызывает чувство удивления. Мы хотим знать: кто это сделал? Почему?» Рисунки животных впечатляют технически, но трафареты вызывают у меня сильнейшую эмоциональную связь.Сорок тысяч лет спустя, стоя здесь в свете факелов, чувствуешь себя свидетелем искры или рождения, знамения чего-то нового во Вселенной. Обведенные брызгами краски, пальцы широко расставлены, следы выглядят настойчиво и живо.

Что бы ни подразумевалось под этими трафаретами, в их просмотре не может быть более сильного сообщения: мы люди. Мы здесь. Я поднимаю руку, чтобы встретить одного из них, пальцы парят в дюйме над древним очертанием. Подходит идеально.

Экспертный совет для начинающих художников

Кэрри Льюис в Art Business Advice> General Art Advice

Недавно я написал статью, описывающую, как начать продавать искусство, независимо от того, какое искусство вы создаете.Однако сегодня я хочу сузить круг своих интересов и поговорить о , как продавать чертежи .

Я специализируюсь именно на цветных карандашах, но эти техники помогут вам продать любой тип двумерного рисунка на бумаге. Сюда входят уголь, графит, цветные карандаши и даже чернила.

Быстрое объявление — EmptyEasel создала более быстрый и простой способ для художников иметь собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!

Почему этот вид искусства заслуживает отдельного обсуждения?

Просто потому, что многим художникам труднее продавать рисунки, чем другие виды искусства.Поместите картину маслом и рисунок цветным карандашом рядом — даже если оба объекта одинаково хорошо прорисованы, многим художникам будет легче продать картину маслом, чем рисунок.

Итак, чтобы помочь вам начать продавать свои рисунки более успешно, сегодня я собираюсь обратиться к трем основным направлениям:

• Создание работ профессионального качества
• Цены на чертежи
• Продвижение и маркетинг

Как создавать чертежи профессионального качества

Вы должны рассчитывать на продажу своих рисунков только в том случае, если вы создаете хорошо визуализированные, профессионально выглядящие произведения искусства.Ничто так не сказывается на продажах, как вещи, которые не выглядят законченными или выглядят дилетантскими. Вот несколько полезных советов:

1. Не начинайте продавать слишком рано

Начать продавать в Интернете настолько легко, что многие художники бросаются на продажи слишком рано. На самом деле, это не так уж и сложно сделать в автономном режиме. Я знаю. Я сделал это.

Два рисунка ниже показывают уровень моих навыков в 1999 году (слева) и в 2013 году. Да, я действительно продавал рисунки тех ранних лет, в том числе тот, который показан здесь, но мне действительно жаль, что я не подождал немного дольше, чтобы начать продажу.

Дайте себе время узнать, на что способно средство (и на что способны вы!), Прежде чем начинать продавать. Вы также хотите дать себе время, чтобы понять, сможете ли вы создать согласованный объем работы.

Сколько времени достаточно? Художник отличается от художника, но хорошее практическое правило — подготовить не менее полдюжины или более рисунков качества , прежде чем вы начнете продавать.

2. Используйте лучшие материалы для рисования, которые вы можете себе позволить

Действительно есть разница в результатах между некачественными и качественными расходными материалами.Особенно важно использовать архивную бумагу для рисования, которая не желтеет и не становится ломкой с возрастом. У вашей бумаги также должно быть ощущение качества. То же самое относится и к вашим инструментам для рисования. Уголь, графит, цветной карандаш, контекст или другие инструменты для рисования всегда должны быть лучшими, которые вы можете себе позволить.

3. Начните с конца

Прежде чем вы начнете рисовать, выделите немного времени, чтобы представить готовое произведение искусства. Подумайте, как вы хотите, чтобы он выглядел, и как вы планируете достичь этого результата.Размер рисунка важен, так же как и его ориентация. Подумайте также о пропорциях. Может ли формат панорамы сделать пейзаж лучше, чем более квадратный? А как насчет круга или овала?

Некоторые художники делают эскизы для отработки базовой композиции. Некоторые используют фоторедакторы для планирования композиции.

Какой бы метод вы ни использовали, ваша цель должна заключаться в создании объекта, который не только красиво визуализируется, но и уникален в других отношениях. Эти детали не только выделят вашу работу и сделают ее более востребованной, но и сделают ее более увлекательной.

4. Не торопитесь с каждым розыгрышем

Не торопитесь с проектом. Вместо этого обратите внимание на штрихи, тени и детализацию. Каждый удар должен способствовать общему прогрессу произведения. Если вы обнаружите, что становитесь ленивым или беспечным, остановитесь! Сделай перерыв. Вы не пожалеете об этом!

Затем, когда вы думаете, что рисунок закончен, дайте ему еще один час. . . или даже еще один день. Даже если ваш рисунок выглядел довольно хорошо до этого дополнительного времени, вы все равно можете быть удивлены, насколько лучше он выглядит после того, как вы потратили дополнительное время.

5. Продавайте только свои лучшие рисунки

Когда вы будете готовы продавать, продавайте только свои лучшие работы. Это гарантирует вам хорошую репутацию среди покупателей и потенциальных покупателей. Когда вы размещаете свои работы в Интернете, используйте хорошие, четкие изображения и укажите всю необходимую информацию (размер, средний, тип бумаги и т. Д.), Чтобы покупатели знали, что вы продаете.

Как оценить ваши рисунки

Когда у вас есть работа для продажи, вам нужно решить, сколько за нее нужно платить.Нет простого способа рассчитать цены. Не существует метода «серебряной пули», который подходит каждому художнику.

Однако. . . Часто лучший способ оценить свое искусство — это просто посмотреть на работы, которые продают другие художники.

Начните с художников, которые используют те же материалы, что и вы, и создают произведения искусства, похожие по размеру, формату и тематике. Точное совпадение не требуется; вы просто ищете отправную точку.

Признанные художники смогут брать больше, чем художники, впервые появившиеся на рынке, поэтому обратите внимание на художников, которые относительно новы в продажах, а также на тех, кто работал некоторое время.Запишите самые высокие и самые низкие цены, которые вы видите. Когда вы начнете продавать, вы, вероятно, захотите начать с нижней границы шкалы. Если ваша работа начинает «разлетаться с полок», вы можете позволить себе повышать цены.

Если у вас есть приблизительное представление о ценах, вам понадобится последовательный способ расчета цен на отдельные изделия. Два самых простых метода ценообразования — это квадратный дюйм и единый дюйм. Вот как работает каждый из этих методов ценообразования. . .

Цена в квадратных дюймах:

Когда вы устанавливаете цены в квадратном дюйме, вы сначала определяете общую площадь вашего рисунка, умножая его длину на ширину.Затем умножьте площадь на сумму в долларах по вашему выбору. Если вы решите брать 5 долларов за квадратный дюйм, цена рисунка 8 × 10 составит 400 долларов (8 x 10 = 80; 80 x 5 = 400).

Цена по единому дюймовому методу:

Метод унифицированных дюймов аналогичен, но вместо умножения вы просто добавляете длину к ширине. Затем умножьте это «унифицированное» число на выбранную вами стоимость за дюйм. В данном случае я выбрал 25 долларов за единый дюйм.

Используя тот же пример рисунка 8 × 10, приведенный выше, у вас будет 18 унифицированных дюймов, а цена будет 450 долларов (8 + 10 = 18; 18 x 25 = 450.)

Как видите, вам придется платить больше за единый дюйм, чтобы получить разумную цену. Обратите внимание, однако, что чем больше ваше произведение искусства, тем больше разница в цене между двумя методами. Количество времени, которое вы потратите на эти более крупные произведения искусства, может определить, какой метод ценообразования наиболее подходит для вас.

Есть и другие способы расчета цен — пробуйте сколько угодно, если это то, что нужно, чтобы найти тот, который вам подходит. Ключ в том, чтобы понять это до того, как вы начнете продавать, чтобы вы не меняли методы в середине потока.

Как продвигать и продавать свои рисунки

Когда дело доходит до продажи рисунков, многие идеи, перечисленные в моем кратком руководстве по продаже произведений искусства, все еще применимы. Однако вот некоторые из наиболее популярных способов сбыта чертежей, в частности:

1. Принять сданные работы

Вероятно, наиболее последовательный способ продажи чертежей — это выполнение комиссионных. В эту категорию попадают портреты людей и животных, портреты собственности (дома, машины или другое имущество, которое означает что-то особенное для клиента) и выполненные на заказ работы любого другого типа.

Поклонники всех медиумов могут быть потенциально заинтересованы в специально разработанных рисунках, поэтому, даже если вы не хотите становиться эксклюзивным художником по заказу, всегда стоит потратить время и усилия, чтобы дать клиентам возможность заплатить вам за создание чего-то особенного для их.

2. Разместите свои рисунки в Instagram

Искусство (и особенно рисунки) чрезвычайно популярны в этой социальной сети. Людям нравится видеть несколько незавершенных фотографий рисунков или даже ускоренные видеоролики, в которых художник создает сцену от начала до конца.Лучше всего то, что вы можете получить новых поклонников и поклонников, просто добавив соответствующие хэштеги в свой пост.

Если вы новичок в Instagram и не знаете, как им пользоваться, ознакомьтесь с этим простым руководством по Instagram для художников.

3. Поощрение рефералов из уст в уста

Довольный клиент обеспечивает ваш лучший маркетинг, поэтому сделайте все возможное, чтобы ваши нынешние покупатели были довольны. Посетители дома или офиса видят вашу работу, и по-настоящему счастливый клиент будет только рад поговорить о произведении искусства и художнике — вы!

Сарафанный маркетинг работает со всеми формами искусства, но он особенно полезен при продаже рисунков, потому что ваш счастливый клиент уже сделал выбор в пользу покупки рисунка и ему это нравится.

В некотором смысле рекомендация вашего клиента похожа на процесс предварительной проверки. Потенциальные покупатели видят работу на бумаге и получают хорошее представление о качестве и внешнем виде вашей работы. Они заранее знают, нужен ли им такой вид искусства. К тому времени, когда они связываются с вами, они часто уже решают что-то у вас купить. Все, что вам нужно сделать, это ответить на вопросы и проработать детали.

4. Продвигайте свои рисунки на собственном сайте

Наличие веб-сайта — это необходимо , если вы хотите продавать чертежи.Причина, по которой веб-сайт так важен, заключается в том, что он дает вам возможность отправлять клиентов и клиентов, чтобы они увидели вашу работу, немного узнали о вас и узнали о ваших методах работы. Разместите на своем веб-сайте только свои лучшие работы, убедитесь, что ваши изображения точно отображают четкие цвета и контраст и представлены профессионально.

Веб-сайт также является отличным способом предоставить потенциальным покупателям быстрый и простой способ связаться с вами, поскольку большинство шаблонов веб-сайтов теперь включают страницу контактов. Существует множество сервисов, предлагающих базовые шаблоны, которые вы можете настроить — просто поищите в Интернете «Сайты художников» или попробуйте простые сайты художников EmptyEasel, если вам не нужно создавать свои собственные.

5. Присоединяйтесь к рисовальным группам и обществам

Еще один отличный способ продвигать свою работу на рынке — это находить группы, общества и ассоциации, посвященные вашей среде, и вступать в них. Общество цветных карандашей Америки — это популярная группа по продаже цветных карандашей. Общество карандашного искусства приветствует художников, работающих с графитом, цветным карандашом, углем, водорастворимыми карандашами и контентом.

Хотя не все такие группы или ассоциации позволяют членам продавать свои работы через группу, большинство из них действительно предлагают множество ресурсов и / или проводят ежегодные выставки для членов.Ссылки на веб-сайты художников также включены в список участников, поэтому любой, кто ищет определенный вид искусства, может получить доступ к десяткам художников, посетив такие ассоциации.

6. Сдам стенд на выставках

Не забывайте об одном из моих любимых нестандартных способов маркетинга: продаже рисунков на выставках. Когда дело доходит до проведения торговых выставок и других специализированных мероприятий, ваше единственное ограничение — это ваше воображение. Ищите шоу, которые обслуживают сегмент вашей аудитории или, возможно, даже похожи на сегмент вашей аудитории.

Например, я много занимаюсь пейзажами цветным карандашом. Я бы рассмотрел торговые и специализированные выставки, такие как выставки дома и сада, выставки товаров для дома, выставки под открытым небом, а также выставки путешествий или туристов.

В конечном счете, продажа ваших рисунков ничем не отличается от продажи любого другого вида искусства. . . вы ограничены только своей изобретательностью, смелостью и преданностью продвижению своей работы. Удачи!

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.